A partir de ars latina, que significa técnica y / o habilidad. Se puede entender como la actividad humana ligada a las expresiones de orden estético o comunicativa, en poder de una amplia variedad de idiomas, como la arquitectura, la escultura, la pintura, la escritura, la música, la danza y el cine, en sus diversas combinaciones. El proceso creativo comienza a partir de la percepción con el fin de expresar emociones e ideas, con el objetivo de un significado único y diferente para cada trabajo. Es la actividad humana ligada a las expresiones de orden estético, hechos por artistas de la percepción, emociones e ideas, con el fin de estimular este interés de la conciencia en una o más espectadores, y cada obra de arte tiene un significado único y diferente.

El arte está en la estética, ya que se considera un colegio o acto por el cual, una historia de trabajo, imagen o sonido, el hombre crea la belleza de esforzarse para dar expresión al mundo material o inmaterial que le inspira.

Artes Visuales es el nombre dado al grupo constituido por la arquitectura, escultura, artes gráficas y oficios artísticos. artes visuales o las bellas artes expresivas son las formaciones llevadas a cabo utilizando técnicas de producción que manipulan materiales para construir formas e imágenes que revelan una concepción estética y poética en un momento histórico dado. El surgimiento del arte está directamente relacionado con la evolución de la especie humana. Las ofertas de artista con papel, pintura, yeso, arcilla, madera y metal, programas informáticos y otras herramientas tecnológicas para producir piezas. Al igual que los otros, las artes se caracterizan en general y de forma individual por la interacción de forma y contenido. En la evolución de los estilos artísticos se encuentran particularidades del desarrollo histórico. Cada vez que, como el románico, gótico, barroco o renacentista, tiene estilos regionales e individuales característicos con propia evolución y conectado a individualidades artísticas aisladas, cuya investigación es el foro de la historia del arte.

Se desarrolló entre el Paleolítico Superior y el Neolítico, en la que aparecen las primeras manifestaciones que pueden ser consideradas como arte. En el hombre paleolítico, dedicado a la caza y vivir en cuevas, practicaron el llamado arte de la roca. En el Neolítico se convirtió en sedentario y desarrolló la agricultura, con sociedades cada vez más complejas, donde la religión ha adquirido importancia. Ejemplos de ello son los monumentos megalíticos y los inicios de la producción artesanal en forma de vasijas de cerámica y figurillas.

En Egipto y Mesopotamia vivían las primeras civilizaciones altamente estructurados, y sus artistas / artesanos crearon obras complejas que ya cuentan con una especialización profesional. El arte egipcio se caracterizó por el carácter religioso y político, destacando la arquitectura, la pintura y la escultura. La escultura y la pintura muestran la figura humana en un estilo muy hierática y esquemática, debido a la rigidez de sus cánones simbólicos y religiosos. El arte mesopotámico desarrollado en la zona comprendida entre los ríos Tigris y Éufrates, y el testimonio de diferentes culturas, como los sumerios, acadios, asirios y persas. En la arquitectura incluir los zigurats, grandes templos piramidales en los pasos, mientras que la escultura domina las escenas religiosas, la caza y la guerra, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitológicos.

El Arte de la antigua Grecia marcó la evolución del arte occidental. Después de un inicio en el que destacó la civilizaciones minoica y micénica, el arte griego se desarrolló en tres periodos: arcaico, clásico y helenístico. En la arquitectura se encontraban los templos, con sus tres órdenes: dórico, jónico y corintio. Escultura dominó la representación del cuerpo humano, llegando a una síntesis del naturalismo e idealismo en el período clásico, especialmente para la producción de El Mirón, Fidias, Praxíteles y Policleto. Con claros precedentes en el arte etrusco y griego, el arte romano llegó a casi todos los rincones de Europa, norte de África y Oriente Medio, sentando las bases del arte occidental. Grandes ingenieros y constructores, se han destacado en la arquitectura civil desarrollado el arco y acúpula con la construcción de carreteras, puentes, acueductos y obras urbanas, así como templos, palacios, teatros, anfiteatros, circos, baños, arcos de triunfo, etc. La escultura, inspirada en la griega, también se centra en la figura humana, pero de forma más realista. La pintura y el mosaico son conocidos por los restos encontrados en Pompeya y en algunos otros lugares.

