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AO REALIZAR O LOGIN O USUÁRIO CONFIRMA EXPRESSAMENTE ESTAR CIENTE DOS TERMOS DE USO E POLÍTICA DE PRIVACIDADE
TERMOS DE USO IARREMATE
TERMOS DE USO
1. Aceitação dos Termos e Políticas
1.1. Quais informações estão presentes neste Termo de Uso?
Neste Termo de Uso, o usuário da plataforma de transmissão de leilões iArremate encontrará informações sobre:
• O funcionamento do serviço e as regras aplicáveis;
• O arcabouço legal relacionado à prestação do serviço;
• As responsabilidades do usuário ao utilizar o serviço;
• As responsabilidades do iArremate ao prover o serviço;
• Informações para contato, caso exista alguma dúvida ou seja necessário atualizar informações;
• O foro responsável por eventuais reclamações caso questões deste Termo de Uso tenham sido violadas.
Além disso, na Política de Privacidade, o usuário da plataforma de transmissão de leilões iArremate encontrará informações sobre o tratamento de dados pessoais, a sua finalidade, como são coletados, o compartilhamento de dados com terceiros e as medidas de segurança implementadas para proteger esses dados.
1.2. Aceitação do Termo de Uso e Política de Privacidade:
Ao utilizar os serviços do iArremate, o usuário confirma que leu e compreendeu os Termos de Uso e a Política de Privacidade aplicáveis ao serviço prestado pela plataforma e concorda em ficar vinculado a eles.
2. Definições:
Para melhor compreensão deste documento, neste Termo de Uso e Política de Privacidade, consideram-se:
I - Dado pessoal: informação relacionada a pessoa natural identificada ou identificável;
II - Banco de dados: conjunto estruturado de dados pessoais, estabelecido em um ou em vários locais, em suporte eletrônico ou físico;
III - Usuário: todas as pessoas naturais que utilizarem a plataforma de transmissão de leilões iArremate, para comprar ou vender, e a quem se referem os dados pessoais tratados;
IV - Violações de dados pessoais: violação de segurança que provoque, acidental ou ilicitamente, a destruição, perda, alteração, divulgação ou acesso não autorizado a dados pessoais;
V - Tratamento: operação realizada com dados pessoais, como coleta, armazenamento, processamento, eliminação, entre outros;
VI - Controlador: pessoa natural ou jurídica que decide sobre o tratamento de dados pessoais;
VII - Operador: pessoa natural ou jurídica que realiza o tratamento de dados pessoais em nome do controlador;
VIII - Encarregado: pessoa indicada pelo controlador para atuar como canal de comunicação entre o controlador, os titulares dos dados e a Autoridade Nacional de Proteção de Dados (ANPD);
IX - Arrematante: usuário que realiza o lance vencedor em um leilão;
X - Lote: conjunto de bens ou item específico ofertado em leilão;
XI - Pregão: sessão pública em que são aceitos lances para a compra de bens em leilão.
3. Arcabouço Legal:
• Lei nº 12.965, de 23 de abril de 2014 - Marco Civil da Internet: Estabelece princípios, garantias, direitos e deveres para o uso da Internet no Brasil.
• Lei nº 13.709, de 14 de agosto de 2018 - Lei Geral de Proteção de Dados Pessoais (LGPD): Dispõe sobre a proteção de dados pessoais.
4. Descrição do Serviço
"Quero vender"
"O portal iArremate é exclusivamente um veículo de transmissão de leilões. Nosso portal não realiza vendas diretas, mas podemos auxiliá-lo a colocar sua obra em uma de nossas galerias parceiras. Podemos também ajudá-lo na avaliação da obra. Para isso, preencha o formulário disponível e entraremos em contato."
"Quero comprar"
"O portal iArremate é um veículo de transmissão de leilões que transmite os maiores e melhores leilões de arte e antiguidades do Brasil. Somos uma ferramenta que facilita o acesso a obras valiosas no mercado. Não efetuamos vendas diretas. Para adquirir qualquer obra, cadastre-se conosco para acessar salas de leilões ao vivo."
Transmissão Online
Ao ingressar no pregão, o usuário fica ciente de que a realização do leilão é em tempo real, e os lances são transmitidos de forma imediata por meio do clique. Contudo, o iArremate não se responsabiliza por quaisquer interrupções, instabilidades ou quedas na conexão de internet, que são riscos inerentes à escolha do meio digital para participação.
5. Direitos do Usuário
O usuário da plataforma iArremate possui os seguintes direitos conferidos pela Lei Geral de Proteção de Dados Pessoais (LGPD):
• Direito de confirmação e acesso (Art. 18, I e II): Confirmação de que os dados pessoais são tratados e, se for o caso, direito de acessá-los.
• Direito de retificação (Art. 18, III): Solicitação de correção de dados incompletos, inexatos ou desatualizados.
• Direito à limitação do tratamento dos dados (Art. 18, IV): Eliminação de dados desnecessários, excessivos ou tratados de forma irregular.
• Direito de oposição (Art. 18, § 2º): Direito de se opor ao tratamento de dados por motivos relacionados à sua situação particular.
• Direito de portabilidade dos dados (Art. 18, V): Portabilidade dos dados a outro fornecedor de serviço ou produto, mediante solicitação expressa.
• Direito de não ser submetido a decisões automatizadas (Art. 20, LGPD): Revisão de decisões automatizadas que afetem interesses do titular.
• Direito ao respeito à intimidade (Constituição Federal, Art. 5º, X): Respeito à intimidade, vida privada, honra e imagem dos indivíduos.
Responsabilidade sobre a descrição dos lotes
A casa de leilões organizadora do evento é responsável pela descrição detalhada dos lotes. O iArremate apenas transmite os leilões e não realiza a venda direta dos itens leiloados. Como a casa de leilões contrata o leiloeiro para realizar o pregão de itens pertencentes a terceiros, a relação de consumo não é aplicável neste contexto, conforme previsto no Código de Defesa do Consumidor (CDC).
6. Responsabilidades do Usuário
O usuário é responsável pela precisão e veracidade dos dados fornecidos e reconhece que inconsistências podem impedir a utilização da plataforma.
O usuário se compromete a:
• Fornecer somente seus próprios dados pessoais, mantendo-os atualizados.
• Manter a confidencialidade de seu login e senha, responsabilizando-se por seu uso.
• Arcar com as obrigações assumidas ao realizar lances, inclusive o pagamento dos lotes arrematados. Em caso de desistência, o usuário está sujeito ao pagamento de uma taxa de administração, comissão do leiloeiro e multa de 20% devida à galeria e 10% devida ao iArremate.
• Rejeição de procuração: O iArremate não reconhece a validade de procurações privadas ou informais para o acesso e uso da plataforma. O acesso é restrito ao próprio usuário, que é exclusivamente responsável por suas ações e lances realizados no sistema. Somente será aceita procuração por instrumento públicos, formalizada em Cartório, com poderes específicos para representação no leilão, e esta deverá ser apresentada com antecedência mínima de 48 horas antes do pregão ou do lance, para que possa ser validada e registrada pela equipe do iArremate. Caso a procuração não seja apresentada dentro do prazo estipulado, o acesso ao sistema será negado ao procurador.
A inadimplência resultará em sanções previstas no edital do leilão e a exclusão definitiva do sistema do iArremate.
7. Responsabilidade do iArremate
O iArremate se compromete a cumprir todas as legislações aplicáveis sobre o uso correto dos dados pessoais dos usuários, protegendo sua privacidade e garantindo os direitos conferidos pela LGPD.
O iArremate não se responsabiliza por interrupções, instabilidades ou quedas de conexão na internet durante a transmissão dos leilões. Estes são riscos inerentes à escolha do meio digital de participação e estão fora do controle da plataforma.
Bloqueio de acesso em caso de litígio
Em caso de litígio formal entre o iArremate e o usuário, ou na hipótese de apresentação de documento que demonstre a intenção de litígio, o acesso do usuário à plataforma poderá ser bloqueado preventivamente até a resolução final da disputa. O bloqueio visa garantir a integridade do sistema e evitar que novos danos ou complicações sejam causados à plataforma ou ao usuário. O iArremate notificará o usuário acerca do bloqueio e fornecerá informações sobre os próximos passos para resolução do litígio.
Nos casos de ordens judiciais ou investigações de atividades ilegais, o iArremate poderá compartilhar informações necessárias com autoridades, notificando os titulares de dados sempre
8. Declaração sobre Armazenamento e Tratamento de Dados
O usuário, seja brasileiro ou estrangeiro, declara estar ciente de que seus dados pessoais serão armazenados e tratados no Brasil e nos Estados Unidos da América. O iArremate utiliza serviços de armazenamento de dados localizados em ambos os países para garantir a segurança e continuidade do serviço.
O usuário explicitamente consente que seus dados sejam transferidos, armazenados e tratados em ambos os países, de acordo com as normas estabelecidas pela Lei Geral de Proteção de Dados (LGPD) no Brasil. O usuário também entende que, ao consentir com este Termo de Uso, autoriza o tratamento de seus dados pessoais nesses territórios, e que os dados serão protegidos conforme as leis brasileiras de proteção de dados.
9. Mudanças nos Termos de Uso
O iArremate se reserva o direito de modificar este documento a qualquer momento. Quaisquer alterações entrarão em vigor a partir da data de sua publicação no site e deverão ser observadas pelos usuários.
10. Informações para Contato
Para solicitações relacionadas aos direitos previstos pela LGPD ou outras dúvidas, utilize a ferramenta "SUPORTE", disponível no site https://www.iarremate.com.
11. Foro
Este Termo será regido pela legislação brasileira. Qualquer reclamação ou controvérsia com base neste Termo será dirimida exclusivamente pela Comarca de São Lourenço/MG.
![PORTINARI<br />Rarissimo conjunto de cinco obras, incluindo a magnifica pintura a óleo sobre tela e quatro complexos desenhos de grande dimensão, que deram origem ao painel DIVINA PASTORA do ano 1944.<br />Ex coleção Barão de Saavedra<br /><br />1 PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />31X46 cm./ 55x70 cm.<br />óleo sobre tela.<br />DIVINA PASTORA, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2188-FCO1014, volume 3, página 50.<br /><br />2 PORTINARI<br />42,5x58,5 cm. / 70,5 x86,5 cm.<br />Desenho a grafite lápis de cor.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />Santos, 1944. 2175 FCO1020, volume 3, página 46.<br /><br />3 PORTINARI<br />30,5X46,5 cm./ 58,5x74,5 cm.<br />Desenho a grafite.<br />A transfiguração, 1944<br />2168 FCO1022 volume 3, página 45.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br /><br />4 PORTINARI<br />30,5X46,5 cm./ 42,5x58,5 cm.<br />Desenho a grafite/ papel azul.<br />Divina pastora.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2182-FCO1017 volume3, página 48.<br /><br />5 PORTINARI<br />Desenho a grafite.<br />O batismo de Jesus, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari.<br />2169 FCO1021, volume 3, página 45<br /><br />Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-235/itens/ite-28277/KaRBPPhT.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "PORTINARI<br />Rarissimo conjunto de cinco obras, incluindo a magnifica pintura a óleo sobre tela e quatro complexos desenhos de grande dimensão, que deram origem ao painel DIVINA PASTORA do ano 1944.<br />Ex coleção Barão de Saavedra<br /><br />1 PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />31X46 cm./ 55x70 cm.<br />óleo sobre tela.<br />DIVINA PASTORA, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2188-FCO1014, volume 3, página 50.<br /><br />2 PORTINARI<br />42,5x58,5 cm. / 70,5 x86,5 cm.<br />Desenho a grafite lápis de cor.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />Santos, 1944. 2175 FCO1020, volume 3, página 46.<br /><br />3 PORTINARI<br />30,5X46,5 cm./ 58,5x74,5 cm.<br />Desenho a grafite.<br />A transfiguração, 1944<br />2168 FCO1022 volume 3, página 45.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br /><br />4 PORTINARI<br />30,5X46,5 cm./ 42,5x58,5 cm.<br />Desenho a grafite/ papel azul.<br />Divina pastora.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2182-FCO1017 volume3, página 48.<br /><br />5 PORTINARI<br />Desenho a grafite.<br />O batismo de Jesus, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari.<br />2169 FCO1021, volume 3, página 45<br /><br />Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!")
![<p>COLINET ( Claire Jeanne Roberte Colinet,Bruxelas, Bélgica, 1880– Asnières-sur-Seine , Paris-1950)<br />Dancer<br />Escultura em bronze e base em mármore.<br />Altura: 55,9 cm.<br />Peso:13k<br /><br />Foi uma escultora francesa de nascimento belga que trabalhou durante o início do século XX. O assunto de seu trabalho mais conhecido era principalmente dançarinas árabes. A maior parte de sua produção na escultura pode ser classificada como sendo do estilo Art Deco .<br /><br />Colinet foi expositora frequente nas exposições de arte Salon des Artistes Francais e Salon des Independents em Paris. Suas esculturas, em sua maioria representadas por formas femininas lindamente imaginadas, energizadas e dramáticas, foram postadas postumamente no Salão de Paris por quase 30 anos.<br />Em data indeterminada - provavelmente por volta de 1910 - Colinet emigrou para Paris , França , onde estudou escultura sob o olhar atento de Jef Lambeaux e expôs pela primeira vez no Salon des Artistes Francais em 1913 e tornou-se membro permanente da organização em 1929. De 1937 a 1940 expôs no Salon des Independents em Paris e se juntou ao Sindicato de Mulheres Pintores e Escultores. [1] O trabalho de Colinet é feito principalmente no estilo Art Deco , e seus modelos incluíam odaliscas , dançarinos exóticos, malabaristas e artistas de cabaré .<br /><br />Algumas de suas peças de bailarinas femininas foram influenciadas por um renascimento do movimento orientalista que havia sido popular na Europa entre 1860 e 1880. Seu material de moldagem preferido era o bronze ; no entanto, várias de suas esculturas mais ilustres são <br />criselefantinas , sendo uma combinação de bronze e marfim . <br />Pouco se sabe sobre sua vida além da obra de arte que ela produziu durante uma carreira de sucesso que durou mais de 40 anos. Como mulher, ela foi minoria em seu campo de escultura escolhido durante a era em que trabalhou e viveu.<br /><br />A escultura de Colinet tornou-se altamente desejável para os colecionadores e, cada vez mais, está vendendo por somas exorbitantes. Em uma venda da Christie's em 4 de maio de 2007, sua estátua Ankara Dancer de cerca de 1930 foi vendida por um preço de US $ 285.984. <br /><br />-44 outras esculturas reproduzidas fotograficamente no livro:“Art deco and other figures” by Brian Catley, Antique collectors club.<br />-9 outras esculturas reproduzidas fotograficamente na Enciclopédia ABAGE- Bronze- Sculptors & Founders, Harold Berman.<br />-Verbete no Dicionário Sculptors in Bronze- James Mackay, página 75.</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-238/itens/ite-16546/XlAjbuQ1.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>COLINET ( Claire Jeanne Roberte Colinet,Bruxelas, Bélgica, 1880– Asnières-sur-Seine , Paris-1950)<br />Dancer<br />Escultura em bronze e base em mármore.<br />Altura: 55,9 cm.<br />Peso:13k<br /><br />Foi uma escultora francesa de nascimento belga que trabalhou durante o início do século XX. O assunto de seu trabalho mais conhecido era principalmente dançarinas árabes. A maior parte de sua produção na escultura pode ser classificada como sendo do estilo Art Deco .<br /><br />Colinet foi expositora frequente nas exposições de arte Salon des Artistes Francais e Salon des Independents em Paris. Suas esculturas, em sua maioria representadas por formas femininas lindamente imaginadas, energizadas e dramáticas, foram postadas postumamente no Salão de Paris por quase 30 anos.<br />Em data indeterminada - provavelmente por volta de 1910 - Colinet emigrou para Paris , França , onde estudou escultura sob o olhar atento de Jef Lambeaux e expôs pela primeira vez no Salon des Artistes Francais em 1913 e tornou-se membro permanente da organização em 1929. De 1937 a 1940 expôs no Salon des Independents em Paris e se juntou ao Sindicato de Mulheres Pintores e Escultores. [1] O trabalho de Colinet é feito principalmente no estilo Art Deco , e seus modelos incluíam odaliscas , dançarinos exóticos, malabaristas e artistas de cabaré .<br /><br />Algumas de suas peças de bailarinas femininas foram influenciadas por um renascimento do movimento orientalista que havia sido popular na Europa entre 1860 e 1880. Seu material de moldagem preferido era o bronze ; no entanto, várias de suas esculturas mais ilustres são <br />criselefantinas , sendo uma combinação de bronze e marfim . <br />Pouco se sabe sobre sua vida além da obra de arte que ela produziu durante uma carreira de sucesso que durou mais de 40 anos. Como mulher, ela foi minoria em seu campo de escultura escolhido durante a era em que trabalhou e viveu.<br /><br />A escultura de Colinet tornou-se altamente desejável para os colecionadores e, cada vez mais, está vendendo por somas exorbitantes. Em uma venda da Christie's em 4 de maio de 2007, sua estátua Ankara Dancer de cerca de 1930 foi vendida por um preço de US $ 285.984. <br /><br />-44 outras esculturas reproduzidas fotograficamente no livro:“Art deco and other figures” by Brian Catley, Antique collectors club.<br />-9 outras esculturas reproduzidas fotograficamente na Enciclopédia ABAGE- Bronze- Sculptors & Founders, Harold Berman.<br />-Verbete no Dicionário Sculptors in Bronze- James Mackay, página 75.</p>")
![<p>PORTINARI- Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />Medidas: 70 x 50 cm./ 98 X 88 cm.<br />Desenho a grafite, 1952<br />Estudo para o painel: GUERRA.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari.<br />3177 FCO 325. Volume 3, página 393.<br /><br />Estudo para o painel “Guerra” [FCO 3799]<br />TEMAS:<br />Social:Guerra<br />Figura Humana:Grupo:Figuras<br />Figura Humana:Mulher<br />Natureza:Animais:Cavalo<br />Natureza:Animais:Fera<br />CONJUNTO AO QUAL PERTENCE: ONU, Guerra E Paz (Painéis)<br />AUTENTICIDADE: Atestado De Autenticidade Do Projeto Portinari Nº 1260.<br />DESCRIÇÃO:<br />Composição em preto e branco. Linhas de contorno rápidas e alguns sombreados. Cenas representando grupos de pessoas e animais. No primeiro plano, à esquerda, grupo de pessoas tendo à frente, esboço de mulher ajoelhada com criança nos braços, e no centro, outra figura em pé, com criança morta nos braços. À direita, três cães juntos, e cavalo de perfil para a esquerda. No segundo plano, quatro grupos apenas esboçados sendo que se destaca, à esquerda, um cavalo de perfil para a direita. No terceiro plano, mais três grupos, destacando-se à esquerda, figura abaixada sobre um corpo estendido no chão. Na margem lateral esquerda, fora do limite do desenho, figura de homem servindo de escala.</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-238/itens/ite-16624/VxSfjsD5.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>PORTINARI- Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />Medidas: 70 x 50 cm./ 98 X 88 cm.<br />Desenho a grafite, 1952<br />Estudo para o painel: GUERRA.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari.<br />3177 FCO 325. Volume 3, página 393.<br /><br />Estudo para o painel “Guerra” [FCO 3799]<br />TEMAS:<br />Social:Guerra<br />Figura Humana:Grupo:Figuras<br />Figura Humana:Mulher<br />Natureza:Animais:Cavalo<br />Natureza:Animais:Fera<br />CONJUNTO AO QUAL PERTENCE: ONU, Guerra E Paz (Painéis)<br />AUTENTICIDADE: Atestado De Autenticidade Do Projeto Portinari Nº 1260.<br />DESCRIÇÃO:<br />Composição em preto e branco. Linhas de contorno rápidas e alguns sombreados. Cenas representando grupos de pessoas e animais. No primeiro plano, à esquerda, grupo de pessoas tendo à frente, esboço de mulher ajoelhada com criança nos braços, e no centro, outra figura em pé, com criança morta nos braços. À direita, três cães juntos, e cavalo de perfil para a esquerda. No segundo plano, quatro grupos apenas esboçados sendo que se destaca, à esquerda, um cavalo de perfil para a direita. No terceiro plano, mais três grupos, destacando-se à esquerda, figura abaixada sobre um corpo estendido no chão. Na margem lateral esquerda, fora do limite do desenho, figura de homem servindo de escala.</p>")
![<p>CÂNDIDO PORTINARI (1903-1962) <a style=color: #f00; href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=#>Se você não assistiu esse video, assista!</a> Homem Sentado Grande Desenho a grafite FCO: 6126 CR: 5042 DATA: 1937 68 X 42 cm Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil Esboço para o desenho para transporte Escola dos Jesuítas [FCO 5346] AUTENTICIDADE: Atestado De Autenticidade Do Projeto Portinari Nº 1490.</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-567/itens/ite-39619/ovlR2k0S.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>CÂNDIDO PORTINARI (1903-1962) <a style=color: #f00; href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=#>Se você não assistiu esse video, assista!</a> Homem Sentado Grande Desenho a grafite FCO: 6126 CR: 5042 DATA: 1937 68 X 42 cm Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil Esboço para o desenho para transporte Escola dos Jesuítas [FCO 5346] AUTENTICIDADE: Atestado De Autenticidade Do Projeto Portinari Nº 1490.</p>")
![<p>PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962) 28x17,5 cm./ 56x45,5 cm. Desenho a grafite. O batismo de Jesus, 1944 Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari. 2169 FCO1021, volume 3, página 45 “Divina Pastora” [FCO 1013] TEMAS: Religioso:Cenas Religiosas:Batismo de Jesus Religioso:Jesus Religioso:Santos:São João Batista Figura Humana:Grupo:Homens Figura Humana:Figura DESCRIÇÃO: Composição em preto e branco. Linhas de contorno e áreas de sombras. São João batizando Jesus e três pessoas observando a cena. À direita do suporte espaço em forma de retângulo, em branco, correspondente à porta da parede da sala de jantar onde seria realizada a pintura mural. As figuras estão esquematizadas. Ao centro, figura em pé, de frente, com braços abertos. A seu lado esquerdo, São João em pé, de perfil para a esquerda, segura na mão esquerda uma cumbuca que está acima da cabeça de Jesus. Um pouco mais ao fundo, à esquerda, grupo de três figuras em pé, olhando na direção de Jesus e de São João. O fundo e o chão são geometrizados em áreas irregulares esquemáticas claras e escuras, sugerindo morros.</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/leiloes/lei-2458/lotes/lot-635215/o6hzwuGh.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962) 28x17,5 cm./ 56x45,5 cm. Desenho a grafite. O batismo de Jesus, 1944 Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari. 2169 FCO1021, volume 3, página 45 “Divina Pastora” [FCO 1013] TEMAS: Religioso:Cenas Religiosas:Batismo de Jesus Religioso:Jesus Religioso:Santos:São João Batista Figura Humana:Grupo:Homens Figura Humana:Figura DESCRIÇÃO: Composição em preto e branco. Linhas de contorno e áreas de sombras. São João batizando Jesus e três pessoas observando a cena. À direita do suporte espaço em forma de retângulo, em branco, correspondente à porta da parede da sala de jantar onde seria realizada a pintura mural. As figuras estão esquematizadas. Ao centro, figura em pé, de frente, com braços abertos. A seu lado esquerdo, São João em pé, de perfil para a esquerda, segura na mão esquerda uma cumbuca que está acima da cabeça de Jesus. Um pouco mais ao fundo, à esquerda, grupo de três figuras em pé, olhando na direção de Jesus e de São João. O fundo e o chão são geometrizados em áreas irregulares esquemáticas claras e escuras, sugerindo morros.</p>")
![<p>PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962) 31X46 cm./ 55x70 cm. óleo sobre tela. DIVINA PASTORA, 1944 Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari 2188-FCO1014, volume 3, página 50. Pintura a óleo / tela 31 X 46 cm Petrópolis, Rio de Janeiro, Brasil ASSINATURA: Sem assinatura e sem data COLEÇÃO: Coleção Particular FUNÇÕES: Maquete para a pintura mural “Divina Pastora” [FCO 1013] TEMAS: Religioso:Nossa Senhora:Nossa Senhora Divina Pastora Religioso:Jesus:Menino Religioso:Anjo Figura Humana:Mulher Figura Humana:Criança:Menino Natureza:Animais:Carneiro Diversos:Elementos recorrentes:Baú Diversos:Elementos recorrentes:Cabaça DESCRIÇÃO: Composição nos tons azuis, rosas, verdes, terras, ocres, branco, preto, vermelho e violeta. Textura espessa. Cena representando Divina Pastora com Menino Jesus, em paisagem ao ar livre com carneiros e dois anjos. À direita, retângulo branco correspondendo a porta na parede da sala de jantar onde se encontra a pintura mural. Ao centro, Divina Pastora sentada de frente, ligeiramente voltada para a direita e cabeça voltada para a esquerda. Rosto sem traços fisionômicos definidos; usa chapéu de palha de aba larga e longo vestido de mangas compridas. Tem o braço direito esticado para baixo sugerindo que a mão esteja próxima à cabeça de um carneiro que está em pé, de perfil para a direita; a cabeça da Divina Pastora sugere estar voltada na direção do carneiro. O Menino Jesus está em pé, apoiado na perna esquerda da Divina Pastora; ele está nu, tem o braço direito caído ao lado do corpo e o esquerdo dobrado e para cima. À direita da Divina Pastora, dois carneiros, um já descrito acima e o outro está um pouco atrás do primeiro, em pé, de perfil para a esquerda com a cabeça para frente. À esquerda da Divina Pastora, ao lado de seu pé esquerdo uma cabaça. À frente deste grupo de figuras e animais, margeando a composição na parte inferior, sugestão de folhagem e tufos de plantas. Ao fundo, sugestão de paisagem ao ar livre, céu azul com nuvens brancas, vendo-se à esquerda, anjo de perfil para a direita correndo, segurando na mão direita um baú de folha-de-flandres, à direita, acima da porta outro anjo, de perfil para a direita, voando. Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/leiloes/lei-2458/lotes/lot-635216/7aOBEBfA.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>PORTINARI - Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962) 31X46 cm./ 55x70 cm. óleo sobre tela. DIVINA PASTORA, 1944 Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari 2188-FCO1014, volume 3, página 50. Pintura a óleo / tela 31 X 46 cm Petrópolis, Rio de Janeiro, Brasil ASSINATURA: Sem assinatura e sem data COLEÇÃO: Coleção Particular FUNÇÕES: Maquete para a pintura mural “Divina Pastora” [FCO 1013] TEMAS: Religioso:Nossa Senhora:Nossa Senhora Divina Pastora Religioso:Jesus:Menino Religioso:Anjo Figura Humana:Mulher Figura Humana:Criança:Menino Natureza:Animais:Carneiro Diversos:Elementos recorrentes:Baú Diversos:Elementos recorrentes:Cabaça DESCRIÇÃO: Composição nos tons azuis, rosas, verdes, terras, ocres, branco, preto, vermelho e violeta. Textura espessa. Cena representando Divina Pastora com Menino Jesus, em paisagem ao ar livre com carneiros e dois anjos. À direita, retângulo branco correspondendo a porta na parede da sala de jantar onde se encontra a pintura mural. Ao centro, Divina Pastora sentada de frente, ligeiramente voltada para a direita e cabeça voltada para a esquerda. Rosto sem traços fisionômicos definidos; usa chapéu de palha de aba larga e longo vestido de mangas compridas. Tem o braço direito esticado para baixo sugerindo que a mão esteja próxima à cabeça de um carneiro que está em pé, de perfil para a direita; a cabeça da Divina Pastora sugere estar voltada na direção do carneiro. O Menino Jesus está em pé, apoiado na perna esquerda da Divina Pastora; ele está nu, tem o braço direito caído ao lado do corpo e o esquerdo dobrado e para cima. À direita da Divina Pastora, dois carneiros, um já descrito acima e o outro está um pouco atrás do primeiro, em pé, de perfil para a esquerda com a cabeça para frente. À esquerda da Divina Pastora, ao lado de seu pé esquerdo uma cabaça. À frente deste grupo de figuras e animais, margeando a composição na parte inferior, sugestão de folhagem e tufos de plantas. Ao fundo, sugestão de paisagem ao ar livre, céu azul com nuvens brancas, vendo-se à esquerda, anjo de perfil para a direita correndo, segurando na mão direita um baú de folha-de-flandres, à direita, acima da porta outro anjo, de perfil para a direita, voando. Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!</p>")
![BLACKAMOORS par de esculturas em madeira entalhada, carnada e policromada. Folhas de ouro e <br />punções.<br />Segurando tocheiros posteriormente eletrificados. <br />A figura masculina tem adaga na faixa da cintura, e Meia Lua sobre a cabeça em referência às Mesquitas. A figura feminina, turbante.<br />No estado.<br />Sobre a base oitavada. <br /><br />Medidas da base: 67cm x 34cm x 34cm.<br />Medidas da peça: 175cm x 56cm x 38cm.<br />MEDIDAS TOTAIS: 228cm x 44cm x 75cm.<br /><br />REFERÊNCIAS: Imensamente popular do século 16 ao 19, o estilo “BLACKAMOOR” apresentava figuras africanas estilizadas e era comum em esculturas, joias e móveis. <br />Pintadas em esmalte preto brilhante e enfeitadas com trajes de penas coloridas, teriam funcionado como uma forma palatável de exotismo para seus proprietários europeus brancos, imitando os servos e escravos negros vestidos de forma teatral que faziam parte das casas nobres europeias. No entanto, essas figuras negras primorosamente modeladas também foram lidas como uma homenagem ao triunfo colonial da Europa. Essas estatuetas de porcelana muitas vezes continham tigelas de açúcar, dado o uso de mão-de-obra escrava negra nas plantações de açúcar dos primeiros europeus modernos. <br />Derivado da palavra latina “Maurus”, o termo foi originalmente usado para descrever os berberes e outras pessoas da antiga província romana da Mauretânia , onde hoje é o Norte da África. Com o tempo, foi cada vez mais aplicado aos muçulmanos que viviam na Europa. A partir da Renascença, “mouro” e “BLACKAMOOR” também eram usados para descrever qualquer pessoa de pele escura.<br /><br />Apropriação na Moda<br /><br />“Já lhe mostrei minhas pequenas cabeças pretas da Cartier com seus turbantes esmaltados?”, Escreveu a lendária editora da Vogue Diana Vreeland em suas memórias DV. “Baba Lucinge e eu costumávamos usá-los em fileiras e fileiras ... eles eram a elegância de Paris no final dos anos 30”. Baba Lucinge, uma aristocrata francesa, modelo e 'it-girl' da década de 1920 e do período entre guerras na França, era conhecida por incorporar o exotismo negrofílico em seu estilo pessoal. Cecil Beaton escreveu: Baba ... foi o primeiro a trazer para a moda a graça exótica e simiesca da selva e, assim, criou um efeito surpreendente de originalidade. Baba e Diana estavam na vanguarda, retirando seletivamente suas visões da africanidade e da escuridão e incorporando itens como broches Cartier blackamoor em seus guarda-roupas. “Eu estava coberto de blackamoors!”, Vreeland exclamou. <br /><br />Às vezes, blackamoors apareceram nas artes decorativas, como evidenciado em uma foto de Gabrielle “Coco” Chanel, posando entre duas estátuas blackamoor em tamanho real nesta foto de 1937 do famoso fotógrafo de moda Cecil Beaton [Fig. 1]. Às vezes, blackamoors eram usados em bijuterias, mas mais frequentemente eram feitos de metais preciosos e pedras. Por esse motivo, eles sobrevivem em muitas coleções permanentes e ainda chegam ao mercado por meio de antiquários e sites de leilões. Um exemplo seria um par de broches vintage Cartier blackamoor de ouro 18k quilates , adornados com vários diamantes e pérolas e vendendopor $ 34.500 no 1stdibs, um mercado de luxo online [Fig. 2]. Esses broches, fabricados em 1930, são relíquias de um passado não tão distante, quando era aceitável explorar dessa maneira a imagem dos afrodescendentes. Embora artefatos de uma era passada, a mercantilização da escuridão ainda pode render o dinheiro mais alto.<br />fonte: https://fashionandrace.org/database/addressing-the-presence-of-blackamoors-in-fashion/<br /><br />O uso ornamental de negros na moda de luxo europeia e nas artes decorativas continua a aparecer periodicamente. Pegue, por exemplo, a infame coleção Primavera / Verão 2013 da Dolce & Gabbana, na qual imagens de blackamoors foram apresentadas com destaque em joias e roupas [Fig. 3]. Ou, quando a Princesa Michael de Kent, primo da Rainha Elizabeth II, usou um broche de blackamoor em um banquete de Natal no Palácio de Buckingham [Fig. 4]. O fato de ela usar o broche foi particularmente notório, considerando que ela estava participando do evento com a futura duquesa de Sussex Meghan Markle, que se identifica como uma mulher de ascendência africana.<br /><br />Um exemplo de blackamoor nas artes é o Mohr mit Smaragdstufe (Moor with Emerald Cluster), na coleção da Grünes Gewölbe em Dresden, Alemanha , criada por Balthasar Permoser em 1724. A estátua é ricamente decorada com joias e é 63,8 cm (25,1 pol.) De altura.<br /><br />Aleksandr Pushkin tinha uma estatueta de blackamoor em sua mesa para lembrá-lo de Abram Petrovich Gannibal , seu bisavô. Esta figura pode ser vista em seu antigo apartamento em São Petersburgo , agora transformado em um museu. [ citação necessária ]<br /><br />Diana Vreeland tinha uma coleção famosa de joias blackamoor, e Anita Pointer das Pointer Sisters tem algumas peças blackamoor em sua extensa coleção de memorabilia negra.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-164/itens/ite-27356/meUCsBI7.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "BLACKAMOORS par de esculturas em madeira entalhada, carnada e policromada. Folhas de ouro e <br />punções.<br />Segurando tocheiros posteriormente eletrificados. <br />A figura masculina tem adaga na faixa da cintura, e Meia Lua sobre a cabeça em referência às Mesquitas. A figura feminina, turbante.<br />No estado.<br />Sobre a base oitavada. <br /><br />Medidas da base: 67cm x 34cm x 34cm.<br />Medidas da peça: 175cm x 56cm x 38cm.<br />MEDIDAS TOTAIS: 228cm x 44cm x 75cm.<br /><br />REFERÊNCIAS: Imensamente popular do século 16 ao 19, o estilo “BLACKAMOOR” apresentava figuras africanas estilizadas e era comum em esculturas, joias e móveis. <br />Pintadas em esmalte preto brilhante e enfeitadas com trajes de penas coloridas, teriam funcionado como uma forma palatável de exotismo para seus proprietários europeus brancos, imitando os servos e escravos negros vestidos de forma teatral que faziam parte das casas nobres europeias. No entanto, essas figuras negras primorosamente modeladas também foram lidas como uma homenagem ao triunfo colonial da Europa. Essas estatuetas de porcelana muitas vezes continham tigelas de açúcar, dado o uso de mão-de-obra escrava negra nas plantações de açúcar dos primeiros europeus modernos. <br />Derivado da palavra latina “Maurus”, o termo foi originalmente usado para descrever os berberes e outras pessoas da antiga província romana da Mauretânia , onde hoje é o Norte da África. Com o tempo, foi cada vez mais aplicado aos muçulmanos que viviam na Europa. A partir da Renascença, “mouro” e “BLACKAMOOR” também eram usados para descrever qualquer pessoa de pele escura.<br /><br />Apropriação na Moda<br /><br />“Já lhe mostrei minhas pequenas cabeças pretas da Cartier com seus turbantes esmaltados?”, Escreveu a lendária editora da Vogue Diana Vreeland em suas memórias DV. “Baba Lucinge e eu costumávamos usá-los em fileiras e fileiras ... eles eram a elegância de Paris no final dos anos 30”. Baba Lucinge, uma aristocrata francesa, modelo e 'it-girl' da década de 1920 e do período entre guerras na França, era conhecida por incorporar o exotismo negrofílico em seu estilo pessoal. Cecil Beaton escreveu: Baba ... foi o primeiro a trazer para a moda a graça exótica e simiesca da selva e, assim, criou um efeito surpreendente de originalidade. Baba e Diana estavam na vanguarda, retirando seletivamente suas visões da africanidade e da escuridão e incorporando itens como broches Cartier blackamoor em seus guarda-roupas. “Eu estava coberto de blackamoors!”, Vreeland exclamou. <br /><br />Às vezes, blackamoors apareceram nas artes decorativas, como evidenciado em uma foto de Gabrielle “Coco” Chanel, posando entre duas estátuas blackamoor em tamanho real nesta foto de 1937 do famoso fotógrafo de moda Cecil Beaton [Fig. 1]. Às vezes, blackamoors eram usados em bijuterias, mas mais frequentemente eram feitos de metais preciosos e pedras. Por esse motivo, eles sobrevivem em muitas coleções permanentes e ainda chegam ao mercado por meio de antiquários e sites de leilões. Um exemplo seria um par de broches vintage Cartier blackamoor de ouro 18k quilates , adornados com vários diamantes e pérolas e vendendopor $ 34.500 no 1stdibs, um mercado de luxo online [Fig. 2]. Esses broches, fabricados em 1930, são relíquias de um passado não tão distante, quando era aceitável explorar dessa maneira a imagem dos afrodescendentes. Embora artefatos de uma era passada, a mercantilização da escuridão ainda pode render o dinheiro mais alto.<br />fonte: https://fashionandrace.org/database/addressing-the-presence-of-blackamoors-in-fashion/<br /><br />O uso ornamental de negros na moda de luxo europeia e nas artes decorativas continua a aparecer periodicamente. Pegue, por exemplo, a infame coleção Primavera / Verão 2013 da Dolce & Gabbana, na qual imagens de blackamoors foram apresentadas com destaque em joias e roupas [Fig. 3]. Ou, quando a Princesa Michael de Kent, primo da Rainha Elizabeth II, usou um broche de blackamoor em um banquete de Natal no Palácio de Buckingham [Fig. 4]. O fato de ela usar o broche foi particularmente notório, considerando que ela estava participando do evento com a futura duquesa de Sussex Meghan Markle, que se identifica como uma mulher de ascendência africana.<br /><br />Um exemplo de blackamoor nas artes é o Mohr mit Smaragdstufe (Moor with Emerald Cluster), na coleção da Grünes Gewölbe em Dresden, Alemanha , criada por Balthasar Permoser em 1724. A estátua é ricamente decorada com joias e é 63,8 cm (25,1 pol.) De altura.<br /><br />Aleksandr Pushkin tinha uma estatueta de blackamoor em sua mesa para lembrá-lo de Abram Petrovich Gannibal , seu bisavô. Esta figura pode ser vista em seu antigo apartamento em São Petersburgo , agora transformado em um museu. [ citação necessária ]<br /><br />Diana Vreeland tinha uma coleção famosa de joias blackamoor, e Anita Pointer das Pointer Sisters tem algumas peças blackamoor em sua extensa coleção de memorabilia negra.")
![Benito Belli (1850 - 1899)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=Dm0iTNjkzfI&t=50s target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a><br />Echarpe Catalã.<br />Óleo sobre tela <br />35 x 27 cm/ 61 X 70 cm.<br />Moldura de época.<br /><br />Benito Belli é um autêntico artista do Art Nouveau, ou como é conhecido em Barcelona, Modernisme de la Catalunya , em 1884 pintou as obras Maja e Head Study que se encontram hoje no importante Museu de Arte Moderna de Barcelona, digno representante do nacionalismo catalão.<br />No final do século 19 Barcelona, onde Belli vivia, tinha um número grande e crescente de pessoas de classe alta, indústria em expansão, riqueza crescente e população com elevada auto-estima, A classe alta sentiu-se financeiramente forte e num ambiente politicamente estável onde aflora a Renaixença, o renascimento do nacionalismo catalão. Explicitamente favoreceram artistas catalães e, acima de tudo, arquitetos que inventaram seu próprio estilo e assim se tornaram ricos e populares. <br />Benito Belli viveu na Carrer d'en Tantarantana, 17, entre o Museu Picasso e o Parlamento da Catalunha, no Parc de la Ciutadella.<br />Foi diretor e professor de uma academia privada de pintura do Modernisme de la Catalunya, onde, dentre outros, teve como discipulo o famoso pintor Ramón Casals y Vernís.<br />Benito Belli fez carreira nos Salões de Arte da Catalunha. <br />Em 1870, na clássica e tradicional Exposição de Belas Artes de Barcelona, apresentou as interpretações de, Jesus Cristo levado do Calvário ao Sepulcro do mestre Rafael e, Os Irmãos de José, apresentando sua túnica ao seu pai Jacob, oriundo da escola bolonhesa e, ainda, uma natureza morta com caça do mestre Juan Bautista Weenix.<br />Já na edição de 1871 da Exposição de Belas Artes de Barcelona, apresentou as pinturas quatro pinturas autorais, sendo uma Natureza-Morta,outra com o título, A Carta do Noivo, o Interior de uma Taverna e uma intitulada Minha Vida Política<br />Em outubro de 1871 viajou para Madrid onde no Museu do Prado fez várias releituras de grandes mestres do renascimento. Sua presença na capital da Espanha despertou definitivamente seu interesse por Goya . <br />De volta à Barcelona, em 1876, na Exposição da Sociedade Econômica dos Amigos do País de Barcelona apresentou um extenso conjunto de dez pinturas: Hamlet e Ofélia, O Sonho de um Pintor, Carlos V, O Antiquário, A Demissão Antes de Sair da Praça, Dom João da Áustria, O Arrependimento de um criminoso, O baile de máscaras, O Sonho de um Rei, e as aquarelas: O passarinho e Estudo da natureza.<br />Em 1878, ano em que o médico, arquiteto, escritor, político e artista Lluís Domenèch i Montaner publicou o artigo En busca de una arquitectura nacional, em que o industrial Eusebi Güell descobrui seu contemporâneo Gaudí, Belli partiu para Paris, onde viveu por vários anos aperfeiçoando sua técnica em academias, participando de exposições e Salões. Hoje está presente em várias coleções públicas francesas e, recentemente na, nada mais, nada menos, coleção de Angelo Sommaruga, Paris<br />Retornando a Barcelona somente em 1884 pintou as obras primas Maja e Head Study, que hoje se encontram ao lado de Gaudi e os grandes da Catalunha, no prestigiado Museu de Arte Moderna de Barcelona.<br />Em 1886, ano em que no processo de modernização, eletrificaram os bondes de barcelona, Balli abre no seu novo atelier de pintura num local estratégico, da Calle del Pino, 14 próximo a Catedral de la Santa Creu i Santa Eulàlia.<br />A Exposição Universal de Barcelona de 1888,a primeira feira mundial realizada na Espanha, teve enorme sucesso e constituiu o avanço definitivo do Modernismo Catalão. <br />Balli, participou na exposição de Belas Artes de 1891 em Barcelona. <br />Está referenciado no livro, Museu d'Art Modern de Barcelona, [cat.], 1987, v.1, p.156 (op.1884), no livro<br />Cien años de pintura, v.1, 1988 (exh.1870-op.p.1878), no livro Ossorio y Bernard, 1883-1884 (exh.1870-doc.1878) e no Diccionario Ráfols, v.1, 1951 (Benet Belli, exh.1870-doc.1878)<br /><br />O Modernismo foi uma expressão da luta pela independência da Catalunha. e Balli um autêntico artista desta época sem suas últimas pinturas datadas, que se conhecem, correspondente a 1899. <br /><br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-239/itens/ite-29348/k8tuoDuV.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Benito Belli (1850 - 1899)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=Dm0iTNjkzfI&t=50s target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a><br />Echarpe Catalã.<br />Óleo sobre tela <br />35 x 27 cm/ 61 X 70 cm.<br />Moldura de época.<br /><br />Benito Belli é um autêntico artista do Art Nouveau, ou como é conhecido em Barcelona, Modernisme de la Catalunya , em 1884 pintou as obras Maja e Head Study que se encontram hoje no importante Museu de Arte Moderna de Barcelona, digno representante do nacionalismo catalão.<br />No final do século 19 Barcelona, onde Belli vivia, tinha um número grande e crescente de pessoas de classe alta, indústria em expansão, riqueza crescente e população com elevada auto-estima, A classe alta sentiu-se financeiramente forte e num ambiente politicamente estável onde aflora a Renaixença, o renascimento do nacionalismo catalão. Explicitamente favoreceram artistas catalães e, acima de tudo, arquitetos que inventaram seu próprio estilo e assim se tornaram ricos e populares. <br />Benito Belli viveu na Carrer d'en Tantarantana, 17, entre o Museu Picasso e o Parlamento da Catalunha, no Parc de la Ciutadella.<br />Foi diretor e professor de uma academia privada de pintura do Modernisme de la Catalunya, onde, dentre outros, teve como discipulo o famoso pintor Ramón Casals y Vernís.<br />Benito Belli fez carreira nos Salões de Arte da Catalunha. <br />Em 1870, na clássica e tradicional Exposição de Belas Artes de Barcelona, apresentou as interpretações de, Jesus Cristo levado do Calvário ao Sepulcro do mestre Rafael e, Os Irmãos de José, apresentando sua túnica ao seu pai Jacob, oriundo da escola bolonhesa e, ainda, uma natureza morta com caça do mestre Juan Bautista Weenix.<br />Já na edição de 1871 da Exposição de Belas Artes de Barcelona, apresentou as pinturas quatro pinturas autorais, sendo uma Natureza-Morta,outra com o título, A Carta do Noivo, o Interior de uma Taverna e uma intitulada Minha Vida Política<br />Em outubro de 1871 viajou para Madrid onde no Museu do Prado fez várias releituras de grandes mestres do renascimento. Sua presença na capital da Espanha despertou definitivamente seu interesse por Goya . <br />De volta à Barcelona, em 1876, na Exposição da Sociedade Econômica dos Amigos do País de Barcelona apresentou um extenso conjunto de dez pinturas: Hamlet e Ofélia, O Sonho de um Pintor, Carlos V, O Antiquário, A Demissão Antes de Sair da Praça, Dom João da Áustria, O Arrependimento de um criminoso, O baile de máscaras, O Sonho de um Rei, e as aquarelas: O passarinho e Estudo da natureza.<br />Em 1878, ano em que o médico, arquiteto, escritor, político e artista Lluís Domenèch i Montaner publicou o artigo En busca de una arquitectura nacional, em que o industrial Eusebi Güell descobrui seu contemporâneo Gaudí, Belli partiu para Paris, onde viveu por vários anos aperfeiçoando sua técnica em academias, participando de exposições e Salões. Hoje está presente em várias coleções públicas francesas e, recentemente na, nada mais, nada menos, coleção de Angelo Sommaruga, Paris<br />Retornando a Barcelona somente em 1884 pintou as obras primas Maja e Head Study, que hoje se encontram ao lado de Gaudi e os grandes da Catalunha, no prestigiado Museu de Arte Moderna de Barcelona.<br />Em 1886, ano em que no processo de modernização, eletrificaram os bondes de barcelona, Balli abre no seu novo atelier de pintura num local estratégico, da Calle del Pino, 14 próximo a Catedral de la Santa Creu i Santa Eulàlia.<br />A Exposição Universal de Barcelona de 1888,a primeira feira mundial realizada na Espanha, teve enorme sucesso e constituiu o avanço definitivo do Modernismo Catalão. <br />Balli, participou na exposição de Belas Artes de 1891 em Barcelona. <br />Está referenciado no livro, Museu d'Art Modern de Barcelona, [cat.], 1987, v.1, p.156 (op.1884), no livro<br />Cien años de pintura, v.1, 1988 (exh.1870-op.p.1878), no livro Ossorio y Bernard, 1883-1884 (exh.1870-doc.1878) e no Diccionario Ráfols, v.1, 1951 (Benet Belli, exh.1870-doc.1878)<br /><br />O Modernismo foi uma expressão da luta pela independência da Catalunha. e Balli um autêntico artista desta época sem suas últimas pinturas datadas, que se conhecem, correspondente a 1899. <br /><br /><br />")
![<p>Grande grupo escultórico brasonado e coroado, D'ORLEANS, acompanhado de CARTA ESCRITA A PEDIDO DE LOUIS PHILIPPE I, último REI DA FRANÇA. Datado de 18 de janeiro de 1834. <a style=color: #00a000; href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=#><span style=font-size: xx-small;> Consulte pelo WHATSAPP </span></a> Figurando Sarau de piano e dança do Minueto, nobres e cortesãs. Trajes acrescidos da técnica Dresden lace (rendilhado). Manufatura alemã VEB OLDEST VOLKSTEDT, desde 1762.* *Marks 1710 to present, Robert Rontgen, página 142. Peso:14.000 g . Medidas: 34 x 70 x 44 cm. BRASÃO: Antepassado do Conde D'eu, marido da Princesa Isabel foi criado por Philippe II, duque de Orléans (1674 - 1723), um real francês, soldado e estadista que serviu como regente do Reino da França de 1715 a 1723. O ramo de Orléans e Bragança, apesar de originado pelos descendentes do primogênito do duque de Némours, D. Luís Gastão de Orléans, conde d'Eu, perdeu sua precedência para os demais ramos orleanistas franceses, pelo conde d'Eu ter-se casado com D. Isabel Leopoldina de Bragança, princesa imperial, herdeira aparente do trono do Brasil. Os termos dessa ordem sucessória foram expressos quando da assinatura da Declaração de Bruxelas, em 1909, que instituiu o título de príncipe de Orléans e Bragança DA MARCA: manufactury porcelana Volkstedt situado em Rudolstadt, Thuringia, Alemanha, foi a manufatura de porcelana mais antiga na Turíngia. Ele ainda está em negócio como Aelteste Volkstedter Porzellanmanufaktur, o mais velho Volkstedt Manufactura de Porcelana, que é integrado ao VEB Vereinigte Zierporzellanwerke Lichte, que por sua vez faz parte do Kombinat Feinkeramik Kahla. A fábrica teve suas origens em um pedido oficial feito 08 de setembro de 1760 pelo fabricante de porcelana Georg Heinrich Macheleid (1723-1801). Macheleid trabalhou muito tempo na manufatura de vidro na Glücksthal e tinha ganhado os arcanos de tomada de porcelana por suas próprias pesquisas, aparentemente independente da Ehrenfried Walther von Tschirnhaus e Johann Friedrich Böttger, os ceramistas em Meissen. Ele queria abrir uma fábrica de porcelana privilegiada, tornando verdadeira porcelana de pasta dura, destina-se a ser instalados em Sitzendorf. Em 1762 o privilégio foi concedido por Johann Friederich, Fürst von Schwarzburg-Rudolstadt, um grande patrono das artes e música, especificando que a oficina era para ser criado perto sua corte principesco de Schwarzburg-Rudolstadt, sob sua direção pessoal. Da Carta: CARTA ESCRITA A PEDIDO DE LOUIS PHILIPPE I, último REI DA FRANÇA. séc XIX Datado de 18 de janeiro de 1834 <a style=color: #00a000; href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=#><span style=font-size: xx-small;> Consulte pelo WHATSAPP </span></a> O Documento trata acerca da resolução dos autos de uma Dívida de 200 francos existente entre JEAN-ARMAND JULIA CATHERINE e JEAN BAPTISTE MATHIEU. sendo assinada pelos citados no texto. MEDIDAS:30 x 42cm. Papel com Timbre Real em carimbo, folha dupla com marca d'agua TIMBRE ROYAL O reinado de Luís Filipe é conhecido como Monarquia de Julho e foi dominado por ricos industriais e banqueiros. Ele seguiu políticas conservadoras, especialmente sob a influência do estadista francês François Guizot durante o período de 1840-48. Ele também promoveu a amizade com a Grã-Bretanha e patrocinou a expansão colonial, notadamente a conquista francesa da Argélia . Sua popularidade diminuiu conforme as condições econômicas na França se deterioraram em 1847, e ele foi forçado a abdicar após a eclosão da Revolução Francesa de 1848 . Como Luís Filipe, duque de Chartres, ele se destacou comandando tropas durante as Guerras Revolucionárias , mas rompeu com a República por sua decisão de executar o rei Luís XVI . Ele fugiu para a Suíça em 1793 após ser conectado com uma conspiração para restaurar a monarquia da França. Seu pai, Louis Philippe II, duque de Orléans (Philippe Égalité), caiu sob suspeita e foi executado, e Louis Philippe permaneceu no exílio por 21 anos até a Restauração Bourbon . Ele foi proclamado rei em 1830, depois que seu quinto primo Carlos X foi forçado a abdicar pela Revolução de Julho . Ele viveu o resto de sua vida no exílio no Reino Unido. Seus partidários eram conhecidos como orleanistas , em oposição aos legitimistas , que apoiavam a linha principal da Casa de Bourbon, e bonapartistas , que apoiavam a família Bonaparte , que inclui (mas não se limita a) Napoleão I e Napoleão III . Transcrição do Documento: Louis-Philippe Roi des Français, a tous preésens et a venir, salut; Faisons savoir que ./. L'an mil-huit-cent-trente-quatre et le neuvieme jour du mois de septembre, à Albi, chef-lieu du departement du tarn, pardevant nous jean-armand catherine Julia, notaire à la residence du albi en presence des témois a-après nommes, dans nôtre[...] {...} [...]à tous commandans et officiers de la force publique de prêter main forte lorsqu'ils en seront légalement requis. en foi de quoi le notaire recevant soussigné a delivré la présente grosse au dits Sr Matieu. J. Julia.</p>](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-164/itens/ite-27369/WgCGTqdK.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "<p>Grande grupo escultórico brasonado e coroado, D'ORLEANS, acompanhado de CARTA ESCRITA A PEDIDO DE LOUIS PHILIPPE I, último REI DA FRANÇA. Datado de 18 de janeiro de 1834. <a style=color: #00a000; href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=#><span style=font-size: xx-small;> Consulte pelo WHATSAPP </span></a> Figurando Sarau de piano e dança do Minueto, nobres e cortesãs. Trajes acrescidos da técnica Dresden lace (rendilhado). Manufatura alemã VEB OLDEST VOLKSTEDT, desde 1762.* *Marks 1710 to present, Robert Rontgen, página 142. Peso:14.000 g . Medidas: 34 x 70 x 44 cm. BRASÃO: Antepassado do Conde D'eu, marido da Princesa Isabel foi criado por Philippe II, duque de Orléans (1674 - 1723), um real francês, soldado e estadista que serviu como regente do Reino da França de 1715 a 1723. O ramo de Orléans e Bragança, apesar de originado pelos descendentes do primogênito do duque de Némours, D. Luís Gastão de Orléans, conde d'Eu, perdeu sua precedência para os demais ramos orleanistas franceses, pelo conde d'Eu ter-se casado com D. Isabel Leopoldina de Bragança, princesa imperial, herdeira aparente do trono do Brasil. Os termos dessa ordem sucessória foram expressos quando da assinatura da Declaração de Bruxelas, em 1909, que instituiu o título de príncipe de Orléans e Bragança DA MARCA: manufactury porcelana Volkstedt situado em Rudolstadt, Thuringia, Alemanha, foi a manufatura de porcelana mais antiga na Turíngia. Ele ainda está em negócio como Aelteste Volkstedter Porzellanmanufaktur, o mais velho Volkstedt Manufactura de Porcelana, que é integrado ao VEB Vereinigte Zierporzellanwerke Lichte, que por sua vez faz parte do Kombinat Feinkeramik Kahla. A fábrica teve suas origens em um pedido oficial feito 08 de setembro de 1760 pelo fabricante de porcelana Georg Heinrich Macheleid (1723-1801). Macheleid trabalhou muito tempo na manufatura de vidro na Glücksthal e tinha ganhado os arcanos de tomada de porcelana por suas próprias pesquisas, aparentemente independente da Ehrenfried Walther von Tschirnhaus e Johann Friedrich Böttger, os ceramistas em Meissen. Ele queria abrir uma fábrica de porcelana privilegiada, tornando verdadeira porcelana de pasta dura, destina-se a ser instalados em Sitzendorf. Em 1762 o privilégio foi concedido por Johann Friederich, Fürst von Schwarzburg-Rudolstadt, um grande patrono das artes e música, especificando que a oficina era para ser criado perto sua corte principesco de Schwarzburg-Rudolstadt, sob sua direção pessoal. Da Carta: CARTA ESCRITA A PEDIDO DE LOUIS PHILIPPE I, último REI DA FRANÇA. séc XIX Datado de 18 de janeiro de 1834 <a style=color: #00a000; href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=#><span style=font-size: xx-small;> Consulte pelo WHATSAPP </span></a> O Documento trata acerca da resolução dos autos de uma Dívida de 200 francos existente entre JEAN-ARMAND JULIA CATHERINE e JEAN BAPTISTE MATHIEU. sendo assinada pelos citados no texto. MEDIDAS:30 x 42cm. Papel com Timbre Real em carimbo, folha dupla com marca d'agua TIMBRE ROYAL O reinado de Luís Filipe é conhecido como Monarquia de Julho e foi dominado por ricos industriais e banqueiros. Ele seguiu políticas conservadoras, especialmente sob a influência do estadista francês François Guizot durante o período de 1840-48. Ele também promoveu a amizade com a Grã-Bretanha e patrocinou a expansão colonial, notadamente a conquista francesa da Argélia . Sua popularidade diminuiu conforme as condições econômicas na França se deterioraram em 1847, e ele foi forçado a abdicar após a eclosão da Revolução Francesa de 1848 . Como Luís Filipe, duque de Chartres, ele se destacou comandando tropas durante as Guerras Revolucionárias , mas rompeu com a República por sua decisão de executar o rei Luís XVI . Ele fugiu para a Suíça em 1793 após ser conectado com uma conspiração para restaurar a monarquia da França. Seu pai, Louis Philippe II, duque de Orléans (Philippe Égalité), caiu sob suspeita e foi executado, e Louis Philippe permaneceu no exílio por 21 anos até a Restauração Bourbon . Ele foi proclamado rei em 1830, depois que seu quinto primo Carlos X foi forçado a abdicar pela Revolução de Julho . Ele viveu o resto de sua vida no exílio no Reino Unido. Seus partidários eram conhecidos como orleanistas , em oposição aos legitimistas , que apoiavam a linha principal da Casa de Bourbon, e bonapartistas , que apoiavam a família Bonaparte , que inclui (mas não se limita a) Napoleão I e Napoleão III . Transcrição do Documento: Louis-Philippe Roi des Français, a tous preésens et a venir, salut; Faisons savoir que ./. L'an mil-huit-cent-trente-quatre et le neuvieme jour du mois de septembre, à Albi, chef-lieu du departement du tarn, pardevant nous jean-armand catherine Julia, notaire à la residence du albi en presence des témois a-après nommes, dans nôtre[...] {...} [...]à tous commandans et officiers de la force publique de prêter main forte lorsqu'ils en seront légalement requis. en foi de quoi le notaire recevant soussigné a delivré la présente grosse au dits Sr Matieu. J. Julia.</p>")