El arte medieval, es una derivación directa del arte romano, comenzando con el arte paleocristiano después del reconocimiento oficial del cristianismo como religión del Imperio Romano. Trabajaron las formas clásicas de interpretar la nueva doctrina religiosa. Sin embargo, sólo el estilo clásico se pulverizó en una pluralidad de escuelas de la región, con el advenimiento de las formas más esquemáticas y simplificadas. En la arquitectura se destacó como el tipo basílica, mientras que la escultura de los sarcófagos asume papel destacado, así como mosaicos y pinturas de las catacumbas. El siguiente paso fue el llamado arte bizantino, incorporando influencias orientales y griegas, y con el icono y mosaicos sus principales géneros. El arte románico siguió su paralelo, recibiendo la influencia de los pueblos bárbaros, como los alemanes, los celtas y los godos. Fue el primer estilo internacional de arte después de la caída del Imperio Romano. Eminentemente religiosa, la mayoría del arte rom Anica tiene como objetivo la exaltación y la expansión del cristianismo. La arquitectura enfatiza el uso de bóvedas y arcos, a partir de la construcción de grandes catedrales, que continuará durante el gótico. La escultura se desarrolla principalmente en el contexto arquitectónico, con formas esquemáticas. El arte gótico se desarrolló entre el XII y XVI, y un tiempo de desarrollo económico y cultural. La arquitectura se vio profundamente alterada por la introducción de la ojiva y botante arco, nació formas más ligeras y dinámicas, lo que permitió la construcción de edificios más altos con aberturas más grandes, tipificadas en la catedral gótica. La escultura continúa enmarcada principalmente en la obra arquitectónica, pero comenzó a desarrollarse de manera autónoma, con formas más realistas y elegantes inspiradas en la naturaleza y en parte una recuperación influencias clásicas. Aparecen grandes retablos escultura y la pintura se desarrolla técnicas innovadoras, como el petróleo y el temple, la creación de obras de gran detalle.

La Edad Moderna se inicia en el Renacimiento, período de gran esplendor cultural en Europa. La religión ha dado paso a una concepción científica del hombre y del universo, el humanismo del sistema. Los nuevos descubrimientos geográficos llevado a la civilización europea de ampliar a todos los continentes, y por la invención de la cultura daimprensa se universaliza. Su arte se inspiró principalmente en el arte clásico greco-romano y la observación científica de la naturaleza. Entre sus exponentes son Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti, Bramante, Donatello, Leonardo da Vinci, Dante, Petrarca, Rafael, Durero, Palestrina y Lasso. Continuando Manierismo producido, con la aparición de un mayor individualismo y un sentido del drama y la extravagancia, que proliferan en numerosas escuelas de la región. También fue importante en esta etapa del conflicto entre protestantes y católicos contra-reformistas, que inciden en el arte sacro. Shakespeare, Cervantes, Camões, Andrea Palladio, Parmigianino, Monteverdi, El Greco y Miguel Ángel son algunos de sus representantes más notorios. En el período barroco han fortalecido los estados nacionales, dando lugar al absolutismo. Como reflejo de este arte se convierte en suntuoso y grandilocuente, favoreciendo fuertes contrastes, el sentido del drama y el movimiento. Ellos afirman a sí mismos grandes escuelas en varios países, como Italia, Francia, España y Alemania. Son nombres clave períodoGóngora, Vieira, Molière, Donne, Bernini, Bach, Handel, Lully, Pozzo, Borromini, Caravaggio, Rubens, Poussin, Lorrain, Rembrandt, Ribera, Zurbarán, Velázquez, entre muchos otros.

Su secuencia fue el rococó, emergió de la segunda mitad del siglo XVIII, con más luz y las formas elegantes, favoreciendo decorativismo, la sofisticación aristocrática y la sensibilidad individual. Al mismo tiempo se estableció una corriente iluminista, la predicación de la primacía de la razón y el retorno a la naturaleza. Eran importantes, por ejemplo, Voltaire, Jean-Jacques Rousseau, Carl Philipp Emanuel Bach, Jean-Antoine Houdon, Antoine Watteau, Fragonard Jean Honoré, Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough. A finales del siglo emergen dos corrientes opuestas: el Romanticismo y el Neoclasicismo, que dominan hasta mediados del siglo XIX, a veces ecléctica síntesis, como en la obra de Goethe. Romanticismo hizo hincapié en la experiencia de artista individual con absorta, visionario y obras dramáticas, mientras que el Neoclasicismo recuperación equilibrada ideales del clasicismo y le impuso una función social y política moralizante para el arte. En la primera corriente se pueden destacar Victor Hugo, Byron, Eugène Delacroix, Francisco Goya, Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven, William Turner, Richard Wagner, William Blake, Albert Bierstadt y Caspar David Friedrich, y en el segundo, Jacques-Louis David Mozart, Haydn y Antonio Canova.