![BLACKAMOORS par de esculturas em madeira entalhada, carnada e policromada. Folhas de ouro e <br />punções. <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Segurando tocheiros posteriormente eletrificados. <br />A figura masculina tem adaga na faixa da cintura, e Meia Lua sobre a cabeça em referência às Mesquitas. A figura feminina, turbante.<br />No estado.<br />Sobre a base oitavada. <br /><br />Medidas da base: 67cm x 34cm x 34cm.<br />Medidas da peça: 175cm x 56cm x 38cm.<br />MEDIDAS TOTAIS: 228cm x 44cm x 75cm.<br /><br />REFERÊNCIAS: Imensamente popular do século 16 ao 19, o estilo “BLACKAMOOR” apresentava figuras africanas estilizadas e era comum em esculturas, joias e móveis. <br />Pintadas em esmalte preto brilhante e enfeitadas com trajes de penas coloridas, teriam funcionado como uma forma palatável de exotismo para seus proprietários europeus brancos, imitando os servos e escravos negros vestidos de forma teatral que faziam parte das casas nobres europeias. No entanto, essas figuras negras primorosamente modeladas também foram lidas como uma homenagem ao triunfo colonial da Europa. Essas estatuetas de porcelana muitas vezes continham tigelas de açúcar, dado o uso de mão-de-obra escrava negra nas plantações de açúcar dos primeiros europeus modernos. <br />Derivado da palavra latina “Maurus”, o termo foi originalmente usado para descrever os berberes e outras pessoas da antiga província romana da Mauretânia , onde hoje é o Norte da África. Com o tempo, foi cada vez mais aplicado aos muçulmanos que viviam na Europa. A partir da Renascença, “mouro” e “BLACKAMOOR” também eram usados para descrever qualquer pessoa de pele escura.<br /><br />Apropriação na Moda<br /><br />“Já lhe mostrei minhas pequenas cabeças pretas da Cartier com seus turbantes esmaltados?”, Escreveu a lendária editora da Vogue Diana Vreeland em suas memórias DV. “Baba Lucinge e eu costumávamos usá-los em fileiras e fileiras ... eles eram a elegância de Paris no final dos anos 30”. Baba Lucinge, uma aristocrata francesa, modelo e 'it-girl' da década de 1920 e do período entre guerras na França, era conhecida por incorporar o exotismo negrofílico em seu estilo pessoal. Cecil Beaton escreveu: Baba ... foi o primeiro a trazer para a moda a graça exótica e simiesca da selva e, assim, criou um efeito surpreendente de originalidade. Baba e Diana estavam na vanguarda, retirando seletivamente suas visões da africanidade e da escuridão e incorporando itens como broches Cartier blackamoor em seus guarda-roupas. “Eu estava coberto de blackamoors!”, Vreeland exclamou. <br /><br />Às vezes, blackamoors apareceram nas artes decorativas, como evidenciado em uma foto de Gabrielle “Coco” Chanel, posando entre duas estátuas blackamoor em tamanho real nesta foto de 1937 do famoso fotógrafo de moda Cecil Beaton [Fig. 1]. Às vezes, blackamoors eram usados em bijuterias, mas mais frequentemente eram feitos de metais preciosos e pedras. Por esse motivo, eles sobrevivem em muitas coleções permanentes e ainda chegam ao mercado por meio de antiquários e sites de leilões. Um exemplo seria um par de broches vintage Cartier blackamoor de ouro 18k quilates , adornados com vários diamantes e pérolas e vendendopor $ 34.500 no 1stdibs, um mercado de luxo online [Fig. 2]. Esses broches, fabricados em 1930, são relíquias de um passado não tão distante, quando era aceitável explorar dessa maneira a imagem dos afrodescendentes. Embora artefatos de uma era passada, a mercantilização da escuridão ainda pode render o dinheiro mais alto.<br />fonte: https://fashionandrace.org/database/addressing-the-presence-of-blackamoors-in-fashion/<br /><br />O uso ornamental de negros na moda de luxo europeia e nas artes decorativas continua a aparecer periodicamente. Pegue, por exemplo, a infame coleção Primavera / Verão 2013 da Dolce & Gabbana, na qual imagens de blackamoors foram apresentadas com destaque em joias e roupas [Fig. 3]. Ou, quando a Princesa Michael de Kent, primo da Rainha Elizabeth II, usou um broche de blackamoor em um banquete de Natal no Palácio de Buckingham [Fig. 4]. O fato de ela usar o broche foi particularmente notório, considerando que ela estava participando do evento com a futura duquesa de Sussex Meghan Markle, que se identifica como uma mulher de ascendência africana.<br /><br />Um exemplo de blackamoor nas artes é o Mohr mit Smaragdstufe (Moor with Emerald Cluster), na coleção da Grünes Gewölbe em Dresden, Alemanha , criada por Balthasar Permoser em 1724. A estátua é ricamente decorada com joias e é 63,8 cm (25,1 pol.) De altura.<br /><br />Aleksandr Pushkin tinha uma estatueta de blackamoor em sua mesa para lembrá-lo de Abram Petrovich Gannibal , seu bisavô. Esta figura pode ser vista em seu antigo apartamento em São Petersburgo , agora transformado em um museu. [ citação necessária ]<br /><br />Diana Vreeland tinha uma coleção famosa de joias blackamoor, e Anita Pointer das Pointer Sisters tem algumas peças blackamoor em sua extensa coleção de memorabilia negra.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-164/itens/ite-27356/eTsAMuAA.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "BLACKAMOORS par de esculturas em madeira entalhada, carnada e policromada. Folhas de ouro e <br />punções. <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Segurando tocheiros posteriormente eletrificados. <br />A figura masculina tem adaga na faixa da cintura, e Meia Lua sobre a cabeça em referência às Mesquitas. A figura feminina, turbante.<br />No estado.<br />Sobre a base oitavada. <br /><br />Medidas da base: 67cm x 34cm x 34cm.<br />Medidas da peça: 175cm x 56cm x 38cm.<br />MEDIDAS TOTAIS: 228cm x 44cm x 75cm.<br /><br />REFERÊNCIAS: Imensamente popular do século 16 ao 19, o estilo “BLACKAMOOR” apresentava figuras africanas estilizadas e era comum em esculturas, joias e móveis. <br />Pintadas em esmalte preto brilhante e enfeitadas com trajes de penas coloridas, teriam funcionado como uma forma palatável de exotismo para seus proprietários europeus brancos, imitando os servos e escravos negros vestidos de forma teatral que faziam parte das casas nobres europeias. No entanto, essas figuras negras primorosamente modeladas também foram lidas como uma homenagem ao triunfo colonial da Europa. Essas estatuetas de porcelana muitas vezes continham tigelas de açúcar, dado o uso de mão-de-obra escrava negra nas plantações de açúcar dos primeiros europeus modernos. <br />Derivado da palavra latina “Maurus”, o termo foi originalmente usado para descrever os berberes e outras pessoas da antiga província romana da Mauretânia , onde hoje é o Norte da África. Com o tempo, foi cada vez mais aplicado aos muçulmanos que viviam na Europa. A partir da Renascença, “mouro” e “BLACKAMOOR” também eram usados para descrever qualquer pessoa de pele escura.<br /><br />Apropriação na Moda<br /><br />“Já lhe mostrei minhas pequenas cabeças pretas da Cartier com seus turbantes esmaltados?”, Escreveu a lendária editora da Vogue Diana Vreeland em suas memórias DV. “Baba Lucinge e eu costumávamos usá-los em fileiras e fileiras ... eles eram a elegância de Paris no final dos anos 30”. Baba Lucinge, uma aristocrata francesa, modelo e 'it-girl' da década de 1920 e do período entre guerras na França, era conhecida por incorporar o exotismo negrofílico em seu estilo pessoal. Cecil Beaton escreveu: Baba ... foi o primeiro a trazer para a moda a graça exótica e simiesca da selva e, assim, criou um efeito surpreendente de originalidade. Baba e Diana estavam na vanguarda, retirando seletivamente suas visões da africanidade e da escuridão e incorporando itens como broches Cartier blackamoor em seus guarda-roupas. “Eu estava coberto de blackamoors!”, Vreeland exclamou. <br /><br />Às vezes, blackamoors apareceram nas artes decorativas, como evidenciado em uma foto de Gabrielle “Coco” Chanel, posando entre duas estátuas blackamoor em tamanho real nesta foto de 1937 do famoso fotógrafo de moda Cecil Beaton [Fig. 1]. Às vezes, blackamoors eram usados em bijuterias, mas mais frequentemente eram feitos de metais preciosos e pedras. Por esse motivo, eles sobrevivem em muitas coleções permanentes e ainda chegam ao mercado por meio de antiquários e sites de leilões. Um exemplo seria um par de broches vintage Cartier blackamoor de ouro 18k quilates , adornados com vários diamantes e pérolas e vendendopor $ 34.500 no 1stdibs, um mercado de luxo online [Fig. 2]. Esses broches, fabricados em 1930, são relíquias de um passado não tão distante, quando era aceitável explorar dessa maneira a imagem dos afrodescendentes. Embora artefatos de uma era passada, a mercantilização da escuridão ainda pode render o dinheiro mais alto.<br />fonte: https://fashionandrace.org/database/addressing-the-presence-of-blackamoors-in-fashion/<br /><br />O uso ornamental de negros na moda de luxo europeia e nas artes decorativas continua a aparecer periodicamente. Pegue, por exemplo, a infame coleção Primavera / Verão 2013 da Dolce & Gabbana, na qual imagens de blackamoors foram apresentadas com destaque em joias e roupas [Fig. 3]. Ou, quando a Princesa Michael de Kent, primo da Rainha Elizabeth II, usou um broche de blackamoor em um banquete de Natal no Palácio de Buckingham [Fig. 4]. O fato de ela usar o broche foi particularmente notório, considerando que ela estava participando do evento com a futura duquesa de Sussex Meghan Markle, que se identifica como uma mulher de ascendência africana.<br /><br />Um exemplo de blackamoor nas artes é o Mohr mit Smaragdstufe (Moor with Emerald Cluster), na coleção da Grünes Gewölbe em Dresden, Alemanha , criada por Balthasar Permoser em 1724. A estátua é ricamente decorada com joias e é 63,8 cm (25,1 pol.) De altura.<br /><br />Aleksandr Pushkin tinha uma estatueta de blackamoor em sua mesa para lembrá-lo de Abram Petrovich Gannibal , seu bisavô. Esta figura pode ser vista em seu antigo apartamento em São Petersburgo , agora transformado em um museu. [ citação necessária ]<br /><br />Diana Vreeland tinha uma coleção famosa de joias blackamoor, e Anita Pointer das Pointer Sisters tem algumas peças blackamoor em sua extensa coleção de memorabilia negra.")
![CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “Mãe com filho”- 1955.<br />Medidas: 26 x 25cm <br />Desenho a grafite, crayon e crayon colorido sobre papel<br /><br />Contém dedicatória “Para o Dr. Henri Gastaut com toda a simpatia de Portinari Rio 55”. Com inscrição “estudo guerra março 55 ONU 14 x 10” e esboço de cabeça de mulher. Registrado no Projeto Portinari sob FCO [6114].](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-570/itens/ite-28225/kQRI2FKk.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “Mãe com filho”- 1955.<br />Medidas: 26 x 25cm <br />Desenho a grafite, crayon e crayon colorido sobre papel<br /><br />Contém dedicatória “Para o Dr. Henri Gastaut com toda a simpatia de Portinari Rio 55”. Com inscrição “estudo guerra março 55 ONU 14 x 10” e esboço de cabeça de mulher. Registrado no Projeto Portinari sob FCO [6114].")
![CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “A morte cavalgando”, 1955.<br />Medidas: 19,8 x 32,3 cm.<br />Desenho a grafite e guache sobre papel<br />c. 1955<br />Estudo para o painel Guerra<br /><br />Exposições: <br />Portinari Galeria Praça Roosevelt, São Paulo, 1970; <br />Fundação Casa Rui Barbosa 20 anos sem Portinari, 1982;<br />30 Desenhos de Portinari, Centro de Arte Moderna da Fundação Gunlbenkian, Lisboa, 1987; <br />Retrospectiva Portinari no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, O Pintor da Paz, Palácio Itamaraty, Brasília, 2003; <br /><br />Reproduzido nos livros: Catálogo Raisonné, Vol. IV, pág. 96 / Portinari - A Construção de uma obra, Ed. Dom Quixote, pág. 152. [FCO 693]<br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-570/itens/ite-28227/1hqKzfq0.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “A morte cavalgando”, 1955.<br />Medidas: 19,8 x 32,3 cm.<br />Desenho a grafite e guache sobre papel<br />c. 1955<br />Estudo para o painel Guerra<br /><br />Exposições: <br />Portinari Galeria Praça Roosevelt, São Paulo, 1970; <br />Fundação Casa Rui Barbosa 20 anos sem Portinari, 1982;<br />30 Desenhos de Portinari, Centro de Arte Moderna da Fundação Gunlbenkian, Lisboa, 1987; <br />Retrospectiva Portinari no Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, O Pintor da Paz, Palácio Itamaraty, Brasília, 2003; <br /><br />Reproduzido nos livros: Catálogo Raisonné, Vol. IV, pág. 96 / Portinari - A Construção de uma obra, Ed. Dom Quixote, pág. 152. [FCO 693]<br /><br />")
![CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “Estudo de mão”, 1955.<br />Medidas: 20 x 20 cm. <br />Desenho a grafite sobre papel<br /><br />Estudo para o painel “Guerra”. <br />Inscrição “Guerra O.N.U. 14m x 10m IX 55”. <br />Registrado no Projeto Portinari sob o FCO [6113]<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-570/itens/ite-28226/07rgjUnS.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CÂNDIDO PORTINARI (1903 – 1962)<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Estudo para o mural da ONU: “Estudo de mão”, 1955.<br />Medidas: 20 x 20 cm. <br />Desenho a grafite sobre papel<br /><br />Estudo para o painel “Guerra”. <br />Inscrição “Guerra O.N.U. 14m x 10m IX 55”. <br />Registrado no Projeto Portinari sob o FCO [6113]<br />")
![CÂNDIDO PORTINARI <br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Raríssima obra para a pintura do mural Divina Pastora, PETRÓPOLIS, RJ 1944<br />Única obra retratando o encontro entre SÃO FRANCISCO, NOSSA SENHORA e SANTA ISABEL em sua gestação e SANTO ANTÔNIO.<br />Importante obra:<br />“Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra - projetada pelo arquiteto Lucio Costa - em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é uma Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra. [...] from ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural - ele vai ficar louco! <br />Pintura em guache.<br />Medidas: 30,5 x 46,5 cm. Na Moldura: 59 x 75cm. <br />CATALOGAÇÃO NO PROJETO PORTINARI, REPRODUZIDO NO LIVRO: FCO: 1018 - CR: 2176<br /><br /><a href=http://www.casasbrasileiras.arq.br/csasaavedra.html target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E CONHEÇA A MANSÃO</a><br />Candido Portinari nasceu em Brodowski, no estado de São Paulo em 30 de dezembro de 1903 dois dias antes de 1904, o não da eclosão da Revolta da Vacina, contra a vacinação obrigatória, na cidade do Rio de Janeiro.<br />Semelhante a Picasso, começa a pintar aos 9 anos e, torna-se um dos maiores pintores da história tendo a O.N.U. abdicado de uma Tapeçaria da Guernica pelos painéis Guerra e Paz de Portinari.<br />Em 1920 com quinze anos, matricula-se na Escola Nacional de Belas-Artes e em 1928 com apenas 24 anos conquistou o Prêmio de Viagem à Europa. <br />Em 1922 recebe Menção Honrosa por um retrato, provavelmente de seu amigo Ezequiel Fonseca Filho.<br />Em 1927 com Retrato do Dr. Antônio Ferreira dos Santos recebe a Grande Medalha de Prata da XXXIV Exposição Geral de Belas Artes da Escola Nacional de Belas Artes.<br />Possibilitando, em 1928, na XXXV Exposição Geral de Belas Artes ganhar o Prêmio de Viagem à Europa, com mais um retrato o de Olegario Mariano<br />Em Paris, mora momentaneamente, em Montparnasse, reduto de artistas, porém, muda-se para o Hôtel du Dragon na mesma rua da Académie Julien, que frequenta e, no ano de 1930, percebe sua vocação: “Vou pintar aquela gente com aquela roupa e com aquela cor…”<br />Antonio Callado escreve no magnifico livro de Portinari: “...arte que ensina os brasileiros a amarem mais sua terra...”<br />Retorna em 1931 e, põe-se a retratar com cores fortes a pobreza, as dificuldades, a dor do povo, da cultura, da flora, da fauna e da história. Pintando em 1934 “Despojados” - a obra de temática social. Neste ano, a primeira instituição pública adquire obra, “Mestiço”, pela Pinacoteca do Estado de São Paulo. <br />Em 1935, no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (UDF), Rio de Janeiro. Conquista com a tela “Café” no Instituto Carnegie, em Pittsburgh Menção Honrosa e realiza quatro famosos grandes painéis para o Monumento Rodoviário, na rodovia Washington Luís. <br />Em 1938, realiza centenas de estudos a carvão, crayon, têmpera, guache e aquarela para a execução dos 12 murais em afresco para a sede do Ministério da Educação, hoje Palácio Gustavo Capanema. <br />Em 1939, para o Pavilhão Brasileiro da Feira Mundial de Nova York, sob encomenda de Lucio Costa e Oscar Niemeyer, pinta os painéis: Cena Gaúcha, Noite de São João e Jangadas do Nordeste. O Museu Nacional de Belas Artes realiza a sua maior exposição com 269 obras e catálogo com prefácio do modernista Mário de Andrade.<br />Em 1940, Exposição Portinari of Brazil é realizada no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) com 180 obras. Participa ainda da Latin American Exhibition of Fine Arts no Museu Riverside de Nova York, com 35 obras. <br />Em 1941, Universidade de Chicago edita o álbum Portinari, his Life and Art (Portinari, Vida e Arte). Inaugurada exposição na Galeria de Arte da Universidade de Howard, em Washington. Garimperos ,1941<br />Candido Portinari, ao lado de Niemeyer, Santa Rosa, Carlos Leão, Bianco, Burle-Marx, Santa Rosa, Quirino Campos Fiorito, Oswald de Andrade Filho, Bruno Giorgio, Mario Zarinini, participam da elite intelectual brasileira numa época de notável renovação na cultura do Brasil, refletida pelo caráter social da obra de Portinari.<br />Em 1942, são inaugurados os murais na Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso, em Washington.<br />Em 1943, é inaugurada uma exposição individual de Portinari no Museu Nacional de Belas Artes, com 168 trabalhos. <br />Em 1944, participa da exposição comemorativa dos 15 anos de fundação do MoMA – Art in Progress <br />É concluído o conjunto arquitetônico da Pampulha em Belo Horizonte, e a Igreja de São Francisco de Assis, decorada por Candido Portinari sob encomenda do então prefeito Juscelino Kubitschek a Oscar Niemeyer.<br />Em 1946, o governo francês condecora Portinari com a Legião de Honra. E na Galeria Charpentier, em Paris e inaugura uma individual de Portinari com 84 trabalhos.<br />Em 1947, é inaugurada sua primeira exposição individual na Argentina, no Salón Peuser, em Buenos Aires, com 91 obras.<br />Em 1948, Portinari, de volta ao Brasil, faz uma retrospectiva no MASP, em São Paulo.<br />Em 1949 a Embaixada Americana nega-lhe o visto de entrada. Portinari inicia o painel Tiradentes para o Colégio de Cataguases, em Minas Gerais, e em 1950 Recebe a Medalha de Ouro da Paz, com a obra Tiradentes, no II Congresso Mundial dos Partidários da Paz, em Varsóvia. <br />Em 1951, Portinari participa da I Bienal de São Paulo. <br />Em 1952, o Secretário Geral das Nações Unidas anuncia oferta, feita pelo governo brasileiro, de dois painéis (Guerra e Paz), que serão executados por Portinari, e que decorarão um dos salões da nova sede da ONU. Do mesmo ano Nobre e Religioso<br />Portinari alcança reconhecimento dentro e fora do seu País, com diversos convites de instituições para exposições e encomendas de obras, além de inúmeras honrarias por todo mundo, como para a sede da Organização das Nações Unidas, os painéis Guerra e Paz.<br />Em 1953, após dez anos sem expor individualmente no Rio de Janeiro, expõe 100 obras no MAM, Museu de Arte Moderna.<br />Em 1954, realiza individual no Museu de Arte de São Paulo – MASP com mais de 100 obras, entre elas, duas maquetes para os painéis Guerra e Paz. <br />Em 1955, participa da III Bienal de São Paulo com sala especial, hors concours, e apresenta 12 estudos para o painel Guerra, todos eles de grandes dimensões. <br />Ainda em 1955, é Agraciado em Nova York, como o melhor pintor do ano com a Medalha de Ouro concedida pelo International Fine Arts Council – IFAC.<br />Em 1956, entrega os painéis, de 14m x 10m cada um, Guerra e Paz, que foram realizados com a ajuda de Enrico Bianco e Rosalina Leão para a O.N.U. Antes de seguirem Presidente da República, Juscelino Kubitschek, inaugura a exposição dos painéis no Theatro Municipal do Rio de Janeiro.<br />Na avaliação do artista Enrico Bianco: “Guerra e Paz são as duas grandes páginas da emocionante comunicação que o filósofo / pintor entrega à humanidade.”<br />Em 1957, é inaugurada exposição individual de Portinari na Maison de la Pensée Française, em Paris, depois em Munique e em Colônia, na Alemanha. <br />Em 1957 São doados oficialmente os painéis Guerra e Paz. Portinari. <br />Em 1958, inaugura uma individual, na Galleria del Libraio, em Bolonha na Itália, terra de seus pais.<br />Em 1959, A V Bienal de São Paulo realiza retrospectiva da obra de Portinari com 127 obras e, participa da exposição itinerante Artistas Brasileiros na Europa, organizada pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.<br />Em 1960, Nasce Denise, neta de Candido Portinari. É publicado na Itália o livro Brasil, Dipinti di Portinari.<br />Em 1961, realiza sua última exposição individual em vida, na Galeria Bonino, no Rio de Janeiro e, faz três painéis em azulejos: Frevo e Peixes, para o Pampulha Iate Clube, projeto de Oscar Niemeyer, e Pombas, para um edifício em Paris.<br />Em 1962, Portinari intoxicado pelos metais pesados contidos nas tintas. Estavam em seu velório, o ex-Presidente da República Juscelino Kubitschek, Hermes Lima, representando o Presidente João Goulart, Luis Carlos Prestes e Carlos Marighela, Carlos Lacerda. É decretado luto oficial de três dias no Estado da Guanabara.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-184/itens/ite-25007/9Zzmy3KS.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CÂNDIDO PORTINARI <br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=WVY0opT1KGI/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />Raríssima obra para a pintura do mural Divina Pastora, PETRÓPOLIS, RJ 1944<br />Única obra retratando o encontro entre SÃO FRANCISCO, NOSSA SENHORA e SANTA ISABEL em sua gestação e SANTO ANTÔNIO.<br />Importante obra:<br />“Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra - projetada pelo arquiteto Lucio Costa - em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é uma Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra. [...] from ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural - ele vai ficar louco! <br />Pintura em guache.<br />Medidas: 30,5 x 46,5 cm. Na Moldura: 59 x 75cm. <br />CATALOGAÇÃO NO PROJETO PORTINARI, REPRODUZIDO NO LIVRO: FCO: 1018 - CR: 2176<br /><br /><a href=http://www.casasbrasileiras.arq.br/csasaavedra.html target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E CONHEÇA A MANSÃO</a><br />Candido Portinari nasceu em Brodowski, no estado de São Paulo em 30 de dezembro de 1903 dois dias antes de 1904, o não da eclosão da Revolta da Vacina, contra a vacinação obrigatória, na cidade do Rio de Janeiro.<br />Semelhante a Picasso, começa a pintar aos 9 anos e, torna-se um dos maiores pintores da história tendo a O.N.U. abdicado de uma Tapeçaria da Guernica pelos painéis Guerra e Paz de Portinari.<br />Em 1920 com quinze anos, matricula-se na Escola Nacional de Belas-Artes e em 1928 com apenas 24 anos conquistou o Prêmio de Viagem à Europa. <br />Em 1922 recebe Menção Honrosa por um retrato, provavelmente de seu amigo Ezequiel Fonseca Filho.<br />Em 1927 com Retrato do Dr. Antônio Ferreira dos Santos recebe a Grande Medalha de Prata da XXXIV Exposição Geral de Belas Artes da Escola Nacional de Belas Artes.<br />Possibilitando, em 1928, na XXXV Exposição Geral de Belas Artes ganhar o Prêmio de Viagem à Europa, com mais um retrato o de Olegario Mariano<br />Em Paris, mora momentaneamente, em Montparnasse, reduto de artistas, porém, muda-se para o Hôtel du Dragon na mesma rua da Académie Julien, que frequenta e, no ano de 1930, percebe sua vocação: “Vou pintar aquela gente com aquela roupa e com aquela cor…”<br />Antonio Callado escreve no magnifico livro de Portinari: “...arte que ensina os brasileiros a amarem mais sua terra...”<br />Retorna em 1931 e, põe-se a retratar com cores fortes a pobreza, as dificuldades, a dor do povo, da cultura, da flora, da fauna e da história. Pintando em 1934 “Despojados” - a obra de temática social. Neste ano, a primeira instituição pública adquire obra, “Mestiço”, pela Pinacoteca do Estado de São Paulo. <br />Em 1935, no Instituto de Artes da Universidade do Distrito Federal (UDF), Rio de Janeiro. Conquista com a tela “Café” no Instituto Carnegie, em Pittsburgh Menção Honrosa e realiza quatro famosos grandes painéis para o Monumento Rodoviário, na rodovia Washington Luís. <br />Em 1938, realiza centenas de estudos a carvão, crayon, têmpera, guache e aquarela para a execução dos 12 murais em afresco para a sede do Ministério da Educação, hoje Palácio Gustavo Capanema. <br />Em 1939, para o Pavilhão Brasileiro da Feira Mundial de Nova York, sob encomenda de Lucio Costa e Oscar Niemeyer, pinta os painéis: Cena Gaúcha, Noite de São João e Jangadas do Nordeste. O Museu Nacional de Belas Artes realiza a sua maior exposição com 269 obras e catálogo com prefácio do modernista Mário de Andrade.<br />Em 1940, Exposição Portinari of Brazil é realizada no Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) com 180 obras. Participa ainda da Latin American Exhibition of Fine Arts no Museu Riverside de Nova York, com 35 obras. <br />Em 1941, Universidade de Chicago edita o álbum Portinari, his Life and Art (Portinari, Vida e Arte). Inaugurada exposição na Galeria de Arte da Universidade de Howard, em Washington. Garimperos ,1941<br />Candido Portinari, ao lado de Niemeyer, Santa Rosa, Carlos Leão, Bianco, Burle-Marx, Santa Rosa, Quirino Campos Fiorito, Oswald de Andrade Filho, Bruno Giorgio, Mario Zarinini, participam da elite intelectual brasileira numa época de notável renovação na cultura do Brasil, refletida pelo caráter social da obra de Portinari.<br />Em 1942, são inaugurados os murais na Fundação Hispânica da Biblioteca do Congresso, em Washington.<br />Em 1943, é inaugurada uma exposição individual de Portinari no Museu Nacional de Belas Artes, com 168 trabalhos. <br />Em 1944, participa da exposição comemorativa dos 15 anos de fundação do MoMA – Art in Progress <br />É concluído o conjunto arquitetônico da Pampulha em Belo Horizonte, e a Igreja de São Francisco de Assis, decorada por Candido Portinari sob encomenda do então prefeito Juscelino Kubitschek a Oscar Niemeyer.<br />Em 1946, o governo francês condecora Portinari com a Legião de Honra. E na Galeria Charpentier, em Paris e inaugura uma individual de Portinari com 84 trabalhos.<br />Em 1947, é inaugurada sua primeira exposição individual na Argentina, no Salón Peuser, em Buenos Aires, com 91 obras.<br />Em 1948, Portinari, de volta ao Brasil, faz uma retrospectiva no MASP, em São Paulo.<br />Em 1949 a Embaixada Americana nega-lhe o visto de entrada. Portinari inicia o painel Tiradentes para o Colégio de Cataguases, em Minas Gerais, e em 1950 Recebe a Medalha de Ouro da Paz, com a obra Tiradentes, no II Congresso Mundial dos Partidários da Paz, em Varsóvia. <br />Em 1951, Portinari participa da I Bienal de São Paulo. <br />Em 1952, o Secretário Geral das Nações Unidas anuncia oferta, feita pelo governo brasileiro, de dois painéis (Guerra e Paz), que serão executados por Portinari, e que decorarão um dos salões da nova sede da ONU. Do mesmo ano Nobre e Religioso<br />Portinari alcança reconhecimento dentro e fora do seu País, com diversos convites de instituições para exposições e encomendas de obras, além de inúmeras honrarias por todo mundo, como para a sede da Organização das Nações Unidas, os painéis Guerra e Paz.<br />Em 1953, após dez anos sem expor individualmente no Rio de Janeiro, expõe 100 obras no MAM, Museu de Arte Moderna.<br />Em 1954, realiza individual no Museu de Arte de São Paulo – MASP com mais de 100 obras, entre elas, duas maquetes para os painéis Guerra e Paz. <br />Em 1955, participa da III Bienal de São Paulo com sala especial, hors concours, e apresenta 12 estudos para o painel Guerra, todos eles de grandes dimensões. <br />Ainda em 1955, é Agraciado em Nova York, como o melhor pintor do ano com a Medalha de Ouro concedida pelo International Fine Arts Council – IFAC.<br />Em 1956, entrega os painéis, de 14m x 10m cada um, Guerra e Paz, que foram realizados com a ajuda de Enrico Bianco e Rosalina Leão para a O.N.U. Antes de seguirem Presidente da República, Juscelino Kubitschek, inaugura a exposição dos painéis no Theatro Municipal do Rio de Janeiro.<br />Na avaliação do artista Enrico Bianco: “Guerra e Paz são as duas grandes páginas da emocionante comunicação que o filósofo / pintor entrega à humanidade.”<br />Em 1957, é inaugurada exposição individual de Portinari na Maison de la Pensée Française, em Paris, depois em Munique e em Colônia, na Alemanha. <br />Em 1957 São doados oficialmente os painéis Guerra e Paz. Portinari. <br />Em 1958, inaugura uma individual, na Galleria del Libraio, em Bolonha na Itália, terra de seus pais.<br />Em 1959, A V Bienal de São Paulo realiza retrospectiva da obra de Portinari com 127 obras e, participa da exposição itinerante Artistas Brasileiros na Europa, organizada pelo Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.<br />Em 1960, Nasce Denise, neta de Candido Portinari. É publicado na Itália o livro Brasil, Dipinti di Portinari.<br />Em 1961, realiza sua última exposição individual em vida, na Galeria Bonino, no Rio de Janeiro e, faz três painéis em azulejos: Frevo e Peixes, para o Pampulha Iate Clube, projeto de Oscar Niemeyer, e Pombas, para um edifício em Paris.<br />Em 1962, Portinari intoxicado pelos metais pesados contidos nas tintas. Estavam em seu velório, o ex-Presidente da República Juscelino Kubitschek, Hermes Lima, representando o Presidente João Goulart, Luis Carlos Prestes e Carlos Marighela, Carlos Lacerda. É decretado luto oficial de três dias no Estado da Guanabara.")
![BELMIRO DE ALMEIDA, 1858 — 1935<br /><a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />INTITULADO: RENDEZ VOUS'<br />Óleo sobre Cedro <br />30x12/42x23,5 cm<br /><br />BIOGRAFIA: Pintor, desenhista, caricaturista, escultor, professor e escritor.<br />Freqüenta o Liceu de Artes e Ofícios e a Academia Imperial de Belas Artes - Aiba, entre 1869 e 1880, no Rio de Janeiro, onde estuda com Agostinho da Motta, Zeferino da Costa e José Maria de Medeiros. Em 1878, estuda com Henrique Bernardelli e Rodolfo Amoedo no Ateliê Livre. Leciona desenho no Liceu de Artes e Ofícios, de 1879 a 1883, e na Escola Nacional de Belas Artes - Enba, de 1893 a 1896. A partir de 1884, passa a viver entre Paris e Rio de Janeiro. A primeira viagem a Paris, em 1884, resulta num redirecionamento estético em seu trabalho, conseqüência do estudo e contato com obras de artistas e intelectuais que renovaram a arte do período: Édouard Manet e Edgar Degas na pintura e Gustave Flaubert e Émile Zola na literatura. Em sua segunda estada na capital francesa, iniciada em 1888, entra em contato com Georges Seurat na Ecole Nationale Supérieure dês Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes] e estuda pintura com Jules Joseph Lefebvre e B. Constant et Pelez, aproximando-se de vertentes pós-impressionistas. No Rio de Janeiro, trabalha como caricaturista em diversas revistas, como Comédia Popular, Diabo a Quatro, A Cigarra, Bruxa e O Malho. Funda os periódicos Rataplan e João Minhoca, entre 1886 e 1901. É um dos criadores do Salão dos Humoristas, em 1914, e membro do Conselho Superior de Belas Artes, de 1915 a 1925.<br /><br />Pouco conhecido do público geral, Belmiro é muito admirado pela qualidade de seu trabalho e pela inovação de suas propostas na arte do país. Bem humorado e brincalhão, era presença constante nas rodas boêmias. Dedicou-se à imprensa com caricaturas mordazes e textos satíricos e polêmicos. Ao usar cenas cotidianas e personagens da vida comum urbana como temas de sua pintura, causou impacto no meio artístico e abriu as portas para uma nova arte fazendo ponte às vanguardas do século XX.<br /><br />O século XIX no Brasil foi marcado por fortes mudanças tanto na estrutura quanto na dinâmica e composição da sociedade que se reflete na arte do período.<br /><br />Ainda arraigada aos velhos costumes ditados pelos conservadores mestres da Academia de Belas Artes, a produção artística nos anos próximos à Proclamação da República começava a se transformar. Uma nova geração se formava disposta a contestar preconceitos e a abrir caminhos menos austeros para a arte brasileira.<br /><br />Os ares da revolução não se limitavam ás discussões políticas. Muitos alunos da Academia buscavam fora dessa instituição as respostas às novas questões que se impunham. Freqüentavam ateliês livres como o de Henrique Bernadelli e de Rodolfo Amoedo que abriam suas portas ao calor das mudanças republicanas.<br /><br />Belmiro Barbosa de Almeida fazia parte da nova geração de contestadores ao lado de Visconti, Rafael Frederico, Décio Vilares, Fiúza Guimarães, entre outros.<br /><br /><br />ACERVO EM MUSEUS:<br />Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo/Brasil - São Paulo SP<br />Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp - São Paulo SP<br />Museu Histórico e Diplomático do Itamaraty - Brasília DF<br />Museu Mariano Procópio - Juiz de Fora MG<br />Museu Nacional de Belas Artes - MNBA - Rio de Janeiro RJ<br />Museus Castro Maya - IPHAN/MinC - Rio de Janeiro RJ<br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-250/itens/ite-25243/GiH5jMcX.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "BELMIRO DE ALMEIDA, 1858 — 1935<br /><a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />INTITULADO: RENDEZ VOUS'<br />Óleo sobre Cedro <br />30x12/42x23,5 cm<br /><br />BIOGRAFIA: Pintor, desenhista, caricaturista, escultor, professor e escritor.<br />Freqüenta o Liceu de Artes e Ofícios e a Academia Imperial de Belas Artes - Aiba, entre 1869 e 1880, no Rio de Janeiro, onde estuda com Agostinho da Motta, Zeferino da Costa e José Maria de Medeiros. Em 1878, estuda com Henrique Bernardelli e Rodolfo Amoedo no Ateliê Livre. Leciona desenho no Liceu de Artes e Ofícios, de 1879 a 1883, e na Escola Nacional de Belas Artes - Enba, de 1893 a 1896. A partir de 1884, passa a viver entre Paris e Rio de Janeiro. A primeira viagem a Paris, em 1884, resulta num redirecionamento estético em seu trabalho, conseqüência do estudo e contato com obras de artistas e intelectuais que renovaram a arte do período: Édouard Manet e Edgar Degas na pintura e Gustave Flaubert e Émile Zola na literatura. Em sua segunda estada na capital francesa, iniciada em 1888, entra em contato com Georges Seurat na Ecole Nationale Supérieure dês Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes] e estuda pintura com Jules Joseph Lefebvre e B. Constant et Pelez, aproximando-se de vertentes pós-impressionistas. No Rio de Janeiro, trabalha como caricaturista em diversas revistas, como Comédia Popular, Diabo a Quatro, A Cigarra, Bruxa e O Malho. Funda os periódicos Rataplan e João Minhoca, entre 1886 e 1901. É um dos criadores do Salão dos Humoristas, em 1914, e membro do Conselho Superior de Belas Artes, de 1915 a 1925.<br /><br />Pouco conhecido do público geral, Belmiro é muito admirado pela qualidade de seu trabalho e pela inovação de suas propostas na arte do país. Bem humorado e brincalhão, era presença constante nas rodas boêmias. Dedicou-se à imprensa com caricaturas mordazes e textos satíricos e polêmicos. Ao usar cenas cotidianas e personagens da vida comum urbana como temas de sua pintura, causou impacto no meio artístico e abriu as portas para uma nova arte fazendo ponte às vanguardas do século XX.<br /><br />O século XIX no Brasil foi marcado por fortes mudanças tanto na estrutura quanto na dinâmica e composição da sociedade que se reflete na arte do período.<br /><br />Ainda arraigada aos velhos costumes ditados pelos conservadores mestres da Academia de Belas Artes, a produção artística nos anos próximos à Proclamação da República começava a se transformar. Uma nova geração se formava disposta a contestar preconceitos e a abrir caminhos menos austeros para a arte brasileira.<br /><br />Os ares da revolução não se limitavam ás discussões políticas. Muitos alunos da Academia buscavam fora dessa instituição as respostas às novas questões que se impunham. Freqüentavam ateliês livres como o de Henrique Bernadelli e de Rodolfo Amoedo que abriam suas portas ao calor das mudanças republicanas.<br /><br />Belmiro Barbosa de Almeida fazia parte da nova geração de contestadores ao lado de Visconti, Rafael Frederico, Décio Vilares, Fiúza Guimarães, entre outros.<br /><br /><br />ACERVO EM MUSEUS:<br />Acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo/Brasil - São Paulo SP<br />Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand - Masp - São Paulo SP<br />Museu Histórico e Diplomático do Itamaraty - Brasília DF<br />Museu Mariano Procópio - Juiz de Fora MG<br />Museu Nacional de Belas Artes - MNBA - Rio de Janeiro RJ<br />Museus Castro Maya - IPHAN/MinC - Rio de Janeiro RJ<br /><br />")
![MODESTO BROCOS <br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=ZT791V3wovE/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a>- <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />(Modesto Brocos y Gomez- Santiago de Compostela, Espanha 1852 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1936).<br />ÓLEO SOBRE CARTÃO<br />BORDADEIRA<br />medida 59 x 46cm. Na Moldura:74,5 x 63,5cm<br /><br />O pintor apresenta-nos uma cena simples e prosaica, onde uma Bordadeira está num ambiente repleto de objetos variados e, os moveis desafiam nosso olhar em diversas perspectivas. Na composição predominam as cores separadas por contrastes de matiz, somados ao desenho linear bastante preciso e ao tratamento primoroso acadêmico.<br />Apesar de tratar-se de uma cena do quotidiano, paira no ar uma estranha sensação de rigidez hierática e de congelamento.<br /><br />Sobre MODESTO BROCOS <br /><br /><br />Inicialmente estuda desenho com o irmão Isidoro, escultor e secretário da Academia de Belas Artes de La Coruña, Espanha. Viaja para a Argentina, por volta de 1870, onde trabalha como ilustrador. Em 1872 vem para o Brasil e, três anos depois, freqüenta como aluno livre os cursos da Academia Imperial de Belas Artes - Aiba, no Rio de Janeiro, é aluno de Victor Meirelles (1832 - 1903) e Zeferino da Costa (1840 - 1915). Em 1877, realiza cursos de aperfeiçoamento em Paris, na École Nationale Superiéure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes], como aluno de Henri Lehmann (1814 - 1882). Posteriormente freqüenta a Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e o ateliê do pintor Federico Madrazo y Kuntz (1815 - 1894), ambos em Madri. Em 1882, cursa a Academia Chigi, em Roma. Pinta cenas de gênero, retratos e pintura de paisagens. Retornando ao Brasil, assume a cadeira de professor de desenho figurado da Escola Nacional de Belas Artes - Enba, em 1891, a convite do escultor Rodolfo Bernardelli (1852 - 1931), cargo que exerce até seu falecimento. Entre seus alunos estão Quirino Campofiorito (1902 - 1993), Reis Júnior (1903 - 1985) e Sigaud (1899 - 1979). Brocos é autor de livros sobre o ensino artístico: A Questão do Ensino das Belas Artes, 1915 e Retórica dos Pintores, 1933. Destaca-se também pelo incentivo ao desenvolvimento da gravura no país. Em 1952, o Museu Nacional de Belas Artes - MNBA, do Rio de Janeiro, realiza mostra sobre sua produção, em comemoração do centenário de seu nascimento.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-239/itens/ite-25831/UhCeGExU.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "MODESTO BROCOS <br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=ZT791V3wovE/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a>- <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />(Modesto Brocos y Gomez- Santiago de Compostela, Espanha 1852 - Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, 1936).<br />ÓLEO SOBRE CARTÃO<br />BORDADEIRA<br />medida 59 x 46cm. Na Moldura:74,5 x 63,5cm<br /><br />O pintor apresenta-nos uma cena simples e prosaica, onde uma Bordadeira está num ambiente repleto de objetos variados e, os moveis desafiam nosso olhar em diversas perspectivas. Na composição predominam as cores separadas por contrastes de matiz, somados ao desenho linear bastante preciso e ao tratamento primoroso acadêmico.<br />Apesar de tratar-se de uma cena do quotidiano, paira no ar uma estranha sensação de rigidez hierática e de congelamento.<br /><br />Sobre MODESTO BROCOS <br /><br /><br />Inicialmente estuda desenho com o irmão Isidoro, escultor e secretário da Academia de Belas Artes de La Coruña, Espanha. Viaja para a Argentina, por volta de 1870, onde trabalha como ilustrador. Em 1872 vem para o Brasil e, três anos depois, freqüenta como aluno livre os cursos da Academia Imperial de Belas Artes - Aiba, no Rio de Janeiro, é aluno de Victor Meirelles (1832 - 1903) e Zeferino da Costa (1840 - 1915). Em 1877, realiza cursos de aperfeiçoamento em Paris, na École Nationale Superiéure des Beaux-Arts [Escola Nacional Superior de Belas Artes], como aluno de Henri Lehmann (1814 - 1882). Posteriormente freqüenta a Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, e o ateliê do pintor Federico Madrazo y Kuntz (1815 - 1894), ambos em Madri. Em 1882, cursa a Academia Chigi, em Roma. Pinta cenas de gênero, retratos e pintura de paisagens. Retornando ao Brasil, assume a cadeira de professor de desenho figurado da Escola Nacional de Belas Artes - Enba, em 1891, a convite do escultor Rodolfo Bernardelli (1852 - 1931), cargo que exerce até seu falecimento. Entre seus alunos estão Quirino Campofiorito (1902 - 1993), Reis Júnior (1903 - 1985) e Sigaud (1899 - 1979). Brocos é autor de livros sobre o ensino artístico: A Questão do Ensino das Belas Artes, 1915 e Retórica dos Pintores, 1933. Destaca-se também pelo incentivo ao desenvolvimento da gravura no país. Em 1952, o Museu Nacional de Belas Artes - MNBA, do Rio de Janeiro, realiza mostra sobre sua produção, em comemoração do centenário de seu nascimento.")
![Charles Decimus Barraud (9 de maio de 1822 - 26 de dez. de 1897) Pintor Viajante.<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=_QGc1bLD_uY&t=172s/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />View of Rio de Janeiro from the Hills, ou Vista da Barra tomada de Santa Teresa, óleo sobre tela, assinado C. D. Barraud e datado de 1878, Coleção Particular, Rio de Janeiro.<br /><br />MEDIDAS: 61 X 91,4cm, Na Moldura : 74 X 103cm.<br /><br />Leia abaixo o laudo do Prof. Dr. Júlio Bandeira, Doutor em História da Arte pela Universidade de Essex. Autor de: O Brasil na Rota da China (2018, Editora Artepadilla), Debret e o Brasil (2009, Editora Capivara), O Rio de Janeiro na Rota dos Mares do Sul (2004, Editora Andrea Jakobsson) entre outros.<br /><br />A volta ao Mundo de um quadro<br /><br />A última grande tela de um novo artista viajante até agora inédito no Brasil apareceu em 18 de novembro de 1995, estava na pág.15 do catálogo da Sotheby's do leilão de Latin America Art da sucursal de Nova York. Isso talvez explique o fato de ter passado desapercebida para os colecionadores brasileiros: a rigor, Charles Decimus Barraud (18221-1897) não produzia arte latino-americana, estava radicado em Wellington desde 1849 e sua obra estaria muito mais bem situada em um catálogo de imagens topográficas, ou travel & exploration como se convencionou chamar os leilões dedicados aos artistas viajantes.<br /><br />O admirável óleo brasileiro de Barraud, View of Rio de Janeiro from the Hills, uma vista da entrada da baía tomada de Santa Teresa, demonstrou uma enorme resiliência. Até ser redescoberta, a tela realizou pelo menos duas circum-navegações, a primeira, ao partir do Rio de Janeiro na companhia do pintor na viagem de volta para a Nova Zelândia em 1878, e a segunda, no século XX, quando retornou ao Novo Mundo e foi posta à venda em Nova York.<br /><br />Com esse artista inesperado, o Rio de Janeiro ganha mais uma oportunidade de resgatar visualmente sua paisagem perdida, ao mesmo tempo que cresce o tesouro imagético da Cidade. Com Barraud, ao mesmo tempo que é reafirmada a possibilidade de serem encontradas mais paisagens da cidade produzidas por artistas viajantes durante o Oitocentos, dá-se também algo até agora inédito: ao contrário da grande maioria de artistas que produziram imagens brasileiras, sobretudo do Rio de Janeiro, antes de partirem para os territórios britânicos no Oceano Pacífico, o inglês fez o movimento inverso. Ao invés de passar pela cidade na rota dos Mares do Sul, ele veio do Oceano Pacífico para o Rio de Janeiro a partir da Nova Zelândia; estava a caminho da Inglaterra, aonde acompanharia a edição de seu livro sobre paisagens neozelandesas.<br /><br />Pintor de história e paisagem, Barraud foi rapidamente reconhecido como um dos principais artistas na então colônia autônoma da Nova Zelândia já em 1850, um ano após a sua chegada. Como a maioria dos artistas viajantes, esse inglês, cuja família protestante imigrara no século XVIII da França para Inglaterra por questões religiosas, empregava sobretudo a aquarela como medium para a pintura de paisagem, sendo raras as suas pinturas a óleo, todas dedicadas à pintura histórica e feitas sob encomenda para instituições públicas. Essa sua tela com uma paisagem do Rio de Janeiro seria, portanto, uma expressiva exceção em sua obra.<br /><br />Com essa vista tomada de Santa Teresa, ele se junta a um grupo seleto de pintores que retrataram a óleo a Cidade na segunda metade do século XIX. Entre eles, artistas como o parisiense Henry-Nicolas Vinet (1817-1876) e, em especial, o misterioso C.J. Martin, de quem não se sabe sequer a nacionalidade, e que, além do Rio de Janeiro, pintou paisagens de Calcutá e Nova York. Um dos elementos de estilo comum a esses artistas está na densidade luminosa e transparente da pintura, com a tinta a óleo permitindo uma intensidade na textura das rochas, como neste caso os morros do Pão de Açúcar e o Cara de Cão, além dos morros do outro lado da Baía.São superfícies graníticas que adquirem uma aparência musculosa ao serem passadas para outro suporte que não o papel, as quais podemos comparar com as formações rochosas nos detalhes da tela de Barraud e dos outros artistas citados, reproduzidos abaixo.:<br /><br />H.-N. Vinet, Vista da Baia de Guanabara com o morro do Pão de Açúcar, detalhe, o.s.m., 34x60cm,1863.,Um terceiro artista que cuja trajetória se aproxima de Barraud -- tendo vivido como ele na Nova Zelândia -- apesar de terem tido estilos de vida e pintura bastante diferentes, seria Augustus Earle (1793-1838). Este pintor possui expressiva produção em aquarelas sobre o Rio de Janeiro, cidade aonde, como Barraud, esteve entre 1820 e 1824 duas vezes seguidas, a primeira delas a caminho da costa Ocidental da América do Sul, de onde voltou para finalmente partir para a Austrália via Cabo da Boa Esperança – ele voltaria uma terceira vez ao Rio em 1832 na companhia de Charles Darwin.<br /><br />Augustus Earle, esse artista viajante inglês de origem norte-americana que colaborou com Maria Graham, tem a maior parte de sua obra no acervo Biblioteca Nacional da Austrália, lá estão as 21 aquarelas pintadas no Brasil. As litografias produzidas a partir de aquarelas pintadas por ele para ilustrar o livro de Maria Graham, Journal of a Voyage to Brazil, and Residence there during the years 1821, 1822, 1823 (Londres, 1824), foram até 1955 as únicas obras conhecidas desse pintor sobre o Brasil.<br /><br />Apesar de possuir um talento em realizar registros costumbristas do cotidiano e pintura da paisagem, não há nenhuma obra conhecida sua pintada a óleo. A deliciosa aquarela do artista, na qual retratou-se de costas para o expectador no alto do Corcovado deslumbrado pela vista da cidade, demonstra o quão o medium pode influir no resultado, sobretudo tratando-se de uma paisagem. Augustus Earle, View from the summit of the Cacavada [i.e. Corcovado] Mountains, near Rio de Janeiro, c.1822, aquarela, National Library of Australia.<br /><br />Como Conrad Martens, outro artista viajante que passou pelo Rio de Janeiro a caminho da Oceania, a obra de Earle teve a aquarela como medium, sendo desconhecidos pinturas a óleo desses artistas sobre o Brasil.<br /><br />Na aquarela abaixo, Earle fez seu autorretrato desolado na Ilha de Tristão da Cunha, quando foi abandonado pelo navio em que viajava para a Índia a caminho da Austrália. Impressiona a melancolia do artista se compararmos essa aquarela com a que pintou no Rio de Janeiro.<br /><br />Aquarelas a serem reveladas<br /><br />No livro O Rio de Janeiro na Rota dos Mares do Sul, há uma amostra da quantidade de artistas desconhecidos que pintaram a cidade durante o século XIX que por aqui passaram a caminho do Cabo Horn ou do Cabo da Boa Esperança para chegar ao Pacífico. Uma tradição que começa em 1768, na primeira viagem do capitão James Cook, com a escala do HSM Endeavour no Rio de Janeiro que trazia os artistas Alexander Buchan (?-1769) e Sydney Parkinson (1745-1771) cujos desenhos e aquarelas estão na Biblioteca Britânica. Nele, foram publicadas a iconografia sobre a cidade que se encontra na Austrália, mas a pesquisa não atingiu a obra de Barraud sobre a Cidade, cujas aquarelas continuam inéditas, encerradas na Nova Zelândia, sendo o óleo sua única obra conhecida no Brasil.<br /><br />Charles Decimus Barraud Rio de Janeiro Aquarela sobre papel, 1878, 35,2 x 51,4 cm. The Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa<br /><br />A vegetação que pintou na Lagoa Rodrigo de Freitas, provavelmente se dirigindo ao Jardim Botânico, cujas palmeiras reais podem ser parcialmente vistas ao fundo, assemelha-se à da tela, como no detalhe reproduzido a seguir. Nela, seguindo o mandamento de seu contemporâneo John Ruskin de pintar folhas, Barraud dá grande realismo à vegetação, ele sabe ser capaz de pintá-las, e quem conseguir uma folha, pode pintar o Mundo. Como mostra nesta sua aquarela de um acesso à Lagoa Rodrigo de Freitas Praia de Botafogo, ele pode pintar literalmente os dois lados do Mundo.<br /><br />Mesmo se tratando de uma pintura a óleo, a tela de Barraud conserva uma delicadeza e luminosidade nas pinceladas semelhante à de uma aquarela. Como pode ser percebido na árvore pintada no primeiro plano, o artista anglo-neozelandês seguiria os preceitos renascentistas de definição do genovês Leon Battista Alberti (1404 -1472) para aquilo que considerava ser uma perfeita paisagem: Se nela houver agora o mar, seguido de montanhas, depois um lago, ou uma fonte, exibindo ainda uma rocha descoberta, mais uma planície e uma floresta, ou um vale. Ou seja, ainda hoje os principais atributos paisagísticos do Rio de Janeiro.<br /><br />Sua passagem pelo Rio de Janeiro pode ser parcialmente documentada pelas vistas da cidade que pertencem aos acervos da Biblioteca Nacional em Wellington, a Alexander Turnbull Library, e do Te Papa, termo maori pelo qual é conhecido o Museu Nacional neozelandês. Por intermédio delas, é possível saber que Barraud visitou, por exemplo, o Jardim Botânico e as montanhas da Tijuca, mas nenhuma delas faz referência ao bairro de Santa Teresa de onde pintou sua tela, sugerindo que possam haver mais obras brasileiras desse artista à espera de serem descobertas.<br /><br />Na Alexander Turnbull Library em Wellington, há referência a outras seis aquarelas inéditas de Barraud com 14 x 21 cm, doadas por descendentes do artista em 1926. Todas estão situadas no Rio Janiero (sic.) e datadas de agosto de 1877, mas ao contrário da reproduzida mais acima, foram pintadas por ocasião de sua primeira passagem pela então Capital do Império do Brasil a caminho da Inglaterra. Com o título e descrição fornecidos pela biblioteca, é possível imaginar o que elas representam.<br /><br />A primeira, On the road to the Botanical Gardens, (A caminho do Jardim Botânico) mostra uma vista ao longo de uma estrada, com duas figuras carregando fardos em suas cabeças, e um homem guiando uma mula. Traz uma casa à esquerda, com palmeiras altas à direita, e montanhas ao fundo. Ela sugere ser esta uma continuação da aquarela pintada em 1878.<br /><br />Na seguinte, o título é a localização manuscrita de Barraud, On the Tijuca, Rio. August, 1877, mas no final, o redator se perde em suas descrições: aparece uma montanha com uma pedra redonda no cimo, atrás de um desmatado e tufos de vegetação. Possivelmente na Siera (sic) de Três Rios, perto do Rio de Janeiro e do Pica (sic) da Tijuca.<br /><br />A terceira traz um homem com um cavalo: Um homem em pé ao lado de um cavalo, com a mão apoiada no pescoço do animal. Seu chapéu sugere de que se trata possivelmente de alguém de origem espanhola ou portuguesa. A descrição da quarta parece ser a que traz a iconografia com mais personagens. Com o título de Market Place, Rio de Janiero (sic.), mostra duas mulas carregadas paradas perto de um muro. À direita, duas mulheres de pé olham uma para outra, com cestas em suas cabeças, e um homem está sentado num tamborete. Em primeiro plano, está uma cesta encostada em um banco.<br /><br />As duas últimas são marinhas: Corcovado from the Harbour, que parece ser uma paisagem da Praia de Botafogo, com seu casario, com um navio e barcos no ancoradouro, e Moonlight scene from the anchorage, Rio de Janiero. August, 1877. Esta mostraria um veleiro no centro em primeiro plano, como se pintado a partir da água, com as luzes de um pequeno ancoradouro ao fundo, no sopé de montanhas, sugerindo ser uma vista noturna também de Botafogo, com a lua ao no alto.<br /><br />Contudo, nenhuma das aquarelas listadas acima parece se referir a tela de Barraud. A ausência aparente de estudos preparatórios ou de aquarelas com vistas pintadas a partir de Santa Teresa sugere que o artista tenha pintado seu óleo ainda no Rio de Janeiro. Há, porém, uma certa imprecisão topográfica na corografia das montanhas que sugere ter o artista completado parte de sua tela de memória, após seu retorno a Wellington. Por outro lado, ao criar no Rio de Janeiro uma paisagem mais dramática, pós-romântica, um pouco mais parecida com a paisagem neozelandesa, Barraud demonstrava o imprinting que trouxe consigo e, também, um desejo de agradar um público neozelandês mais afeito a uma terra de relevo escarpado, com vulcões e terremotos, em contraponto aos contornos suaves dos morros cariocas e fluminenses.<br /><br />Os grandes colecionadores de meados do século passado penduravam em suas paredes a paisagem que conheceram na infância, a qual ia desaparecendo à medida que os morros da cidade eram arrasados e sua orla aterrada, com a malha urbana sendo demolida e refeita e cessava de existir. Essa busca pela iconografia oitocentista do Rio era, assim, literalmente uma busca pela cidade perdida. A Muito leal e heroica cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, essa edição luxuosa com tiragem de mil exemplares de um livro já feito sobre a cidade, traz junto com as obras cedidas uma espécie de livro de ouro dos colecionadores brasileiros. O crédito das coleções revela que, atualmente, elas pertencem a museus e instituições culturais, são nesses acervos que esse óleo de Barraud encontraria seus pares. <br /><br />Bauch e Barraud<br /><br />Entre os artistas viajantes que visitaram o Rio de Janeiro no século XIX,há um pintor de paisagem alemão que se aproxima em especial do pintor anglo-neozelandês, trata-se do alemão Emil Bauch (1823-1874). Como Barraud, Bauch pintou uma vista tomada de Santa Teresa, que mostra na metade direita da tela a entrada da Barra. Uma aproximação entre o ponto de vista dos dois artistas que pode ser percebida na sequência abaixo.<br /><br />Tanto Barraud como Bauch buscaram na Europa, respectivamente em Londres e Viena, o procedimento para a reprodução de suas obras mecanicamente. Ambos escolheram a cromolitografia, como ficou conhecida a técnica de reprodução, com até 16 cores diferentes, desenvolvida pelo litógrafo Godefroy Engelmann para designar o procedimento de impressão inventado por ele em 1837.<br /><br />Para empregar o título do conhecido ensaio de Walter Benjamin, era como houvesse, mutatis mutandis e sem nenhuma teoria materialista da arte, nos dois artistas uma necessidade de levarem suas obras de arte para a era de sua reprodutibilidade técnica. A cromolitografia lhes pareceu então o meio mais fiel para reproduzir suas aquarelas, como nas imagens das paisagens neozelandesas de Barraud que se seguem e, por último, o panorama de Bauch.<br /><br />Descriptive, de William Thomas Locke Travers (1819-1903), fundador e presidente perpétuo do New Zealand Institute.<br /><br />O projeto resultou em uma obra até hoje considerada uma das melhores publicações já realizadas reunindo pranchas coloridas com imagens da Nova Zelândia. Para pintar as paisagens, Barraud viajou por mais de duas décadas pelas Ilhas do Norte e do Sul, como são chamadas as duas principais do arquipélago. Foi em 1875 que o artista começou a preparar o projeto de viajar à Inglaterra, e refazendo suas pinturas numa escala maior. O livro saiu com o título de New Zealand, Graphic and Descriptive, sendo as imagens litografadas por C. F. Kell.<br /><br />Na seleção abaixo, buscou-se imagens que remetessem ao porto do Rio de Janeiro. Nelas, fica evidente o contraste entre as paisagens temperadas da Nova Zelândia e a cidade tropical que encontrou no Brasil.<br /><br />Ao contrário do misterioso Charles Martin, cuja nacionalidade poderia ter sido tanto americana, francesa ou britânica, Barraud tem uma biografia relativamente detalhada pela importância que teve na vida artística e social da Nova Zelândia. Charles Decimus Barraud nasceu no dia 9 de maio de 1822 em Cambweel, no condado de Surrey, Inglaterra, sendo o décimo filho registrado de William Francis Barraud e sua mulher, Sophia Hull.<br /><br />A decisão de imigrar para a Nova Zelândia se deu em 1849, chegando a Wellington em agosto daquele ano. Sua mulher era uma Chapman, prima do juiz Henry Samuel Chapman, que apoiou a imigração do casal, lhes oferecendo inclusive moradia enquanto a casa dos Barraud estava sendo construída.<br /><br />Ao chegar, Barraud ofereceu primeiro seus serviços como farmacêutico, abrindo uma farmácia em Lambton Quay. Mas sua fama como artista já se consolidava no ano seguinte, trabalhando sobretudo com aquarelas, fazendo retratos dos filhos de membros da sociedade local. Além de pintor de paisagem, Barraud aproveitaria seu talento de retratista para se dedicar a pintura de história. Seus retratos de chefes maoris como Honiana Te Puni-kōkopu e Te Rangihaeata estão tanto na Biblioteca Turnbull como na Biblioteca Nacional da Austrália em Camberra.<br /><br />De todas as pinturas retratando maoris, o Baptism of the Māori chief Te Puni in Ōtaki Church (Batizado do chefe maori Te Puni na igreja de Otaki) é sua pintura mais conhecida. Ela mostra o batizado de Te Puni pelo arquidiácono Octavius Hadfield, cercado de notáveis maoris com destaque para Sir George e Lady Grey na igreja de Rangiātea em Otaki, quando a cerimônia de fato ocorreu em Welli8ngton. The ceremony actually took place in Wellington<br /><br />Baptism of Te Puni, ost. 63.5 x 76.4 cm, 1853, Nan Kivell Collection, Biblioteca Nacional da Austrália, 1853, Canberra<br /><br />Honiana Te Puni-kokopu (1780?-1870), foi um chefe maori da iwi (tribo) Te Ati Awa, que teve um papel importante na conquista e colonização britânica da Nova Zelândia. Em 1840, um dos que firmaram o tratado de Waitangi pelo qual os chefes maoris renunciaram a sua soberania em favor da Coroa britânica, permitindo a anexação da Nova Zelândia ao império. Te Puni chegou a se aliar em 1846 com sua tribo à New Zealand Company, uma empresa colonial, para lutar contra outros chefes maoris.<br /><br />Barraud, Charles Decimus, Portrait of Honiana Te Puni oil on canvas ; 76.3 x 63.5 cm 1860 Camberra, Biblioteca Nacional<br /><br />Em um segundo retrato a óleo de Te Puni, pintado nas mesmas proporções que o anterior antes de sua viagem ao Brasil, Barraud inseriu uma paisagem neozelandesa, mas adequada aos trajes do dignitário maori que o interior duvidoso de uma igreja neogótica. A paisagem remete ao livro que o levaria a empreender sua passagem pelo Rio de Janeiro a caminho de Londres.<br /><br />Julio Bandeira* Escritor e historiador da arte, é sócio do IHGB – Instituto Histórico e Geográfico do Brasil, do IHGRJ e do Pen Clube, pertence ao corpo de pesquisadores e curadores da Biblioteca Nacional/Secretaria Especial da Cultura/Ministério da Cidadania. Possui um estágio de pós-Doutor na ECO/UFRJ, sendo Doutor em Teoria e História da Arte pela Universidade de Essex, Reino Unido, é também Mestre em História do Brasil pelo Instituto de Filosofia e Ciências Sociais da Universidade Federal do Rio de Janeiro e Bacharel em Comunicação Social pela PUC/RJ. <br />É autor e coautor de mais de 30 livros e catálogos de exposições dedicados aos artistas viajantes que estiveram no Brasil, entre os quais estão especialmente Jean-Baptiste Debret ( Catalogo Raisonné, Caderno de Viagem, Debret na Coleção Castro Maya e O Teatro Pitoresco de Debret); além deO Brasil na rota da China, Rio de Janeiro: Artepadilla, 2018; A Viagem de Marianne North ao Brasil,1872-1873. Rio de Janeiro: Sextante, 2012; Solar de Monjope. Rio de Janeiro: Reler, 2008; Canibais no Paraíso, a França Antártica e o imaginário europeu quinhentista. Rio de Janeiro: Mar de Idéias, 2006; O Brasil na rota da navegação francesa. Rio de Janeiro: Reler, 2006; O Marquês (romance). Rio de Janeiro: Topbooks, 1999; além da coautoria de Brasiliana IHGB. Rio de Janeiro: Capivara, 2014; e Campos de Altitude. Rio de Janeiro: Index, 1989. Termina atualmente o raisonné da obra do artista austríaco Thomas Ender relacionada ao Brasil. Entre as suas curadorias, estão as exposições A paisagem pitoresca no Brasil. Rio de Janeiro:MCM/ Museu da Chácara do Céu, 1999; O teatro pitoresco de Debret.Rio de Janeiro, Fundação Casa França Brasil, 2008; Brazil-Brasil, Europalia 2011, Bruxelas; e 1808-1818: a construção do Reino do Brasil, BN, Rio, 2018.<br /><br /><br />Referências Bibliográficas:<br />AGUILLAR, Nelson (org.): Mostra do descobrimento: O olhar distante. São Paulo, Fundação Bienal de São Paulo, 2000.<br />BANDEIRA, Julio: “Brasiliana” in Museus Castro Maya. São Paulo, Banco Safra, 1996.<br />BANDEIRA, Julio: A Viagem ao Brasil de Marianne North 1872-1873. Rio de Janeiro, Sextante, 2012.<br />BELLM, Richard: “Keller, Ferdinand”, em: Neue Deutsche Biographie (NDB), Vol. 11, Berlin 1977. <br />BENJAMIN, Walter: A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica. Rio de Janeiro, Contraponto, 2012.<br />BERGER, Paulo: Pinturas e Pintores do Rio Antigo. Rio de Janeiro, Kosmos, 1990.<br />FERREZ, Gilberto: A Muito leal e heroica cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro. Rio de Janeiro/Paris, Marcel Mouillot, 1965. <br />FERREZ, Gilberto: Iconografia do Rio de Janeiro, 1530-1890. Rio de Janeiro, Casa Jorge, 2000.<br />FROITZHEIM, Eva-Marina: Ferdinand Keller (1842-1922) : Gemälde, Zeichnungen. Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 1992.<br />HORTA, Maria de Lourdes Parreiras: Visões do Rio na Coleção Geyer. Rio de Janeiro, CCBB, 2000.<br />KOCH, Michael: Ferdinand Keller, (1842-1922): Leben u. Werk. Karlsruhe, Müller, 1978.<br />LEITE, José Roberto Teixeira Leite: O Oitocentos brasileiro na coleção Ricardo Brennand. Recife, Instituto Ricardo Brennand, 2015.<br />MENEZES, Pedro da C., e BANDEIRA, Julio: O Rio de Janeiro na rota dos Mares do Sul. Rio de Janeiro, Andrea Jakobsson Estúdio, 2007.<br />PICCOLI, Valéria et alii: Coleção Brasiliana Fundação Estudar. São Paulo, Via Impressa, 2007.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-547/itens/ite-26437/dKqiQBwd.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Charles Decimus Barraud (9 de maio de 1822 - 26 de dez. de 1897) Pintor Viajante.<br /><a href=https://www.youtube.com/watch?v=_QGc1bLD_uY&t=172s/ target=# style=color: #F00>CLICK AQUI E ASSISTA O VIDEO</a> - <a href=https://api.whatsapp.com/send?phone=%3C553533324150%3E/ target=# style=color: #00a000><font size=1> Consulte pelo WHATSAPP </font></a><br />View of Rio de Janeiro from the Hills, ou Vista da Barra tomada de Santa Teresa, óleo sobre tela, assinado C. D. Barraud e datado de 1878, Coleção Particular, Rio de Janeiro.<br /><br />MEDIDAS: 61 X 91,4cm, Na Moldura : 74 X 103cm.<br /><br />Leia abaixo o laudo do Prof. Dr. Júlio Bandeira, Doutor em História da Arte pela Universidade de Essex. Autor de: O Brasil na Rota da China (2018, Editora Artepadilla), Debret e o Brasil (2009, Editora Capivara), O Rio de Janeiro na Rota dos Mares do Sul (2004, Editora Andrea Jakobsson) entre outros.<br /><br />A volta ao Mundo de um quadro<br /><br />A última grande tela de um novo artista viajante até agora inédito no Brasil apareceu em 18 de novembro de 1995, estava na pág.15 do catálogo da Sotheby's do leilão de Latin America Art da sucursal de Nova York. Isso talvez explique o fato de ter passado desapercebida para os colecionadores brasileiros: a rigor, Charles Decimus Barraud (18221-1897) não produzia arte latino-americana, estava radicado em Wellington desde 1849 e sua obra estaria muito mais bem situada em um catálogo de imagens topográficas, ou travel & exploration como se convencionou chamar os leilões dedicados aos artistas viajantes.<br /><br />O admirável óleo brasileiro de Barraud, View of Rio de Janeiro from the Hills, uma vista da entrada da baía tomada de Santa Teresa, demonstrou uma enorme resiliência. Até ser redescoberta, a tela realizou pelo menos duas circum-navegações, a primeira, ao partir do Rio de Janeiro na companhia do pintor na viagem de volta para a Nova Zelândia em 1878, e a segunda, no século XX, quando retornou ao Novo Mundo e foi posta à venda em Nova York.<br /><br />Com esse artista inesperado, o Rio de Janeiro ganha mais uma oportunidade de resgatar visualmente sua paisagem perdida, ao mesmo tempo que cresce o tesouro imagético da Cidade. Com Barraud, ao mesmo tempo que é reafirmada a possibilidade de serem encontradas mais paisagens da cidade produzidas por artistas viajantes durante o Oitocentos, dá-se também algo até agora inédito: ao contrário da grande maioria de artistas que produziram imagens brasileiras, sobretudo do Rio de Janeiro, antes de partirem para os territórios britânicos no Oceano Pacífico, o inglês fez o movimento inverso. Ao invés de passar pela cidade na rota dos Mares do Sul, ele veio do Oceano Pacífico para o Rio de Janeiro a partir da Nova Zelândia; estava a caminho da Inglaterra, aonde acompanharia a edição de seu livro sobre paisagens neozelandesas.<br /><br />Pintor de história e paisagem, Barraud foi rapidamente reconhecido como um dos principais artistas na então colônia autônoma da Nova Zelândia já em 1850, um ano após a sua chegada. Como a maioria dos artistas viajantes, esse inglês, cuja família protestante imigrara no século XVIII da França para Inglaterra por questões religiosas, empregava sobretudo a aquarela como medium para a pintura de paisagem, sendo raras as suas pinturas a óleo, todas dedicadas à pintura histórica e feitas sob encomenda para instituições públicas. Essa sua tela com uma paisagem do Rio de Janeiro seria, portanto, uma expressiva exceção em sua obra.<br /><br />Com essa vista tomada de Santa Teresa, ele se junta a um grupo seleto de pintores que retrataram a óleo a Cidade na segunda metade do século XIX. Entre eles, artistas como o parisiense Henry-Nicolas Vinet (1817-1876) e, em especial, o misterioso C.J. Martin, de quem não se sabe sequer a nacionalidade, e que, além do Rio de Janeiro, pintou paisagens de Calcutá e Nova York. Um dos elementos de estilo comum a esses artistas está na densidade luminosa e transparente da pintura, com a tinta a óleo permitindo uma intensidade na textura das rochas, como neste caso os morros do Pão de Açúcar e o Cara de Cão, além dos morros do outro lado da Baía.São superfícies graníticas que adquirem uma aparência musculosa ao serem passadas para outro suporte que não o papel, as quais podemos comparar com as formações rochosas nos detalhes da tela de Barraud e dos outros artistas citados, reproduzidos abaixo.:<br /><br />H.-N. Vinet, Vista da Baia de Guanabara com o morro do Pão de Açúcar, detalhe, o.s.m., 34x60cm,1863.,Um terceiro artista que cuja trajetória se aproxima de Barraud -- tendo vivido como ele na Nova Zelândia -- apesar de terem tido estilos de vida e pintura bastante diferentes, seria Augustus Earle (1793-1838). Este pintor possui expressiva produção em aquarelas sobre o Rio de Janeiro, cidade aonde, como Barraud, esteve entre 1820 e 1824 duas vezes seguidas, a primeira delas a caminho da costa Ocidental da América do Sul, de onde voltou para finalmente partir para a Austrália via Cabo da Boa Esperança – ele voltaria uma terceira vez ao Rio em 1832 na companhia de Charles Darwin.<br /><br />Augustus Earle, esse artista viajante inglês de origem norte-americana que colaborou com Maria Graham, tem a maior parte de sua obra no acervo Biblioteca Nacional da Austrália, lá estão as 21 aquarelas pintadas no Brasil. As litografias produzidas a partir de aquarelas pintadas por ele para ilustrar o livro de Maria Graham, Journal of a Voyage to Brazil, and Residence there during the years 1821, 1822, 1823 (Londres, 1824), foram até 1955 as únicas obras conhecidas desse pintor sobre o Brasil.<br /><br />Apesar de possuir um talento em realizar registros costumbristas do cotidiano e pintura da paisagem, não há nenhuma obra conhecida sua pintada a óleo. A deliciosa aquarela do artista, na qual retratou-se de costas para o expectador no alto do Corcovado deslumbrado pela vista da cidade, demonstra o quão o medium pode influir no resultado, sobretudo tratando-se de uma paisagem. Augustus Earle, View from the summit of the Cacavada [i.e. Corcovado] Mountains, near Rio de Janeiro, c.1822, aquarela, National Library of Australia.<br /><br />Como Conrad Martens, outro artista viajante que passou pelo Rio de Janeiro a caminho da Oceania, a obra de Earle teve a aquarela como medium, sendo desconhecidos pinturas a óleo desses artistas sobre o Brasil.<br /><br />Na aquarela abaixo, Earle fez seu autorretrato desolado na Ilha de Tristão da Cunha, quando foi abandonado pelo navio em que viajava para a Índia a caminho da Austrália. Impressiona a melancolia do artista se compararmos essa aquarela com a que pintou no Rio de Janeiro.<br /><br />Aquarelas a serem reveladas<br /><br />No livro O Rio de Janeiro na Rota dos Mares do Sul, há uma amostra da quantidade de artistas desconhecidos que pintaram a cidade durante o século XIX que por aqui passaram a caminho do Cabo Horn ou do Cabo da Boa Esperança para chegar ao Pacífico. Uma tradição que começa em 1768, na primeira viagem do capitão James Cook, com a escala do HSM Endeavour no Rio de Janeiro que trazia os artistas Alexander Buchan (?-1769) e Sydney Parkinson (1745-1771) cujos desenhos e aquarelas estão na Biblioteca Britânica. Nele, foram publicadas a iconografia sobre a cidade que se encontra na Austrália, mas a pesquisa não atingiu a obra de Barraud sobre a Cidade, cujas aquarelas continuam inéditas, encerradas na Nova Zelândia, sendo o óleo sua única obra conhecida no Brasil.<br /><br />Charles Decimus Barraud Rio de Janeiro Aquarela sobre papel, 1878, 35,2 x 51,4 cm. The Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa<br /><br />A vegetação que pintou na Lagoa Rodrigo de Freitas, provavelmente se dirigindo ao Jardim Botânico, cujas palmeiras reais podem ser parcialmente vistas ao fundo, assemelha-se à da tela, como no detalhe reproduzido a seguir. Nela, seguindo o mandamento de seu contemporâneo John Ruskin de pintar folhas, Barraud dá grande realismo à vegetação, ele sabe ser capaz de pintá-las, e quem conseguir uma folha, pode pintar o Mundo. Como mostra nesta sua aquarela de um acesso à Lagoa Rodrigo de Freitas Praia de Botafogo, ele pode pintar literalmente os dois lados do Mundo.<br /><br />Mesmo se tratando de uma pintura a óleo, a tela de Barraud conserva uma delicadeza e luminosidade nas pinceladas semelhante à de uma aquarela. Como pode ser percebido na árvore pintada no primeiro plano, o artista anglo-neozelandês seguiria os preceitos renascentistas de definição do genovês Leon Battista Alberti (1404 -1472) para aquilo que considerava ser uma perfeita paisagem: Se nela houver agora o mar, seguido de montanhas, depois um lago, ou uma fonte, exibindo ainda uma rocha descoberta, mais uma planície e uma floresta, ou um vale. Ou seja, ainda hoje os principais atributos paisagísticos do Rio de Janeiro.<br /><br />Sua passagem pelo Rio de Janeiro pode ser parcialmente documentada pelas vistas da cidade que pertencem aos acervos da Biblioteca Nacional em Wellington, a Alexander Turnbull Library, e do Te Papa, termo maori pelo qual é conhecido o Museu Nacional neozelandês. Por intermédio delas, é possível saber que Barraud visitou, por exemplo, o Jardim Botânico e as montanhas da Tijuca, mas nenhuma delas faz referência ao bairro de Santa Teresa de onde pintou sua tela, sugerindo que possam haver mais obras brasileiras desse artista à espera de serem descobertas.<br /><br />Na Alexander Turnbull Library em Wellington, há referência a outras seis aquarelas inéditas de Barraud com 14 x 21 cm, doadas por descendentes do artista em 1926. Todas estão situadas no Rio Janiero (sic.) e datadas de agosto de 1877, mas ao contrário da reproduzida mais acima, foram pintadas por ocasião de sua primeira passagem pela então Capital do Império do Brasil a caminho da Inglaterra. Com o título e descrição fornecidos pela biblioteca, é possível imaginar o que elas representam.<br /><br />A primeira, On the road to the Botanical Gardens, (A caminho do Jardim Botânico) mostra uma vista ao longo de uma estrada, com duas figuras carregando fardos em suas cabeças, e um homem guiando uma mula. Traz uma casa à esquerda, com palmeiras altas à direita, e montanhas ao fundo. Ela sugere ser esta uma continuação da aquarela pintada em 1878.<br /><br />Na seguinte, o título é a localização manuscrita de Barraud, On the Tijuca, Rio. August, 1877, mas no final, o redator se perde em suas descrições: aparece uma montanha com uma pedra redonda no cimo, atrás de um desmatado e tufos de vegetação. Possivelmente na Siera (sic) de Três Rios, perto do Rio de Janeiro e do Pica (sic) da Tijuca.<br /><br />A terceira traz um homem com um cavalo: Um homem em pé ao lado de um cavalo, com a mão apoiada no pescoço do animal. Seu chapéu sugere de que se trata possivelmente de alguém de origem espanhola ou portuguesa. A descrição da quarta parece ser a que traz a iconografia com mais personagens. Com o título de Market Place, Rio de Janiero (sic.), mostra duas mulas carregadas paradas perto de um muro. À direita, duas mulheres de pé olham uma para outra, com cestas em suas cabeças, e um homem está sentado num tamborete. Em primeiro plano, está uma cesta encostada em um banco.<br /><br />As duas últimas são marinhas: Corcovado from the Harbour, que parece ser uma paisagem da Praia de Botafogo, com seu casario, com um navio e barcos no ancoradouro, e Moonlight scene from the anchorage, Rio de Janiero. August, 1877. Esta mostraria um veleiro no centro em primeiro plano, como se pintado a partir da água, com as luzes de um pequeno ancoradouro ao fundo, no sopé de montanhas, sugerindo ser uma vista noturna também de Botafogo, com a lua ao no alto.<br /><br />Contudo, nenhuma das aquarelas listadas acima parece se referir a tela de Barraud. A ausência aparente de estudos preparatórios ou de aquarelas com vistas pintadas a partir de Santa Teresa sugere que o artista tenha pintado seu óleo ainda no Rio de Janeiro. Há, porém, uma certa imprecisão topográfica na corografia das montanhas que sugere ter o artista completado parte de sua tela de memória, após seu retorno a Wellington. Por outro lado, ao criar no Rio de Janeiro uma paisagem mais dramática, pós-romântica, um pouco mais parecida com a paisagem neozelandesa, Barraud demonstrava o imprinting que trouxe consigo e, também, um desejo de agradar um público neozelandês mais afeito a uma terra de relevo escarpado, com vulcões e terremotos, em contraponto aos contornos suaves dos morros cariocas e fluminenses.<br /><br />Os grandes colecionadores de meados do século passado penduravam em suas paredes a paisagem que conheceram na infância, a qual ia desaparecendo à medida que os morros da cidade eram arrasados e sua orla aterrada, com a malha urbana sendo demolida e refeita e cessava de existir. Essa busca pela iconografia oitocentista do Rio era, assim, literalmente uma busca pela cidade perdida. A Muito leal e heroica cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro, essa edição luxuosa com tiragem de mil exemplares de um livro já feito sobre a cidade, traz junto com as obras cedidas uma espécie de livro de ouro dos colecionadores brasileiros. O crédito das coleções revela que, atualmente, elas pertencem a museus e instituições culturais, são nesses acervos que esse óleo de Barraud encontraria seus pares. <br /><br />Bauch e Barraud<br /><br />Entre os artistas viajantes que visitaram o Rio de Janeiro no século XIX,há um pintor de paisagem alemão que se aproxima em especial do pintor anglo-neozelandês, trata-se do alemão Emil Bauch (1823-1874). Como Barraud, Bauch pintou uma vista tomada de Santa Teresa, que mostra na metade direita da tela a entrada da Barra. Uma aproximação entre o ponto de vista dos dois artistas que pode ser percebida na sequência abaixo.<br /><br />Tanto Barraud como Bauch buscaram na Europa, respectivamente em Londres e Viena, o procedimento para a reprodução de suas obras mecanicamente. Ambos escolheram a cromolitografia, como ficou conhecida a técnica de reprodução, com até 16 cores diferentes, desenvolvida pelo litógrafo Godefroy Engelmann para designar o procedimento de impressão inventado por ele em 1837.<br /><br />Para empregar o título do conhecido ensaio de Walter Benjamin, era como houvesse, mutatis mutandis e sem nenhuma teoria materialista da arte, nos dois artistas uma necessidade de levarem suas obras de arte para a era de sua reprodutibilidade técnica. A cromolitografia lhes pareceu então o meio mais fiel para reproduzir suas aquarelas, como nas imagens das paisagens neozelandesas de Barraud que se seguem e, por último, o panorama de Bauch.<br /><br />Descriptive, de William Thomas Locke Travers (1819-1903), fundador e presidente perpétuo do New Zealand Institute.<br /><br />O projeto resultou em uma obra até hoje considerada uma das melhores publicações já realizadas reunindo pranchas coloridas com imagens da Nova Zelândia. Para pintar as paisagens, Barraud viajou por mais de duas décadas pelas Ilhas do Norte e do Sul, como são chamadas as duas principais do arquipélago. Foi em 1875 que o artista começou a preparar o projeto de viajar à Inglaterra, e refazendo suas pinturas numa escala maior. O livro saiu com o título de New Zealand, Graphic and Descriptive, sendo as imagens litografadas por C. F. Kell.<br /><br />Na seleção abaixo, buscou-se imagens que remetessem ao porto do Rio de Janeiro. Nelas, fica evidente o contraste entre as paisagens temperadas da Nova Zelândia e a cidade tropical que encontrou no Brasil.<br /><br />Ao contrário do misterioso Charles Martin, cuja nacionalidade poderia ter sido tanto americana, francesa ou britânica, Barraud tem uma biografia relativamente detalhada pela importância que teve na vida artística e social da Nova Zelândia. Charles Decimus Barraud nasceu no dia 9 de maio de 1822 em Cambweel, no condado de Surrey, Inglaterra, sendo o décimo filho registrado de William Francis Barraud e sua mulher, Sophia Hull.<br /><br />A decisão de imigrar para a Nova Zelândia se deu em 1849, chegando a Wellington em agosto daquele ano. Sua mulher era uma Chapman, prima do juiz Henry Samuel Chapman, que apoiou a imigração do casal, lhes oferecendo inclusive moradia enquanto a casa dos Barraud estava sendo construída.<br /><br />Ao chegar, Barraud ofereceu primeiro seus serviços como farmacêutico, abrindo uma farmácia em Lambton Quay. Mas sua fama como artista já se consolidava no ano seguinte, trabalhando sobretudo com aquarelas, fazendo retratos dos filhos de membros da sociedade local. Além de pintor de paisagem, Barraud aproveitaria seu talento de retratista para se dedicar a pintura de história. Seus retratos de chefes maoris como Honiana Te Puni-kōkopu e Te Rangihaeata estão tanto na Biblioteca Turnbull como na Biblioteca Nacional da Austrália em Camberra.<br /><br />De todas as pinturas retratando maoris, o Baptism of the Māori chief Te Puni in Ōtaki Church (Batizado do chefe maori Te Puni na igreja de Otaki) é sua pintura mais conhecida. Ela mostra o batizado de Te Puni pelo arquidiácono Octavius Hadfield, cercado de notáveis maoris com destaque para Sir George e Lady Grey na igreja de Rangiātea em Otaki, quando a cerimônia de fato ocorreu em Welli8ngton. The ceremony actually took place in Wellington<br /><br />Baptism of Te Puni, ost. 63.5 x 76.4 cm, 1853, Nan Kivell Collection, Biblioteca Nacional da Austrália, 1853, Canberra<br /><br />Honiana Te Puni-kokopu (1780?-1870), foi um chefe maori da iwi (tribo) Te Ati Awa, que teve um papel importante na conquista e colonização britânica da Nova Zelândia. Em 1840, um dos que firmaram o tratado de Waitangi pelo qual os chefes maoris renunciaram a sua soberania em favor da Coroa britânica, permitindo a anexação da Nova Zelândia ao império. Te Puni chegou a se aliar em 1846 com sua tribo à New Zealand Company, uma empresa colonial, para lutar contra outros chefes maoris.<br /><br />Barraud, Charles Decimus, Portrait of Honiana Te Puni oil on canvas ; 76.3 x 63.5 cm 1860 Camberra, Biblioteca Nacional<br /><br />Em um segundo retrato a óleo de Te Puni, pintado nas mesmas proporções que o anterior antes de sua viagem ao Brasil, Barraud inseriu uma paisagem neozelandesa, mas adequada aos trajes do dignitário maori que o interior duvidoso de uma igreja neogótica. A paisagem remete ao livro que o levaria a empreender sua passagem pelo Rio de Janeiro a caminho de Londres.<br /><br />Julio Bandeira* Escritor e historiador da arte, é sócio do IHGB – Instituto Histórico e Geográfico do Brasil, do IHGRJ e do Pen Clube, pertence ao corpo de pesquisadores e curadores da Biblioteca Nacional/Secretaria Especial da Cultura/Ministério da Cidadania. Possui um estágio de pós-Doutor na ECO/UFRJ, sendo Doutor em Teoria e História da Arte pela Universidade de Essex, Reino Unido, é também Mestre em História do Brasil pelo Instituto de Filosofia e Ciências Sociais da Universidade Federal do Rio de Janeiro e Bacharel em Comunicação Social pela PUC/RJ. <br />É autor e coautor de mais de 30 livros e catálogos de exposições dedicados aos artistas viajantes que estiveram no Brasil, entre os quais estão especialmente Jean-Baptiste Debret ( Catalogo Raisonné, Caderno de Viagem, Debret na Coleção Castro Maya e O Teatro Pitoresco de Debret); além deO Brasil na rota da China, Rio de Janeiro: Artepadilla, 2018; A Viagem de Marianne North ao Brasil,1872-1873. Rio de Janeiro: Sextante, 2012; Solar de Monjope. Rio de Janeiro: Reler, 2008; Canibais no Paraíso, a França Antártica e o imaginário europeu quinhentista. Rio de Janeiro: Mar de Idéias, 2006; O Brasil na rota da navegação francesa. Rio de Janeiro: Reler, 2006; O Marquês (romance). Rio de Janeiro: Topbooks, 1999; além da coautoria de Brasiliana IHGB. Rio de Janeiro: Capivara, 2014; e Campos de Altitude. Rio de Janeiro: Index, 1989. Termina atualmente o raisonné da obra do artista austríaco Thomas Ender relacionada ao Brasil. Entre as suas curadorias, estão as exposições A paisagem pitoresca no Brasil. Rio de Janeiro:MCM/ Museu da Chácara do Céu, 1999; O teatro pitoresco de Debret.Rio de Janeiro, Fundação Casa França Brasil, 2008; Brazil-Brasil, Europalia 2011, Bruxelas; e 1808-1818: a construção do Reino do Brasil, BN, Rio, 2018.<br /><br /><br />Referências Bibliográficas:<br />AGUILLAR, Nelson (org.): Mostra do descobrimento: O olhar distante. São Paulo, Fundação Bienal de São Paulo, 2000.<br />BANDEIRA, Julio: “Brasiliana” in Museus Castro Maya. São Paulo, Banco Safra, 1996.<br />BANDEIRA, Julio: A Viagem ao Brasil de Marianne North 1872-1873. Rio de Janeiro, Sextante, 2012.<br />BELLM, Richard: “Keller, Ferdinand”, em: Neue Deutsche Biographie (NDB), Vol. 11, Berlin 1977. <br />BENJAMIN, Walter: A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica. Rio de Janeiro, Contraponto, 2012.<br />BERGER, Paulo: Pinturas e Pintores do Rio Antigo. Rio de Janeiro, Kosmos, 1990.<br />FERREZ, Gilberto: A Muito leal e heroica cidade de São Sebastião do Rio de Janeiro. Rio de Janeiro/Paris, Marcel Mouillot, 1965. <br />FERREZ, Gilberto: Iconografia do Rio de Janeiro, 1530-1890. Rio de Janeiro, Casa Jorge, 2000.<br />FROITZHEIM, Eva-Marina: Ferdinand Keller (1842-1922) : Gemälde, Zeichnungen. Karlsruhe, Staatliche Kunsthalle Karlsruhe, 1992.<br />HORTA, Maria de Lourdes Parreiras: Visões do Rio na Coleção Geyer. Rio de Janeiro, CCBB, 2000.<br />KOCH, Michael: Ferdinand Keller, (1842-1922): Leben u. Werk. Karlsruhe, Müller, 1978.<br />LEITE, José Roberto Teixeira Leite: O Oitocentos brasileiro na coleção Ricardo Brennand. Recife, Instituto Ricardo Brennand, 2015.<br />MENEZES, Pedro da C., e BANDEIRA, Julio: O Rio de Janeiro na rota dos Mares do Sul. Rio de Janeiro, Andrea Jakobsson Estúdio, 2007.<br />PICCOLI, Valéria et alii: Coleção Brasiliana Fundação Estudar. São Paulo, Via Impressa, 2007.")
![CÂNDIDO PORTINARI (1903 - 1962) <br />Jesus Consola as Mulheres de Jerusalém - Passo VIII da Via Sacra Desenho a grafite sobre papel<br />27 x 27 cm<br />1945,<br />No canto inferior direito, rubrica CP. Inscrição no canto superior direito 8. Estudo para a pintura Jesus Consola as Mulheres - Igreja de São Francisco de Assis - Pampulha, Belo Horizonte [FCO 2487]<br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-570/itens/ite-26220/qzv4beyP.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CÂNDIDO PORTINARI (1903 - 1962) <br />Jesus Consola as Mulheres de Jerusalém - Passo VIII da Via Sacra Desenho a grafite sobre papel<br />27 x 27 cm<br />1945,<br />No canto inferior direito, rubrica CP. Inscrição no canto superior direito 8. Estudo para a pintura Jesus Consola as Mulheres - Igreja de São Francisco de Assis - Pampulha, Belo Horizonte [FCO 2487]<br /><br />")
![Rudolph KÜCHLER (Austrian, 1867-1954) <br />BRONZE DORÉE <br />EVA<br />47X16X14 cm, sobre base bloco mármore oval<br /><br />BIOGRAFIA: Küchler estudou na Academia de Arte de Viena de 1883 a 1890 e depois trabalhou em Berlim, onde fez esculturas arquitetônicas para o Hotel Esplanade , o teatro em Nollendorfplatz e para casas particulares. Em Hamburgo, ele fez esculturas como decoração de fachada para o Berlin Hotel Excelsior . <br />Em nome de Julius Menadier , diretor do Gabinete de Moedas e Medalhas de Berlim , ele projetou medalhas comemorativas para a Primeira Guerra Mundial de 1914 a 1917 . [1] [2]<br />Outras obras de Küchler foram (seleção):<br /><br />Busto de Heinrich Heine , encomendado por Elisabeth da Áustria-Hungria<br />Esgrimista , figura de bronze, início do século 20<br />Eva , figura de bronze (nua), por volta de 1900<br />Ferreiro , figura de bronze<br />Portador de jarro<br />Guerreiro , por volta de 1890<br />A vida é trabalho<br />Hermes , Bronzefigur<br />Porta-lança com coroa de louros<br />Garota nua em Art Nouveau<br />Mulher com flores , figura de bronze<br />Os banhistas , figura de bronze, 1898<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-250/itens/ite-25103/FWDTNNUX.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Rudolph KÜCHLER (Austrian, 1867-1954) <br />BRONZE DORÉE <br />EVA<br />47X16X14 cm, sobre base bloco mármore oval<br /><br />BIOGRAFIA: Küchler estudou na Academia de Arte de Viena de 1883 a 1890 e depois trabalhou em Berlim, onde fez esculturas arquitetônicas para o Hotel Esplanade , o teatro em Nollendorfplatz e para casas particulares. Em Hamburgo, ele fez esculturas como decoração de fachada para o Berlin Hotel Excelsior . <br />Em nome de Julius Menadier , diretor do Gabinete de Moedas e Medalhas de Berlim , ele projetou medalhas comemorativas para a Primeira Guerra Mundial de 1914 a 1917 . [1] [2]<br />Outras obras de Küchler foram (seleção):<br /><br />Busto de Heinrich Heine , encomendado por Elisabeth da Áustria-Hungria<br />Esgrimista , figura de bronze, início do século 20<br />Eva , figura de bronze (nua), por volta de 1900<br />Ferreiro , figura de bronze<br />Portador de jarro<br />Guerreiro , por volta de 1890<br />A vida é trabalho<br />Hermes , Bronzefigur<br />Porta-lança com coroa de louros<br />Garota nua em Art Nouveau<br />Mulher com flores , figura de bronze<br />Os banhistas , figura de bronze, 1898<br />")
![SEMANA DE ARTE MODERNA DE 1922<br /><br />DI CAVALCANTI (Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo, Rio de Janeiro, 1897 — 1976)<br />60x73 cm./<br />Óleo sobre tela<br />Bahianas, 1967.<br />reproduzido no Catálogo da Sothebys- Sale Date: May 27, 1998<br />http://www.artnet.com/artists/emiliano-di-cavalcanti/10<br /><br />Sobre Di, na última exposição póstuma que realizamos em SP, Alexandre Paiva Frade escreveu no catálogo:<br /><br />Segundo Einstein: “A definição de insanidade é fazer a mesma coisa repetidamente e esperar resultados diferentes”, É necessário um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta.”, e ainda “Tudo é energia e isso é tudo o que há.” Se assim é, tudo se faz de pulso e contra pulso, de zero e um, ou positivo e negativo. Essa energia, faz o mundo, faz os softwares funcionarem e fazem a vida pulsar em nosso coração que contrai e retrai!<br /><br />Me parece que, se não fosse o incerto, o inconseqüente, o irresponsável, o inconformado certamente estaríamos na idade das pedras! Aquele que não está disposto a arriscar, está disposto a uma vida comum. Imagine se O império Romano, Napoleão Bonaparte, Alexandre o Grande, Moises, Jesus “não quisessem confusão”, buscassem apenas estabilidade e equilíbrio, o que seria o mundo hoje?<br /><br />Imagine se todos fossemos mornos e equilibrados o quão chata seria a arte, a ciência, a filosofia e os esportes! Pra quê as Olimpíadas? Porquê do pensamento grego? Porquê da busca cientifica, que em grande parte se desenvolveu no campo bélico e na busca natural de superioridade do homem? Porquê da Arte que sempre propõe e se torna ícone registrando o tempo e o pensamento do homem e sua busca pelo desconhecido?<br /><br />Pois é, o que seria de Emiliano, se não se transformasse em di cavalcanti? O que seria, ainda hoje, da mulata brasileira sem suas retratações? A mulata, de certa forma desprezada, por meio da arte de Di, se fez presente em quase todas as paredes aristocráticas que a desprezavam ou não, como pessoa. Era o antagonismo da arte, do belo, do provocativo e do pensamento contraditório em uma mesma parede.<br /><br />O boêmio e sarcástico Emiliano, que freqüentava a Lapa e os rendez-vous de Paris, faz-se o primeiro legitimo embaixador das mulatas, das prostitutas, junto a aristocracia da época. Sua obra se torna um manifesto anti-racista e que desperta a percepção de beleza para essa miscigena raça designada por uma controversa palavra: “mulata”.<br /><br />A mulata nunca mais foi vista da mesma forma, após ser retratada por di cavalcanti.<br /><br />Mas di cavalcanti, famoso por suas mulatas, pintou temáticas outras e criou em sua técnica, dentro do espírito do momento, a volumetria. Suas figuras em “Naturezas Mortas”, favelas, alagados, casarios, samba, carnaval, e até sacras, dotadas de um fantástico volume, primorosa composição e cores tropicais são um compendio do rico momento artístico brasileiro. Momento esse que afirmava o samba, e a Bossa Nova como identidade nacional.<br /><br />Como ver uma obra de di cavalcanti e não acreditar no poder do incerto, do inconseqüente, do irresponsável, do inconformado na criação de uma nova estética? Ou seja di cavalcanti é o criador de uma estética e temática, nunca antes retratada no mundo, di cavalcanti é único e, como na frase de Einsten, com “um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta”. Assim transformou-se num ícone da arte brasileira.<br /><br />Em 1922, idealizou e organizou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo.<br />Criou as publicidades, cartazes e catálogos do evento.<br /><br />Em 1923 mudou-se para Paris onde frequentou a Academia Ranson e travou conhecimento com Pablo Picasso, Fernand Léger, Matisse e muitos outros pensadores da época. Expôs em Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdã e Paris.<br /><br />Em 1926, ilustrou o livro Losango Cáqui, de Mário de Andrade<br /><br />Em 1929 executou os primeiros painéis modernos do Brasil, para o Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro<br /><br />Em 1932, di cavalcanti fundou o Clube dos Artistas Modernos, junto com Flávio de Carvalho, Antônio Gomide e Carlos Prado. e participou em exposições coletivas e salões nacionais e internacionais, como a International Art Center em Nova Iorque.<br /><br />Em 1932 sofreu sua primeira prisão durante a Revolução Constitucionalista e publicou o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época.<br /><br />Em 1937, recebeu medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris.<br /><br />Em 1938, trabalhou na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial.<br /><br />Ilustrou livros de:<br />Vinícius de Morais,<br />Álvares de Azevedo<br />e Jorge Amado.<br /><br />Em 1947, participou com Anita Malfatti e Lasar Segall do júri de premiação de pintura do Grupo dos 19.<br />Em 1949 expôs na Cidade do México.<br /><br />Em 1950, ano desta obra, pinta a celebre obra Aldeia de Pescadores<br /><br />Participou da I Bienal Internacional de Arte de São Paulo em 1951.<br /><br />Em 1953 negou-se a participar da Bienal de Veneza. Recebeu a láurea de melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo, prêmio dividido com Alfredo Volpi.<br /><br />Em 1954, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou exposição retrospectiva de seus trabalhos.<br /><br />Em 1956 participou da Bienal de Veneza e recebeu o I Prêmio da Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste. Criou a enorme tapeçaria do Palácio da Alvorada e pintou as estações para a via-sacra da Catedral Metropolitana de Nossa Senhora Aparecida, de Brasília.<br /><br />Participou com sala Especial na Bienal Interamericana do México, recebendo Medalha de Ouro.<br />Participou com Sala Especial na VII Bienal de São Paulo.<br />Recebeu indicação do presidente brasileiro João Goulart para ser adido cultural na França.<br /><br />Em 1971, o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra.<br />Recebeu prêmio da Associação Brasileira dos Críticos de Arte.<br />A Universidade Federal da Bahia outorgou-lhe o título de doutor honoris causa.<br /><br />Em 1975 foi feito Comendador da Ordem do Infante D. Henrique de Portugal.[7]<br /><br />Faleceu no Rio de Janeiro em 26 de outubro de 1976.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-238/itens/ite-16611/wtVEeVnK.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "SEMANA DE ARTE MODERNA DE 1922<br /><br />DI CAVALCANTI (Emiliano Augusto Cavalcanti de Albuquerque Melo, Rio de Janeiro, 1897 — 1976)<br />60x73 cm./<br />Óleo sobre tela<br />Bahianas, 1967.<br />reproduzido no Catálogo da Sothebys- Sale Date: May 27, 1998<br />http://www.artnet.com/artists/emiliano-di-cavalcanti/10<br /><br />Sobre Di, na última exposição póstuma que realizamos em SP, Alexandre Paiva Frade escreveu no catálogo:<br /><br />Segundo Einstein: “A definição de insanidade é fazer a mesma coisa repetidamente e esperar resultados diferentes”, É necessário um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta.”, e ainda “Tudo é energia e isso é tudo o que há.” Se assim é, tudo se faz de pulso e contra pulso, de zero e um, ou positivo e negativo. Essa energia, faz o mundo, faz os softwares funcionarem e fazem a vida pulsar em nosso coração que contrai e retrai!<br /><br />Me parece que, se não fosse o incerto, o inconseqüente, o irresponsável, o inconformado certamente estaríamos na idade das pedras! Aquele que não está disposto a arriscar, está disposto a uma vida comum. Imagine se O império Romano, Napoleão Bonaparte, Alexandre o Grande, Moises, Jesus “não quisessem confusão”, buscassem apenas estabilidade e equilíbrio, o que seria o mundo hoje?<br /><br />Imagine se todos fossemos mornos e equilibrados o quão chata seria a arte, a ciência, a filosofia e os esportes! Pra quê as Olimpíadas? Porquê do pensamento grego? Porquê da busca cientifica, que em grande parte se desenvolveu no campo bélico e na busca natural de superioridade do homem? Porquê da Arte que sempre propõe e se torna ícone registrando o tempo e o pensamento do homem e sua busca pelo desconhecido?<br /><br />Pois é, o que seria de Emiliano, se não se transformasse em di cavalcanti? O que seria, ainda hoje, da mulata brasileira sem suas retratações? A mulata, de certa forma desprezada, por meio da arte de Di, se fez presente em quase todas as paredes aristocráticas que a desprezavam ou não, como pessoa. Era o antagonismo da arte, do belo, do provocativo e do pensamento contraditório em uma mesma parede.<br /><br />O boêmio e sarcástico Emiliano, que freqüentava a Lapa e os rendez-vous de Paris, faz-se o primeiro legitimo embaixador das mulatas, das prostitutas, junto a aristocracia da época. Sua obra se torna um manifesto anti-racista e que desperta a percepção de beleza para essa miscigena raça designada por uma controversa palavra: “mulata”.<br /><br />A mulata nunca mais foi vista da mesma forma, após ser retratada por di cavalcanti.<br /><br />Mas di cavalcanti, famoso por suas mulatas, pintou temáticas outras e criou em sua técnica, dentro do espírito do momento, a volumetria. Suas figuras em “Naturezas Mortas”, favelas, alagados, casarios, samba, carnaval, e até sacras, dotadas de um fantástico volume, primorosa composição e cores tropicais são um compendio do rico momento artístico brasileiro. Momento esse que afirmava o samba, e a Bossa Nova como identidade nacional.<br /><br />Como ver uma obra de di cavalcanti e não acreditar no poder do incerto, do inconseqüente, do irresponsável, do inconformado na criação de uma nova estética? Ou seja di cavalcanti é o criador de uma estética e temática, nunca antes retratada no mundo, di cavalcanti é único e, como na frase de Einsten, com “um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta”. Assim transformou-se num ícone da arte brasileira.<br /><br />Em 1922, idealizou e organizou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo.<br />Criou as publicidades, cartazes e catálogos do evento.<br /><br />Em 1923 mudou-se para Paris onde frequentou a Academia Ranson e travou conhecimento com Pablo Picasso, Fernand Léger, Matisse e muitos outros pensadores da época. Expôs em Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdã e Paris.<br /><br />Em 1926, ilustrou o livro Losango Cáqui, de Mário de Andrade<br /><br />Em 1929 executou os primeiros painéis modernos do Brasil, para o Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro<br /><br />Em 1932, di cavalcanti fundou o Clube dos Artistas Modernos, junto com Flávio de Carvalho, Antônio Gomide e Carlos Prado. e participou em exposições coletivas e salões nacionais e internacionais, como a International Art Center em Nova Iorque.<br /><br />Em 1932 sofreu sua primeira prisão durante a Revolução Constitucionalista e publicou o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época.<br /><br />Em 1937, recebeu medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris.<br /><br />Em 1938, trabalhou na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial.<br /><br />Ilustrou livros de:<br />Vinícius de Morais,<br />Álvares de Azevedo<br />e Jorge Amado.<br /><br />Em 1947, participou com Anita Malfatti e Lasar Segall do júri de premiação de pintura do Grupo dos 19.<br />Em 1949 expôs na Cidade do México.<br /><br />Em 1950, ano desta obra, pinta a celebre obra Aldeia de Pescadores<br /><br />Participou da I Bienal Internacional de Arte de São Paulo em 1951.<br /><br />Em 1953 negou-se a participar da Bienal de Veneza. Recebeu a láurea de melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo, prêmio dividido com Alfredo Volpi.<br /><br />Em 1954, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou exposição retrospectiva de seus trabalhos.<br /><br />Em 1956 participou da Bienal de Veneza e recebeu o I Prêmio da Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste. Criou a enorme tapeçaria do Palácio da Alvorada e pintou as estações para a via-sacra da Catedral Metropolitana de Nossa Senhora Aparecida, de Brasília.<br /><br />Participou com sala Especial na Bienal Interamericana do México, recebendo Medalha de Ouro.<br />Participou com Sala Especial na VII Bienal de São Paulo.<br />Recebeu indicação do presidente brasileiro João Goulart para ser adido cultural na França.<br /><br />Em 1971, o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra.<br />Recebeu prêmio da Associação Brasileira dos Críticos de Arte.<br />A Universidade Federal da Bahia outorgou-lhe o título de doutor honoris causa.<br /><br />Em 1975 foi feito Comendador da Ordem do Infante D. Henrique de Portugal.[7]<br /><br />Faleceu no Rio de Janeiro em 26 de outubro de 1976.")
![Di Cavalcanti<br />“Vila de Pescadores”<br />Medidas: 54,5 x 73,5 cm.<br />O.S.T.<br />1964<br />Assinado e datado no canto esquerdo.<br /><br />Sobre Di, na última exposição póstuma que realizamos em SP, Alexandre Paiva Frade escreveu no catálogo:<br /><br />Segundo Einstein: “A definição de insanidade é fazer a mesma coisa repetidamente e esperar resultados diferentes”, É necessário um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta.”, e ainda “Tudo é energia e isso é tudo o que há.” Se assim é, tudo se faz de pulso e contra pulso, de zero e um, ou positivo e negativo. Essa energia, faz o mundo, faz os softwares funcionarem e fazem a vida pulsar em nosso coração que contrai e retrai!<br /><br />Me parece que, se não fosse o incerto, o inconseqüente, o irresponsável, o inconformado certamente estaríamos na idade das pedras! Aquele que não está disposto a arriscar, está disposto a uma vida comum. Imagine se O império Romano, Napoleão Bonaparte, Alexandre o Grande, Moises, Jesus “não quisessem confusão”, buscassem apenas estabilidade e equilíbrio, o que seria o mundo hoje?<br /><br />Imagine se todos fossemos mornos e equilibrados o quão chata seria a arte, a ciência, a filosofia e os esportes! Pra quê as Olimpíadas? Porquê do pensamento grego? Porquê da busca cientifica, que em grande parte se desenvolveu no campo bélico e na busca natural de superioridade do homem? Porquê da Arte que sempre propõe e se torna ícone registrando o tempo e o pensamento do homem e sua busca pelo desconhecido?<br /><br />Pois é, o que seria de Emiliano, se não se transformasse em di cavalcanti? O que seria, ainda hoje, da mulata brasileira sem suas retratações? A mulata, de certa forma desprezada, por meio da arte de Di, se fez presente em quase todas as paredes aristocráticas que a desprezavam ou não, como pessoa. Era o antagonismo da arte, do belo, do provocativo e do pensamento contraditório em uma mesma parede.<br /><br />O boêmio e sarcástico Emiliano, que freqüentava a Lapa e os rendez-vous de Paris, faz-se o primeiro legitimo embaixador das mulatas, das prostitutas, junto a aristocracia da época. Sua obra se torna um manifesto anti-racista e que desperta a percepção de beleza para essa miscigena raça designada por uma controversa palavra: “mulata”.<br /><br />A mulata nunca mais foi vista da mesma forma, após ser retratada por di cavalcanti.<br /><br />Mas di cavalcanti, famoso por suas mulatas, pintou temáticas outras e criou em sua técnica, dentro do espírito do momento, a volumetria. Suas figuras em “Naturezas Mortas”, favelas, alagados, casarios, samba, carnaval, e até sacras, dotadas de um fantástico volume, primorosa composição e cores tropicais são um compendio do rico momento artístico brasileiro. Momento esse que afirmava o samba, e a Bossa Nova como identidade nacional.<br /><br />Como ver uma obra de di cavalcanti e não acreditar no poder do incerto, do inconseqüente, do irresponsável, do inconformado na criação de uma nova estética? Ou seja di cavalcanti é o criador de uma estética e temática, nunca antes retratada no mundo, di cavalcanti é único e, como na frase de Einsten, com “um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta”. Assim transformou-se num ícone da arte brasileira.<br /><br />Em 1922, idealizou e organizou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo.<br />Criou as publicidades, cartazes e catálogos do evento.<br /><br />Em 1923 mudou-se para Paris onde frequentou a Academia Ranson e travou conhecimento com Pablo Picasso, Fernand Léger, Matisse e muitos outros pensadores da época. Expôs em Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdã e Paris.<br /><br />Em 1926, ilustrou o livro Losango Cáqui, de Mário de Andrade<br /><br />Em 1929 executou os primeiros painéis modernos do Brasil, para o Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro<br /><br />Em 1932, di cavalcanti fundou o Clube dos Artistas Modernos, junto com Flávio de Carvalho, Antônio Gomide e Carlos Prado. e participou em exposições coletivas e salões nacionais e internacionais, como a International Art Center em Nova Iorque.<br /><br />Em 1932 sofreu sua primeira prisão durante a Revolução Constitucionalista e publicou o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época.<br /><br />Em 1937, recebeu medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris.<br /><br />Em 1938, trabalhou na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial.<br /><br />Ilustrou livros de:<br />Vinícius de Morais,<br />Álvares de Azevedo<br />e Jorge Amado.<br /><br />Em 1947, participou com Anita Malfatti e Lasar Segall do júri de premiação de pintura do Grupo dos 19.<br />Em 1949 expôs na Cidade do México.<br /><br />Em 1950, ano desta obra, pinta a celebre obra Aldeia de Pescadores<br /><br />Participou da I Bienal Internacional de Arte de São Paulo em 1951.<br /><br />Em 1953 negou-se a participar da Bienal de Veneza. Recebeu a láurea de melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo, prêmio dividido com Alfredo Volpi.<br /><br />Em 1954, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou exposição retrospectiva de seus trabalhos.<br /><br />Em 1956 participou da Bienal de Veneza e recebeu o I Prêmio da Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste. Criou a enorme tapeçaria do Palácio da Alvorada e pintou as estações para a via-sacra da Catedral Metropolitana de Nossa Senhora Aparecida, de Brasília.<br /><br />Participou com sala Especial na Bienal Interamericana do México, recebendo Medalha de Ouro.<br />Participou com Sala Especial na VII Bienal de São Paulo.<br />Recebeu indicação do presidente brasileiro João Goulart para ser adido cultural na França.<br /><br />Em 1971, o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra.<br />Recebeu prêmio da Associação Brasileira dos Críticos de Arte.<br />A Universidade Federal da Bahia outorgou-lhe o título de doutor honoris causa.<br /><br />Em 1975 foi feito Comendador da Ordem do Infante D. Henrique de Portugal.[7]<br /><br />Faleceu no Rio de Janeiro em 26 de outubro de 1976.<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-544/itens/ite-23697/S28DZm9t.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Di Cavalcanti<br />“Vila de Pescadores”<br />Medidas: 54,5 x 73,5 cm.<br />O.S.T.<br />1964<br />Assinado e datado no canto esquerdo.<br /><br />Sobre Di, na última exposição póstuma que realizamos em SP, Alexandre Paiva Frade escreveu no catálogo:<br /><br />Segundo Einstein: “A definição de insanidade é fazer a mesma coisa repetidamente e esperar resultados diferentes”, É necessário um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta.”, e ainda “Tudo é energia e isso é tudo o que há.” Se assim é, tudo se faz de pulso e contra pulso, de zero e um, ou positivo e negativo. Essa energia, faz o mundo, faz os softwares funcionarem e fazem a vida pulsar em nosso coração que contrai e retrai!<br /><br />Me parece que, se não fosse o incerto, o inconseqüente, o irresponsável, o inconformado certamente estaríamos na idade das pedras! Aquele que não está disposto a arriscar, está disposto a uma vida comum. Imagine se O império Romano, Napoleão Bonaparte, Alexandre o Grande, Moises, Jesus “não quisessem confusão”, buscassem apenas estabilidade e equilíbrio, o que seria o mundo hoje?<br /><br />Imagine se todos fossemos mornos e equilibrados o quão chata seria a arte, a ciência, a filosofia e os esportes! Pra quê as Olimpíadas? Porquê do pensamento grego? Porquê da busca cientifica, que em grande parte se desenvolveu no campo bélico e na busca natural de superioridade do homem? Porquê da Arte que sempre propõe e se torna ícone registrando o tempo e o pensamento do homem e sua busca pelo desconhecido?<br /><br />Pois é, o que seria de Emiliano, se não se transformasse em di cavalcanti? O que seria, ainda hoje, da mulata brasileira sem suas retratações? A mulata, de certa forma desprezada, por meio da arte de Di, se fez presente em quase todas as paredes aristocráticas que a desprezavam ou não, como pessoa. Era o antagonismo da arte, do belo, do provocativo e do pensamento contraditório em uma mesma parede.<br /><br />O boêmio e sarcástico Emiliano, que freqüentava a Lapa e os rendez-vous de Paris, faz-se o primeiro legitimo embaixador das mulatas, das prostitutas, junto a aristocracia da época. Sua obra se torna um manifesto anti-racista e que desperta a percepção de beleza para essa miscigena raça designada por uma controversa palavra: “mulata”.<br /><br />A mulata nunca mais foi vista da mesma forma, após ser retratada por di cavalcanti.<br /><br />Mas di cavalcanti, famoso por suas mulatas, pintou temáticas outras e criou em sua técnica, dentro do espírito do momento, a volumetria. Suas figuras em “Naturezas Mortas”, favelas, alagados, casarios, samba, carnaval, e até sacras, dotadas de um fantástico volume, primorosa composição e cores tropicais são um compendio do rico momento artístico brasileiro. Momento esse que afirmava o samba, e a Bossa Nova como identidade nacional.<br /><br />Como ver uma obra de di cavalcanti e não acreditar no poder do incerto, do inconseqüente, do irresponsável, do inconformado na criação de uma nova estética? Ou seja di cavalcanti é o criador de uma estética e temática, nunca antes retratada no mundo, di cavalcanti é único e, como na frase de Einsten, com “um toque de gênio – e muita coragem para ir na direção oposta”. Assim transformou-se num ícone da arte brasileira.<br /><br />Em 1922, idealizou e organizou a Semana de Arte Moderna no Teatro Municipal de São Paulo.<br />Criou as publicidades, cartazes e catálogos do evento.<br /><br />Em 1923 mudou-se para Paris onde frequentou a Academia Ranson e travou conhecimento com Pablo Picasso, Fernand Léger, Matisse e muitos outros pensadores da época. Expôs em Londres, Berlim, Bruxelas, Amsterdã e Paris.<br /><br />Em 1926, ilustrou o livro Losango Cáqui, de Mário de Andrade<br /><br />Em 1929 executou os primeiros painéis modernos do Brasil, para o Teatro João Caetano, no Rio de Janeiro<br /><br />Em 1932, di cavalcanti fundou o Clube dos Artistas Modernos, junto com Flávio de Carvalho, Antônio Gomide e Carlos Prado. e participou em exposições coletivas e salões nacionais e internacionais, como a International Art Center em Nova Iorque.<br /><br />Em 1932 sofreu sua primeira prisão durante a Revolução Constitucionalista e publicou o álbum A Realidade Brasileira, série de doze desenhos satirizando o militarismo da época.<br /><br />Em 1937, recebeu medalha de ouro com a decoração do Pavilhão da Companhia Franco-Brasileira, na Exposição de Arte Técnica, em Paris.<br /><br />Em 1938, trabalhou na rádio Diffusion Française nas emissões Paris Mondial.<br /><br />Ilustrou livros de:<br />Vinícius de Morais,<br />Álvares de Azevedo<br />e Jorge Amado.<br /><br />Em 1947, participou com Anita Malfatti e Lasar Segall do júri de premiação de pintura do Grupo dos 19.<br />Em 1949 expôs na Cidade do México.<br /><br />Em 1950, ano desta obra, pinta a celebre obra Aldeia de Pescadores<br /><br />Participou da I Bienal Internacional de Arte de São Paulo em 1951.<br /><br />Em 1953 negou-se a participar da Bienal de Veneza. Recebeu a láurea de melhor pintor nacional na II Bienal de São Paulo, prêmio dividido com Alfredo Volpi.<br /><br />Em 1954, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro realizou exposição retrospectiva de seus trabalhos.<br /><br />Em 1956 participou da Bienal de Veneza e recebeu o I Prêmio da Mostra Internacional de Arte Sacra de Trieste. Criou a enorme tapeçaria do Palácio da Alvorada e pintou as estações para a via-sacra da Catedral Metropolitana de Nossa Senhora Aparecida, de Brasília.<br /><br />Participou com sala Especial na Bienal Interamericana do México, recebendo Medalha de Ouro.<br />Participou com Sala Especial na VII Bienal de São Paulo.<br />Recebeu indicação do presidente brasileiro João Goulart para ser adido cultural na França.<br /><br />Em 1971, o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra.<br />Recebeu prêmio da Associação Brasileira dos Críticos de Arte.<br />A Universidade Federal da Bahia outorgou-lhe o título de doutor honoris causa.<br /><br />Em 1975 foi feito Comendador da Ordem do Infante D. Henrique de Portugal.[7]<br /><br />Faleceu no Rio de Janeiro em 26 de outubro de 1976.<br />")
![ARTISTA VIAJANTE – PERIODO DO IMPÉRIO<br /><br />HILDEBRANDT - Eduard Hildebrandt (Dantzig/Alemanha [atual Gdansk/Polônia], 1817 ou 1818 Berlim/Alemanha, 1868 ou 1869)<br /><br />66 x85 cm assinado cie <br />óleo sobre madeira.<br />Selo exposição no verso PAISAGEM DO RIO DE JANEIRO- ENGENHO VELHO- Paisagem do Rio de Janeiro , – Estudo do o.s.t. da Pinacoteca do Estado de São Paulo -Brasil <br /><br />Pintor e desenhista alemão. Hildebrandt recebeu suas primeiras lições artísticas de seu pai. Ainda jovem, em 1837, mudou-se de Dantzig para Berlim, chegando a visitar alguns estúdios de pintores. Apesar de ter nascido em família pobre, estudou em Berlim entre 1838 e 1840, quando realizou uma viagem de estudos para a ilha de Ruegen, onde descobriu a paisagem da costa do Mar Báltico alemão, utilizando-a como tema para suas pinturas. Visitou ainda a Escandinávia, a Inglaterra e a Escócia com o propósito de conhecer o entorno da costa do mar do norte. Após seu retorno, foi trabalhar no estúdio do pintor de temas marinhos William Krause, que lhe recomendou uma viagem à França. Em 1842, fixou-se em Paris para estudos, sendo influenciado pelo detalhismo de Jean-Baptiste Isabey, de quem foi aluno. Em 1843, participou da Exposição do Salão de Paris com uma pintura de gênero, com a qual foi premiado com medalha de ouro. Voltou a Berlim neste mesmo ano. Em 1844, recomendado por Alexander Von Humboldt, obteve um prêmio de viagem, financiado pelo imperador da Prússia Frederico Guilherme IV, que o levou ao Brasil entre março e outubro desse mesmo ano. Visitou o Rio de Janeiro, São Paulo, Salvador e Recife, de onde partiu posteriormente para os EUA. Durante sua estadia no Brasil, produziu cerca de 170 aquarelas e desenhos (pertencentes ao Museu de Berlim), a maior parte retratando paisagens naturais, fauna e flora, tipos humanos e vistas citadinas. A viagem às Américas foi decisiva na vida artística de Hildebrandt, pois houve uma diminuição significativa da produção de paisagens marítimas, substituídas então por pinturas de paisagens, com a utilização do contraste e vigorosos efeitos de sombra. Ao retornar à Europa, seus esboços e desenhos serviram para criação de aquarelas e pinturas a óleo, muitas delas posteriormente compradas pela realeza. Em 1845, foi nomeado membro da Academia de Belas Artes de Berlim. Pouco depois, foi nomeado pintor da corte, o que lhe permitiu viajar, em 1848, de Londres para Funchal, na Ilha de Madeira, aproveitando a oportunidade para fazer um cruzeiro ao longo da Costa Ocidental Africana. Sabe-se que Hildebrandt visitou Palmas de Gran Canaria (as Ilhas Canárias) e passou pela Espanha e Portugal para finalmente retornar a Berlim, em 1849. Foi uma viagem bastante prolífica, pois rendeu mais de 200 aquarelas, compradas em sua quase totalidade pelo imperador da Prússia. Na “Berliner Kunstausstellung” (Exposição de Belas Artes de Berlin) o artista concorreu com suas telas “Um olhar sobre o mar” e “Entardecer em Madeira”, com as quais recebeu medalha de ouro. Novamente patrocinado pelo imperador prussiano, realizou, entre 1851 e 1864, uma série de viagens para outros países, entre os quais Grécia, Turquia, Egito, Palestina, Escandinávia, Índia, China e Japão. Pintou obras referentes a estes países (compradas também pelo Imperador prussiano e pelo Czar Nicolau I da Rússia), acumulando farto volume de trabalho e usando esse material para compor a obra Viagem à Volta do Mundo, publicada em 1867. Fez ainda outra viagem promovida pela corte prussiana nas montanhas Suíças, na Áustria e na Itália. Participou de exposições individuais e coletivas, onde apresentou suas obras de viagem. É considerado um dos grandes paisagistas alemães do século XIX. <br /> <br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-547/itens/ite-23473/zTadyHkU.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "ARTISTA VIAJANTE – PERIODO DO IMPÉRIO<br /><br />HILDEBRANDT - Eduard Hildebrandt (Dantzig/Alemanha [atual Gdansk/Polônia], 1817 ou 1818 Berlim/Alemanha, 1868 ou 1869)<br /><br />66 x85 cm assinado cie <br />óleo sobre madeira.<br />Selo exposição no verso PAISAGEM DO RIO DE JANEIRO- ENGENHO VELHO- Paisagem do Rio de Janeiro , – Estudo do o.s.t. da Pinacoteca do Estado de São Paulo -Brasil <br /><br />Pintor e desenhista alemão. Hildebrandt recebeu suas primeiras lições artísticas de seu pai. Ainda jovem, em 1837, mudou-se de Dantzig para Berlim, chegando a visitar alguns estúdios de pintores. Apesar de ter nascido em família pobre, estudou em Berlim entre 1838 e 1840, quando realizou uma viagem de estudos para a ilha de Ruegen, onde descobriu a paisagem da costa do Mar Báltico alemão, utilizando-a como tema para suas pinturas. Visitou ainda a Escandinávia, a Inglaterra e a Escócia com o propósito de conhecer o entorno da costa do mar do norte. Após seu retorno, foi trabalhar no estúdio do pintor de temas marinhos William Krause, que lhe recomendou uma viagem à França. Em 1842, fixou-se em Paris para estudos, sendo influenciado pelo detalhismo de Jean-Baptiste Isabey, de quem foi aluno. Em 1843, participou da Exposição do Salão de Paris com uma pintura de gênero, com a qual foi premiado com medalha de ouro. Voltou a Berlim neste mesmo ano. Em 1844, recomendado por Alexander Von Humboldt, obteve um prêmio de viagem, financiado pelo imperador da Prússia Frederico Guilherme IV, que o levou ao Brasil entre março e outubro desse mesmo ano. Visitou o Rio de Janeiro, São Paulo, Salvador e Recife, de onde partiu posteriormente para os EUA. Durante sua estadia no Brasil, produziu cerca de 170 aquarelas e desenhos (pertencentes ao Museu de Berlim), a maior parte retratando paisagens naturais, fauna e flora, tipos humanos e vistas citadinas. A viagem às Américas foi decisiva na vida artística de Hildebrandt, pois houve uma diminuição significativa da produção de paisagens marítimas, substituídas então por pinturas de paisagens, com a utilização do contraste e vigorosos efeitos de sombra. Ao retornar à Europa, seus esboços e desenhos serviram para criação de aquarelas e pinturas a óleo, muitas delas posteriormente compradas pela realeza. Em 1845, foi nomeado membro da Academia de Belas Artes de Berlim. Pouco depois, foi nomeado pintor da corte, o que lhe permitiu viajar, em 1848, de Londres para Funchal, na Ilha de Madeira, aproveitando a oportunidade para fazer um cruzeiro ao longo da Costa Ocidental Africana. Sabe-se que Hildebrandt visitou Palmas de Gran Canaria (as Ilhas Canárias) e passou pela Espanha e Portugal para finalmente retornar a Berlim, em 1849. Foi uma viagem bastante prolífica, pois rendeu mais de 200 aquarelas, compradas em sua quase totalidade pelo imperador da Prússia. Na “Berliner Kunstausstellung” (Exposição de Belas Artes de Berlin) o artista concorreu com suas telas “Um olhar sobre o mar” e “Entardecer em Madeira”, com as quais recebeu medalha de ouro. Novamente patrocinado pelo imperador prussiano, realizou, entre 1851 e 1864, uma série de viagens para outros países, entre os quais Grécia, Turquia, Egito, Palestina, Escandinávia, Índia, China e Japão. Pintou obras referentes a estes países (compradas também pelo Imperador prussiano e pelo Czar Nicolau I da Rússia), acumulando farto volume de trabalho e usando esse material para compor a obra Viagem à Volta do Mundo, publicada em 1867. Fez ainda outra viagem promovida pela corte prussiana nas montanhas Suíças, na Áustria e na Itália. Participou de exposições individuais e coletivas, onde apresentou suas obras de viagem. É considerado um dos grandes paisagistas alemães do século XIX. <br /> <br />")
![Livro Guerras Holandesas no Brasil<br />Santa Teresa, Francisco Xavier de. Istoria delle guerre del regno del Brasile accadute tra la corona di Portugallo, e la republica de Olanda composta, ed offerta alla Sagra Reale Maestá di Pietro Secondo Ré di Portogallo, &c. Dal P.F. Gio: Gioseppe di S. Teresa. Carmelitano Scalzo. Parte prima. Roma, Nella Stamperia degl‘ Eredi del Cobelleti, anno MDCXXCVIII [1698] Con Licenza de‘ Superiori. <br />1 vol. em duas partes. 31 x 21; Parte 1: 5 fls. s.n., c/dedic., aprovação, etc., 232 pp.. 8 fls. s.n., c/índice, um frontispício alegórico, 1 retrato de Pedro II, e 15 mapas desdobrs. e pranchas: Parte 2: 211 pp.. 9 fls. s.n., 1 fl. c/índice de mapas e pranchas, 1 retrato de João IV, 8 fls. desdobrs. mapas e pranchas. SABIN 76794. TERNAUX p. 183. <br /><br />O autor, carmelita português, cujo nome secular era João Noronha Freire, nasceu em 1658. Ingressou em monastério par escapar ao casamento ―arranjado‖ com uma ―prima rica, mas provavelmente, ou mais do que provavelmente feia, senão horrorosa‖ ( Taunay, De Brasiliae rebus pluribus, p. 22) e passou a maior parte de sua vida ana Itália. Santa Teresa traduziu as Meditações de Bartolomeu de Quental para o italiano e escreveu as Finesas de Jesus Sacramentado para com os homes, e ingratidões dos homens para com Jesus Sacramentado, Lisboa Occidental: Na Officina de Antonio Pedrozo Galrão Anno de 1722 (4to, xxiv, 253 pp.), publicada originalmente em italiano (três edições, a última sendo de Milano 1693). <br />A Guerre dei. . . Brasile é uma das mais suntuosas obras publicadas no século XVII sobre tema brasileiro. Recebeu incentivo da ordem de 5 mil cruzados de D. Pedro II e teve suas gravuras executadas pelos mais famosos gravadores da época. Os belos retratos de Pedro II e João IV foram desenhados pelo famoso artista romano Antonio Horacio Andreas e gravado por Benedito Farjat. Farjat, famoso artista francês, nascido em Lion 1646, é conhecido por ter acompanhado seu mentor Guillaume Chasteau a Roma, onde se estabeleceu e adquiriu fama. Uma das pranchas foi gravada por Giovanni Gerolamo Frezza, celebradíssimo artista, discípulo de Arnhol Hesterhout, cujos trabalhos são ainda hoje famosos. <br />O editor A. de Rossi fez imprimir uma nova p. de rosto em 1700, às expensas de G.S. Corvo, substituindo as dos exemplares remanescentes. Essa nova página de rosto lê: Istoria delle guerre del regno dei Brasile accadute tra la corona di Portugallo, e la republica de Olanda. Con le carte geografiche di tutto il regno dei Brasile, distintamente delle sue provincie, ed ancora le piante, e le vedute delle piu principale cittá, e fortezze deu‘ istesso regno si descrivono i fiumi, i porti e le qualitá delle terre, e loro fertilitá ed abbundanza. Si tratta de costumi delle nazioni brasiliane, e della loro conversione alla fede. Si narrano gli avolnimenti piú celebri, e memorabili in tutto il tempo di queste guerre. Composta, ed offerta alla Sagra Reale Maestá di Pietro Secondo re de Portugalo, &c. In Roma, Nella Stamparia di A. de Rossi, A spesse di G.S. Corvo, fauno del ssmo. Giubileo 1700. <br /><br />O ―Santa Teresa‖ é bem conhecido entre os bibliófilos, sendo difícil de se achar completo e em bom estado. Taunay considera esta obra como ―uma das mais dispendiosas ‗peças seiscentistas‘ brasileiras... quando em perfeito estado e com todos os magníficos mapas e gravuras que a ilustram...‖ <br /><br />A respeito de Santa Teresa ver Barbosa Machado, Francisco José Freire Vida do venerável padre Bartolomeu de Quental, 1741 (p. 121), e padre Cosme de Viliiers, Biblioteca Carmelitana, Rome<br /><br />“One of the most sumptuous works published in the seventeenth century on a Brazilian subject” (Borba de Moraes), complete with frontispiece, 2 portraits and 23 maps, plans and views <br /><br />OBS:LIVRO COM COTAÇÃO INTERNACIONAL DE 50/75.000 EUROS <br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-547/itens/ite-23154/flWdcDzp.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Livro Guerras Holandesas no Brasil<br />Santa Teresa, Francisco Xavier de. Istoria delle guerre del regno del Brasile accadute tra la corona di Portugallo, e la republica de Olanda composta, ed offerta alla Sagra Reale Maestá di Pietro Secondo Ré di Portogallo, &c. Dal P.F. Gio: Gioseppe di S. Teresa. Carmelitano Scalzo. Parte prima. Roma, Nella Stamperia degl‘ Eredi del Cobelleti, anno MDCXXCVIII [1698] Con Licenza de‘ Superiori. <br />1 vol. em duas partes. 31 x 21; Parte 1: 5 fls. s.n., c/dedic., aprovação, etc., 232 pp.. 8 fls. s.n., c/índice, um frontispício alegórico, 1 retrato de Pedro II, e 15 mapas desdobrs. e pranchas: Parte 2: 211 pp.. 9 fls. s.n., 1 fl. c/índice de mapas e pranchas, 1 retrato de João IV, 8 fls. desdobrs. mapas e pranchas. SABIN 76794. TERNAUX p. 183. <br /><br />O autor, carmelita português, cujo nome secular era João Noronha Freire, nasceu em 1658. Ingressou em monastério par escapar ao casamento ―arranjado‖ com uma ―prima rica, mas provavelmente, ou mais do que provavelmente feia, senão horrorosa‖ ( Taunay, De Brasiliae rebus pluribus, p. 22) e passou a maior parte de sua vida ana Itália. Santa Teresa traduziu as Meditações de Bartolomeu de Quental para o italiano e escreveu as Finesas de Jesus Sacramentado para com os homes, e ingratidões dos homens para com Jesus Sacramentado, Lisboa Occidental: Na Officina de Antonio Pedrozo Galrão Anno de 1722 (4to, xxiv, 253 pp.), publicada originalmente em italiano (três edições, a última sendo de Milano 1693). <br />A Guerre dei. . . Brasile é uma das mais suntuosas obras publicadas no século XVII sobre tema brasileiro. Recebeu incentivo da ordem de 5 mil cruzados de D. Pedro II e teve suas gravuras executadas pelos mais famosos gravadores da época. Os belos retratos de Pedro II e João IV foram desenhados pelo famoso artista romano Antonio Horacio Andreas e gravado por Benedito Farjat. Farjat, famoso artista francês, nascido em Lion 1646, é conhecido por ter acompanhado seu mentor Guillaume Chasteau a Roma, onde se estabeleceu e adquiriu fama. Uma das pranchas foi gravada por Giovanni Gerolamo Frezza, celebradíssimo artista, discípulo de Arnhol Hesterhout, cujos trabalhos são ainda hoje famosos. <br />O editor A. de Rossi fez imprimir uma nova p. de rosto em 1700, às expensas de G.S. Corvo, substituindo as dos exemplares remanescentes. Essa nova página de rosto lê: Istoria delle guerre del regno dei Brasile accadute tra la corona di Portugallo, e la republica de Olanda. Con le carte geografiche di tutto il regno dei Brasile, distintamente delle sue provincie, ed ancora le piante, e le vedute delle piu principale cittá, e fortezze deu‘ istesso regno si descrivono i fiumi, i porti e le qualitá delle terre, e loro fertilitá ed abbundanza. Si tratta de costumi delle nazioni brasiliane, e della loro conversione alla fede. Si narrano gli avolnimenti piú celebri, e memorabili in tutto il tempo di queste guerre. Composta, ed offerta alla Sagra Reale Maestá di Pietro Secondo re de Portugalo, &c. In Roma, Nella Stamparia di A. de Rossi, A spesse di G.S. Corvo, fauno del ssmo. Giubileo 1700. <br /><br />O ―Santa Teresa‖ é bem conhecido entre os bibliófilos, sendo difícil de se achar completo e em bom estado. Taunay considera esta obra como ―uma das mais dispendiosas ‗peças seiscentistas‘ brasileiras... quando em perfeito estado e com todos os magníficos mapas e gravuras que a ilustram...‖ <br /><br />A respeito de Santa Teresa ver Barbosa Machado, Francisco José Freire Vida do venerável padre Bartolomeu de Quental, 1741 (p. 121), e padre Cosme de Viliiers, Biblioteca Carmelitana, Rome<br /><br />“One of the most sumptuous works published in the seventeenth century on a Brazilian subject” (Borba de Moraes), complete with frontispiece, 2 portraits and 23 maps, plans and views <br /><br />OBS:LIVRO COM COTAÇÃO INTERNACIONAL DE 50/75.000 EUROS <br /><br />")
![NOSSA SENHORA DA NATIVIDADE- Rara imagem de vulto em madeira, entalhada e policromada. PORTUGAL, SÉCULO XIX. Encontra-se na posição ajoelhada para saudar o SALVATOR - MUNDI, feição serena e contemplativa. Mãos de encaixe. Às mãos pode-se acrescentar uma toalha de linho, quando da véspera do Natal. Base ovalada: consta de placa em metal como acabamento.<br />O manto azul, na iconografia, representa a transcendência, o mistério e o divino. É a cor do céu e, por isso, é vista como uma cor celestial.<br />Além disso, o livro de Números indicou que “os levitas devem espalhar sobre [a Arca da Aliança] um pano de azul “(4: 6). E ainda: “E sobre a mesa do pão da Presença eles devem espalhar um pano de cor azul” (4: 7) “. Maria é tradicionalmente chamada de nova Arca da Aliança, pois mantinha dentro de si mesma a Divina Presença de Deus.<br />Medidas:107 x 61 X 45 cm. Acrescida de resplendor em bronze dourado, recortada e cinzelada em raias e nimbos. Diâmetro:24 cm.<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-544/itens/ite-23131/g52vTUW5.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "NOSSA SENHORA DA NATIVIDADE- Rara imagem de vulto em madeira, entalhada e policromada. PORTUGAL, SÉCULO XIX. Encontra-se na posição ajoelhada para saudar o SALVATOR - MUNDI, feição serena e contemplativa. Mãos de encaixe. Às mãos pode-se acrescentar uma toalha de linho, quando da véspera do Natal. Base ovalada: consta de placa em metal como acabamento.<br />O manto azul, na iconografia, representa a transcendência, o mistério e o divino. É a cor do céu e, por isso, é vista como uma cor celestial.<br />Além disso, o livro de Números indicou que “os levitas devem espalhar sobre [a Arca da Aliança] um pano de azul “(4: 6). E ainda: “E sobre a mesa do pão da Presença eles devem espalhar um pano de cor azul” (4: 7) “. Maria é tradicionalmente chamada de nova Arca da Aliança, pois mantinha dentro de si mesma a Divina Presença de Deus.<br />Medidas:107 x 61 X 45 cm. Acrescida de resplendor em bronze dourado, recortada e cinzelada em raias e nimbos. Diâmetro:24 cm.<br />")
![Livro - Commelyn, J. Frederick, GUERRAS HOLANDESAS NO BRASIL COMPLETO<br /><br />Commelyn, J. Frederick Hendrick Van Nassaun Prince van Orangien Zyn Levenen Bedryf; Door I. Commelyn in‘tlicht gebracht. Met Koopere Figuren versiert. [Tot Amsterdam by Jadacus Janssonius Anno 1651].<br /><br />Med. 21 x 20; <br />Eersten Deels: p. de rosto sem imprenta, frontisp. gravado com curto título inserido no motivo alegórico e acima da mencionada imprenta, abaixo da gravura, 2 fls. s.n. <br /><br />Com dedicatória assinada Jodocus Janssonius (retrato de Fredericus Henricus A Nassav no verso da segunda fl.). Texto: 276 pp., 3 fls. s.n c/índice. Tweede Deel: 1 fl. s.n. c/ meia página de título, 216 pp, 2 fls. s.n. c/índice.<br /><br />A primeira parte tem 24 gravuras e a segunda 10, quase todas em página dupla, algumas desdobráveis. <br /><br />A última gravura, desdobrável, representa um funeral e seis são de tipos brasileiros (Bahia, Olinda e Recife, Rio Grande, forte de Santo Agostinho, forte da Paraíba, Arraial). Completo.<br />=============================================================<br />Isaac Commelyn nasceu em Amsterdam, aos 19 de outubro de 1598, falecendo na mesma cidade, em 3 de janeiro de 1676. Livreiro, editor e escritor, e foi autor de várias outras obras.<br /><br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-547/itens/ite-23107/RDGPwEns.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Livro - Commelyn, J. Frederick, GUERRAS HOLANDESAS NO BRASIL COMPLETO<br /><br />Commelyn, J. Frederick Hendrick Van Nassaun Prince van Orangien Zyn Levenen Bedryf; Door I. Commelyn in‘tlicht gebracht. Met Koopere Figuren versiert. [Tot Amsterdam by Jadacus Janssonius Anno 1651].<br /><br />Med. 21 x 20; <br />Eersten Deels: p. de rosto sem imprenta, frontisp. gravado com curto título inserido no motivo alegórico e acima da mencionada imprenta, abaixo da gravura, 2 fls. s.n. <br /><br />Com dedicatória assinada Jodocus Janssonius (retrato de Fredericus Henricus A Nassav no verso da segunda fl.). Texto: 276 pp., 3 fls. s.n c/índice. Tweede Deel: 1 fl. s.n. c/ meia página de título, 216 pp, 2 fls. s.n. c/índice.<br /><br />A primeira parte tem 24 gravuras e a segunda 10, quase todas em página dupla, algumas desdobráveis. <br /><br />A última gravura, desdobrável, representa um funeral e seis são de tipos brasileiros (Bahia, Olinda e Recife, Rio Grande, forte de Santo Agostinho, forte da Paraíba, Arraial). Completo.<br />=============================================================<br />Isaac Commelyn nasceu em Amsterdam, aos 19 de outubro de 1598, falecendo na mesma cidade, em 3 de janeiro de 1676. Livreiro, editor e escritor, e foi autor de várias outras obras.<br /><br />")
![PORTINARI - Candido <br />(Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />42,5x58,5 cm. / 70,5 x86,5 cm.<br />Desenho a grafite lápis de cor.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />Santos, 1944. 2175 FCO1020, volume 3, página 46.<br /><br />Divina Pastora” [FCO 1013]<br />TEMAS:<br />Religioso:Santos<br />Religioso:Arcanjo<br />Figura Humana:Homem<br />DESCRIÇÃO:<br />Composição nos tons preto, rosa, azul e branco. Linhas de contorno e sombreados. Suporte dividido em três retângulos dispostos lado a lado, na vertical, arrematados por quadrados na parte de baixo. À direita, retângulo maior, em azul, que corresponde ao espaço da porta da parede da sala de jantar, onde seria realizada a pintura mural; acima deste retângulo outro menor servindo de arremate. No primeiro retângulo, santo em pé de frente usando longa túnica e manto, braço dobrado na altura do peito e o esquerdo ao longo do corpo, rosto esboçado com barba; fundo em tom rosa. No segundo retângulo outro santo em pé, 3/4 voltado para a esquerda, usando longa túnica e manto, braço esquerdo dobrado na altura do peito, rosto esboçado com longa barba; fundo em tom de azul. No terceiro retângulo, arcanjo em pé, de frente; tem grandes asas, veste túnica longa e segura na mão direita espécie de espada cuja ponta está apoiada no chão; fundo em tom azul. No retângulo acima da porta, meio-busto de santo com barba contra fundo rosa. O fundo de todos os retângulos além da cor estão preenchidos por tracejado rápido de grafite, os dois quadrados laterais abaixo dos retângulos estão coloridos de azul, vendo-se também tracejado rápido a grafite e pontinhos. O quadrado central está colorido de rosa também com rápido tracejado a grafite e pontinhos.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-238/itens/ite-16608/vYTkq3Kg.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "PORTINARI - Candido <br />(Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />42,5x58,5 cm. / 70,5 x86,5 cm.<br />Desenho a grafite lápis de cor.<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />Santos, 1944. 2175 FCO1020, volume 3, página 46.<br /><br />Divina Pastora” [FCO 1013]<br />TEMAS:<br />Religioso:Santos<br />Religioso:Arcanjo<br />Figura Humana:Homem<br />DESCRIÇÃO:<br />Composição nos tons preto, rosa, azul e branco. Linhas de contorno e sombreados. Suporte dividido em três retângulos dispostos lado a lado, na vertical, arrematados por quadrados na parte de baixo. À direita, retângulo maior, em azul, que corresponde ao espaço da porta da parede da sala de jantar, onde seria realizada a pintura mural; acima deste retângulo outro menor servindo de arremate. No primeiro retângulo, santo em pé de frente usando longa túnica e manto, braço dobrado na altura do peito e o esquerdo ao longo do corpo, rosto esboçado com barba; fundo em tom rosa. No segundo retângulo outro santo em pé, 3/4 voltado para a esquerda, usando longa túnica e manto, braço esquerdo dobrado na altura do peito, rosto esboçado com longa barba; fundo em tom de azul. No terceiro retângulo, arcanjo em pé, de frente; tem grandes asas, veste túnica longa e segura na mão direita espécie de espada cuja ponta está apoiada no chão; fundo em tom azul. No retângulo acima da porta, meio-busto de santo com barba contra fundo rosa. O fundo de todos os retângulos além da cor estão preenchidos por tracejado rápido de grafite, os dois quadrados laterais abaixo dos retângulos estão coloridos de azul, vendo-se também tracejado rápido a grafite e pontinhos. O quadrado central está colorido de rosa também com rápido tracejado a grafite e pontinhos.")
![CONCRETISMO BRASIL - GRUPO FRENTE - HOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG - HFG - ESCOLA SUPERIOR DA FORMA - ALEMANHA.<br /><br />ALUÍSIO CARVÃO<br />Sem Título<br />O.S.T.<br />Painel med. 135 x 160 cm.<br />Ass. verso, 1989<br /><br />ARTISTA DO Grupo Frente MAM-RJ entre 1953 e 1956<br />Participou da principal exposição concretista no Rio de Janeiro, a 1ª Exposição Nacional de Arte Abstrata em 1953, em Petrópolis.<br />Foi relevante nas mostras do Grupo Frente realizadas no Rio de Janeiro em 1954 e 1955; <br />Na 1ª Exposição Nacional de Arte Concreta em São Paulo em 1956, e no Rio de Janeiro em 1957.<br /><br />Foi professor no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.<br /><br />Com Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lygia Pape e Reynaldo Jardim, assinou o Manifesto Neoconcreto, escrito por Ferreira Gullar. <br /><br />Com esse grupo de artistas participou da Exposição de Arte Neoconcreta, em 1959, no Rio de Janeiro, também na de São Paulo e Salvador.<br /><br />Em 1960 ganhou o prêmio de viagem ao estrangeiro no Salão Nacional de Arte Moderna. Estudou na Hochschule für Gestaltung - HfG [Escola Superior da Forma] Alemanha.<br />No final da década de 1960 iniciou sua série com material reciclável, evoluindo, como importante nessa obra, para cromática da abstração.<br />Foi também professor na EVA - Escola de Artes Visuais do Parque Lage, <br />Participou de varias bienais no Brasil e no exterior.<br /><br />Em maio de 2001 realizou sua última exposição, juntamente com trabalhos de Ione Saldanha, no Museu de Arte Contemporânea de Niterói.](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-206/itens/ite-17236/LU5aGLwC.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "CONCRETISMO BRASIL - GRUPO FRENTE - HOCHSCHULE FÜR GESTALTUNG - HFG - ESCOLA SUPERIOR DA FORMA - ALEMANHA.<br /><br />ALUÍSIO CARVÃO<br />Sem Título<br />O.S.T.<br />Painel med. 135 x 160 cm.<br />Ass. verso, 1989<br /><br />ARTISTA DO Grupo Frente MAM-RJ entre 1953 e 1956<br />Participou da principal exposição concretista no Rio de Janeiro, a 1ª Exposição Nacional de Arte Abstrata em 1953, em Petrópolis.<br />Foi relevante nas mostras do Grupo Frente realizadas no Rio de Janeiro em 1954 e 1955; <br />Na 1ª Exposição Nacional de Arte Concreta em São Paulo em 1956, e no Rio de Janeiro em 1957.<br /><br />Foi professor no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.<br /><br />Com Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lygia Pape e Reynaldo Jardim, assinou o Manifesto Neoconcreto, escrito por Ferreira Gullar. <br /><br />Com esse grupo de artistas participou da Exposição de Arte Neoconcreta, em 1959, no Rio de Janeiro, também na de São Paulo e Salvador.<br /><br />Em 1960 ganhou o prêmio de viagem ao estrangeiro no Salão Nacional de Arte Moderna. Estudou na Hochschule für Gestaltung - HfG [Escola Superior da Forma] Alemanha.<br />No final da década de 1960 iniciou sua série com material reciclável, evoluindo, como importante nessa obra, para cromática da abstração.<br />Foi também professor na EVA - Escola de Artes Visuais do Parque Lage, <br />Participou de varias bienais no Brasil e no exterior.<br /><br />Em maio de 2001 realizou sua última exposição, juntamente com trabalhos de Ione Saldanha, no Museu de Arte Contemporânea de Niterói.")
![PORTINARI, Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />31X46 cm./ 55x70 cm.<br />óleo sobre tela.<br />DIVINA PASTORA, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2188-FCO1014, volume 3, página 50.<br />(...) Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-238/itens/ite-16609/aBPJTKaa.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "PORTINARI, Candido (Brodowski, SP 1903 — Rio de Janeiro, 1962)<br />31X46 cm./ 55x70 cm.<br />óleo sobre tela.<br />DIVINA PASTORA, 1944<br />Reproduzido no catálogo raisonné do Projeto Portinari<br />2188-FCO1014, volume 3, página 50.<br />(...) Portinari dá início aos estudos de um mural para a casa dos barões de Saavedra − projetada pelo arquiteto Lucio Costa − em Correias, perto de Petrópolis (RJ). O tema escolhido é a Divina Pastora. Em outubro recebe em Brodowski carta da baronesa, dona Carmen Saavedra: Estou desde ontem num entusiasmo enorme com o maravilhoso desenho [...]. Confesso que ultrapassou de muito toda a beleza com que já contava. Estou agora ansiosa por ver começada essa nossa obra.[...] desde ontem ando à procura de Lucio Costa para lhe mostrar o estudo do mural − ele vai ficar louco!")
![MAURINO ARAUJO (Rio Casca MG, 1943)<br />Escultura em madeira<br />60x30x20 cm.<br />(Rio Casca/MG, 1943)<br />BIOGRAFIA:Escultor. Foi criado em uma família camponesa em Minas Gerais, mas mudou-se para o Paraná ainda criança. Começou a produzir peças de barro na infância em companhia do avô, que era oleiro, e aprendeu a desenhar com a avó. Nos anos 1950, mudou-se para Belo Horizonte. Entrou em contato com a escultura de Aleijadinho, que o impressionou e o motivou a procurar instrução artística formal na Escola de Belas Artes; contudo, não encontrou cursos de torêutica. Ingressou no seminário em São João del-Rei (MG), onde começou a praticar a escultura em madeira, abandonando a carreira eclesiástica em 1965 e retornando a Belo Horizonte como artista. Começou expondo na feira de artesanato da Praça da Liberdade, em Belo Horizonte, onde sua obra ganhou a atenção de críticos de arte. Em 1977, viajou à África e participou do II Festival de Arte Negra da Nigéria. Sobre esta viagem, afirmou: “ali, parece que algo dentro de mim acorda, se rompe e começo a me entender melhor”. Realizou exposições individuais a partir de 1972, em Belo Horizonte, Ouro Preto, Rio de Janeiro e São Paulo, e participou de exposições coletivas em Belo Horizonte, São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Bruxelas (Bélgica), Lagos (Nigéria) e Nova York (EUA). Conquistou o Prêmio de Aquisição no IX Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte (1977) e teve uma sala especial dedicada à sua obra na Bienal Nacional de São Paulo de 1976. Sua produção é majoritariamente composta por esculturas em madeira retratando santos e figuras da tradição católica com evidente influência da escultura barroca. Ângelo Oswaldo de Araújo define sua obra: “Corpo opulento, cara arredondada, em rebatimentos arredondados, olhos esbugalhados e cabeleira basta fazem parte do vocabulário de formas copiosas praticado por Maurino de Araújo.” Para Olívio Tavares de Araújo, o que caracteriza sua obra é “a concentração (no sentido químico do termo) e a intensificação de certos estilemas, certos procedimentos formais do barroco, tratados, porém, com uma rusticidade que lhes potencializa o impacto, a dramaticidade, a estranheza. [...] Ao invés de proselitismo faz exorcismo, e sua obra na verdade fornece [...] a atualíssima metáfora de uma humanidade machucada e grotesca.<br />FONTE: http://www.museuafrobrasil.org.br/pesquisa/indice-biografico/lista-de-biografias/biografia/2017/07/03/maurino-de-araújo<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-466/itens/ite-20077/iyVSWVbh.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "MAURINO ARAUJO (Rio Casca MG, 1943)<br />Escultura em madeira<br />60x30x20 cm.<br />(Rio Casca/MG, 1943)<br />BIOGRAFIA:Escultor. Foi criado em uma família camponesa em Minas Gerais, mas mudou-se para o Paraná ainda criança. Começou a produzir peças de barro na infância em companhia do avô, que era oleiro, e aprendeu a desenhar com a avó. Nos anos 1950, mudou-se para Belo Horizonte. Entrou em contato com a escultura de Aleijadinho, que o impressionou e o motivou a procurar instrução artística formal na Escola de Belas Artes; contudo, não encontrou cursos de torêutica. Ingressou no seminário em São João del-Rei (MG), onde começou a praticar a escultura em madeira, abandonando a carreira eclesiástica em 1965 e retornando a Belo Horizonte como artista. Começou expondo na feira de artesanato da Praça da Liberdade, em Belo Horizonte, onde sua obra ganhou a atenção de críticos de arte. Em 1977, viajou à África e participou do II Festival de Arte Negra da Nigéria. Sobre esta viagem, afirmou: “ali, parece que algo dentro de mim acorda, se rompe e começo a me entender melhor”. Realizou exposições individuais a partir de 1972, em Belo Horizonte, Ouro Preto, Rio de Janeiro e São Paulo, e participou de exposições coletivas em Belo Horizonte, São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Bruxelas (Bélgica), Lagos (Nigéria) e Nova York (EUA). Conquistou o Prêmio de Aquisição no IX Salão Nacional de Arte de Belo Horizonte (1977) e teve uma sala especial dedicada à sua obra na Bienal Nacional de São Paulo de 1976. Sua produção é majoritariamente composta por esculturas em madeira retratando santos e figuras da tradição católica com evidente influência da escultura barroca. Ângelo Oswaldo de Araújo define sua obra: “Corpo opulento, cara arredondada, em rebatimentos arredondados, olhos esbugalhados e cabeleira basta fazem parte do vocabulário de formas copiosas praticado por Maurino de Araújo.” Para Olívio Tavares de Araújo, o que caracteriza sua obra é “a concentração (no sentido químico do termo) e a intensificação de certos estilemas, certos procedimentos formais do barroco, tratados, porém, com uma rusticidade que lhes potencializa o impacto, a dramaticidade, a estranheza. [...] Ao invés de proselitismo faz exorcismo, e sua obra na verdade fornece [...] a atualíssima metáfora de uma humanidade machucada e grotesca.<br />FONTE: http://www.museuafrobrasil.org.br/pesquisa/indice-biografico/lista-de-biografias/biografia/2017/07/03/maurino-de-araújo<br />")
![MARIA HELENA ANDRÉS (Belo Horizonte, MG, 1922).<br />Med.:80 x 57 cm. Com moldura:82x59 cm.<br />óleo sobre tela<br />Madona Azul, 1967.<br />Maria Helena Coelho Andrés Ribeiro (Belo Horizonte, MG, 1922). Pintora, desenhista, ilustradora, escritora e professora. Estudou pintura com Carlos Chambelland, no Rio de Janeiro, entre 1940 e 1944, e com Guignard e Edith Behring na Escola do Parque, em Belo Horizonte, entre 1944 e 1947. Participa de diversas edições do Salão Nacional de Belas Artes - SNBA, do Salão Nacional de Arte Moderna - SNAM e da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1946 e 1961. De 1950 a 1970, leciona pintura e desenho na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, na qual chega ocupar o corpo diretivo durante alguns anos. Em 1961, estuda na Arts Students League of New York [Liga dos Estudantes de Arte de Nova York], onde é aluna de Theodorus Stamos. Em meados da década de 1960, colabora com os jornais Diário de Minas e Estado de Minas, escrevendo sobre arte. Publica os livrosVivência e Arte, 1965, e Os Caminhos da Arte, 1977.Realiza várias viagens ao Oriente a partir da década de 1970, e conhece o Nepal, Tibete, Japão, Tailândia e Índia. Nessas ocasiões, participa de seminários e palestras. Em 1979, leciona desenho na Escola de Arte Kalakshetra e criatividade na Theosophical Society [Sociedade Teosófica], em Madras, Índia. Motivada por tais experiências, realiza um estudo comparativo sobre as culturas indiana e brasileira, publicado no livro Oriente-Ocidente: Integração de Culturas, em 1984. Leciona artes na Universidade Holística Internacional, de Brasília, em 1989. Ministra workshops no curso de formação holística de base. Publica o livro Maria Helena Andrés: Depoimentos, em 1998.Fonte:http://www.itaucultural.org.br<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-466/itens/ite-20079/etJ5VuEV.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "MARIA HELENA ANDRÉS (Belo Horizonte, MG, 1922).<br />Med.:80 x 57 cm. Com moldura:82x59 cm.<br />óleo sobre tela<br />Madona Azul, 1967.<br />Maria Helena Coelho Andrés Ribeiro (Belo Horizonte, MG, 1922). Pintora, desenhista, ilustradora, escritora e professora. Estudou pintura com Carlos Chambelland, no Rio de Janeiro, entre 1940 e 1944, e com Guignard e Edith Behring na Escola do Parque, em Belo Horizonte, entre 1944 e 1947. Participa de diversas edições do Salão Nacional de Belas Artes - SNBA, do Salão Nacional de Arte Moderna - SNAM e da Bienal Internacional de São Paulo, entre 1946 e 1961. De 1950 a 1970, leciona pintura e desenho na Escola de Belas Artes de Belo Horizonte, na qual chega ocupar o corpo diretivo durante alguns anos. Em 1961, estuda na Arts Students League of New York [Liga dos Estudantes de Arte de Nova York], onde é aluna de Theodorus Stamos. Em meados da década de 1960, colabora com os jornais Diário de Minas e Estado de Minas, escrevendo sobre arte. Publica os livrosVivência e Arte, 1965, e Os Caminhos da Arte, 1977.Realiza várias viagens ao Oriente a partir da década de 1970, e conhece o Nepal, Tibete, Japão, Tailândia e Índia. Nessas ocasiões, participa de seminários e palestras. Em 1979, leciona desenho na Escola de Arte Kalakshetra e criatividade na Theosophical Society [Sociedade Teosófica], em Madras, Índia. Motivada por tais experiências, realiza um estudo comparativo sobre as culturas indiana e brasileira, publicado no livro Oriente-Ocidente: Integração de Culturas, em 1984. Leciona artes na Universidade Holística Internacional, de Brasília, em 1989. Ministra workshops no curso de formação holística de base. Publica o livro Maria Helena Andrés: Depoimentos, em 1998.Fonte:http://www.itaucultural.org.br<br />")
![MEITO - MADE IN JAPAN- (24) rasos; (12) fundos; (12) sobremesa; Sopeira oval; legumeira redonda; molheira com presentoir; (5) travessas ovais. Total: 65 peças.<br />NAGOYA - JAPAN-1908. Fundada como Nagoya Seito Sho pelo ex-engenheiro da Noritake, Kotero Asukai. A produção trazia a marca: Meito, que significa espada fina ou espada excelente. O nome é, sem dúvida, um aceno para a sede da empresa em Nagoya, no Japão, uma cidade famosa por seu santuário da espada sagrada que é uma das jóias da coroa do Japão. Quando outros engenheiros e artistas da Noritake se juntaram à Asukai, os produtos da Meito chegaram a se assemelhar aos de seu concorrente, a Noritake.<br />HISTÓRIA: https://www.theclassroom.com/the-history-of-meito-china-12079546.html<br />MODELO: https://www.replacements.com/p/meito-mei261-dinner-plate/meimei261/3472241<br />Description: Floral Bouquets Teal Band/White Scrolls- MEI261 by Meito[MEIMEI261]](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-431/itens/ite-18659/6HMs6PSh.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "MEITO - MADE IN JAPAN- (24) rasos; (12) fundos; (12) sobremesa; Sopeira oval; legumeira redonda; molheira com presentoir; (5) travessas ovais. Total: 65 peças.<br />NAGOYA - JAPAN-1908. Fundada como Nagoya Seito Sho pelo ex-engenheiro da Noritake, Kotero Asukai. A produção trazia a marca: Meito, que significa espada fina ou espada excelente. O nome é, sem dúvida, um aceno para a sede da empresa em Nagoya, no Japão, uma cidade famosa por seu santuário da espada sagrada que é uma das jóias da coroa do Japão. Quando outros engenheiros e artistas da Noritake se juntaram à Asukai, os produtos da Meito chegaram a se assemelhar aos de seu concorrente, a Noritake.<br />HISTÓRIA: https://www.theclassroom.com/the-history-of-meito-china-12079546.html<br />MODELO: https://www.replacements.com/p/meito-mei261-dinner-plate/meimei261/3472241<br />Description: Floral Bouquets Teal Band/White Scrolls- MEI261 by Meito[MEIMEI261]")
![Imagem de N. Sra. dos Navegantes, santa do pau-oco, século XVIII. Madeira entalhada, carnação e policromia refeitas, com documentação fotográfica. Globo ocular oco em vidro soprado, cabeleira descoberta em mechas sinuosas. Atributos em metal prateado: coroa, resplendor, corrente e âncora. No verso a base é cavada. MEDIDAS:107x61x40cm.<br />ICONOGRAFIA: Nossa Senhora dos Navegantes é a protetora dos pescadores e marinheiros. A devoção a ela teve início na Idade Média, quando cristãos invocavam a proteção de Maria, mãe de Jesus. Também chamada Stella Maris (expressão latina que significa estrela do mar) Maria recebia os pedidos para que protegesse os Cruzados que navegavam pelo Mediterrâneo. A tradição manteve-se com o passar dos séculos e veio para o Brasil trazida pelos navegadores portugueses. Procissões marítimas são tradicionais no estado de Santa Catarina, nas cidades deNavegantes, Itapema, Bombinhas, Balneário Arroio do Silva, Laguna, Balneário Barra do Sul, Ouro e Mondaí. No Rio Grande do Sul é padroeira na capital Porto Alegre.<br /> [...] Veja mais em: http://www.ndonline.com.br/florianopolis/noticias/23978-fieis-fazem-festa-hoje-<br />(...) Durante os séculos XVIII e XIX o contrabando de ouro em pó, pedras preciosas e moedas falsas utilizou no Brasil (Rio de Janeiro, Salvador, Recife, São Paulo, Minas Gerais, Rio Grande do Sul) o interior das imagens de madeira, de grande vulto, levadas e trazidas de Portugal com valioso recheio. Muitas fortunas tiveram esses fundamentos. Entre outras fontes de prestígio que assinam embaixo da história do contrabando destaca-se, além do próprio Houaiss, o livro “Locuções tradicionais do Brasil”, de Luís da Câmara Cascudo, que se baseia em estudos realizados em meados do século XX por pesquisadores como Menezes de Oliva e Carlos Galvão Krebs.<br />FONTE:http://veja.abril.com.br/blog/sobre-palavras/consultorio/santo-do-pau-oco-alem-do-contrabando/<br />](https://imageset.iarremate.com/?img=galerias/emp-66/comitentes/com-164/itens/ite-4826/UnwLkGOz.jpg&w=100&h=100&v=2.3 "Imagem de N. Sra. dos Navegantes, santa do pau-oco, século XVIII. Madeira entalhada, carnação e policromia refeitas, com documentação fotográfica. Globo ocular oco em vidro soprado, cabeleira descoberta em mechas sinuosas. Atributos em metal prateado: coroa, resplendor, corrente e âncora. No verso a base é cavada. MEDIDAS:107x61x40cm.<br />ICONOGRAFIA: Nossa Senhora dos Navegantes é a protetora dos pescadores e marinheiros. A devoção a ela teve início na Idade Média, quando cristãos invocavam a proteção de Maria, mãe de Jesus. Também chamada Stella Maris (expressão latina que significa estrela do mar) Maria recebia os pedidos para que protegesse os Cruzados que navegavam pelo Mediterrâneo. A tradição manteve-se com o passar dos séculos e veio para o Brasil trazida pelos navegadores portugueses. Procissões marítimas são tradicionais no estado de Santa Catarina, nas cidades deNavegantes, Itapema, Bombinhas, Balneário Arroio do Silva, Laguna, Balneário Barra do Sul, Ouro e Mondaí. No Rio Grande do Sul é padroeira na capital Porto Alegre.<br /> [...] Veja mais em: http://www.ndonline.com.br/florianopolis/noticias/23978-fieis-fazem-festa-hoje-<br />(...) Durante os séculos XVIII e XIX o contrabando de ouro em pó, pedras preciosas e moedas falsas utilizou no Brasil (Rio de Janeiro, Salvador, Recife, São Paulo, Minas Gerais, Rio Grande do Sul) o interior das imagens de madeira, de grande vulto, levadas e trazidas de Portugal com valioso recheio. Muitas fortunas tiveram esses fundamentos. Entre outras fontes de prestígio que assinam embaixo da história do contrabando destaca-se, além do próprio Houaiss, o livro “Locuções tradicionais do Brasil”, de Luís da Câmara Cascudo, que se baseia em estudos realizados em meados do século XX por pesquisadores como Menezes de Oliva e Carlos Galvão Krebs.<br />FONTE:http://veja.abril.com.br/blog/sobre-palavras/consultorio/santo-do-pau-oco-alem-do-contrabando/<br />")