Entre mediados del siglo XIX y principios del siglo XX sentó las bases de la sociedad contemporánea, marcada en el campo político por el fin del absolutismo y el establecimiento de gobiernos democráticos. En el campo económico, esta fase marcó la revolución industrial y la consolidación del capitalismo, que tenía las respuestas a la izquierda de doctrinas tales como el marxismo y la lucha de clases. En el arte que tipifica el período es la multiplicación de cadenas altamente diferenciados. A finales del siglo XIX surgió, por ejemplo, el realismo, el impresionismo, el simbolismo y el postimpresionismo.

El siglo XX se caracterizó por un fuerte énfasis en cuestionar el antiguo arte de las bases, propone la creación de un nuevo paradigma de la cultura y la sociedad y derribar todo lo que era la tradición. Hasta mediados del siglo vanguardias fueron incluido en la etiqueta modernista, y desde entonces tienen éxito cada vez más rápidamente, alcanzando hoy en día a un estado de pulverización total de estilos y estéticas, que viven, el diálogo, y que influyen se enfrentan entre sí. También surgido una tendencia a solicitar la participación del público en el proceso de creación, e incorporar el campo artístico una variedad de temas, estilos, prácticas y tecnologías hasta ahora desconocidas o eliminados. Entre las muchas tendencias del siglo XX incluyen: art nouveau, el fauvismo, el puntillismo, la abstracción, el expresionismo, el realismo socialista, el cubismo, el futurismo, el dadaísmo, el surrealismo, el funcionalismo, el constructivismo, el informalismo, el arte pop, el neo-realismo, acción de artes (rendimiento, pasando , fluxus, instalación), op art, videoarte, el minimalismo, el arte conceptual, el realismo fotográfico, land art, el arte povera, arte corporal, el arte posmoderno, transvanguardia, neoexpressionismo.

Esta técnica de grabado implica la creación de marcas (o dibujos) en una matriz (piedra caliza) con un lápiz graso. La base de esta técnica es el principio de repulsión entre el agua y el aceite. A diferencia de otras técnicas de grabado, la litografía es planográfica, a saber, el dibujo se realiza a través de la acumulación de grasa en la superficie de la matriz y no a través de las ranuras y crestas en la matriz, como en el grabado y el grabado ( ver técnica). Su primer nombre fue poliautografia que significa la producción de múltiples copias de los manuscritos y dibujos originales.

es Xilografía Xilogravura o técnica de grabado en el que se utiliza la madera como una plantilla y permite la reproducción de la imagen grabada en el papel u otro soporte adecuado. Es un proceso muy similar con un sello.

Es una técnica que esculpe la madera, con la ayuda de un cortador, la forma o la forma (matriz) que desea imprimir. Después de este procedimiento, se utiliza un rodillo de goma mojado en tinta, apenas tocando las partes altas de la muesca. El proceso final es en relieve de impresión en un papel especial o un paño que se impregna con la tinta para revelar la figura. Entre las variaciones del soporte puede ser grabado en linóleo (linóleo) o cualquier otra superficie plana. Además de las variaciones en la técnica, tales como "grabado top".

impresión de serigrafía o serigrafía es un proceso de impresión en el que se filtró de tinta - pulsando una escobilla de goma o una manija - elaborado a través de una pantalla. La pantalla (serigrafía Matrix), por lo general de poliéster o nylon, se estira sobre un marco (frame), de madera, aluminio o aço.1 el "registro" de la pantalla es a través del proceso de fotosensibilidad, donde la matriz preparó una emulsión fotosensible con se coloca en una fotolitografía, que se establece la matriz + fotolitografía colocado a su vez de una lámpara de mesa. Las manchas oscuras de la fotolitografía corresponden a los sitios que se proyectan en la pantalla, lo que permite el paso de la tinta a través de la estructura de malla, y los puntos de luz (cuando la luz pasa a través de la fotolitografía llegar a la emulsión) están sellados por el endurecimiento de la emulsión fotosensible se expuso a luz.

Se utiliza para imprimir en varios tipos de materiales (papel, plástico, caucho, madera, vidrio, tela, etc.), las superficies (cilíndrica, esférica, irregular, luz, oscuro, opaco, brillante, etc.), espesores o tamaños, con diferentes tipos de pinturas o colores. Se puede hacer mecánicamente (por personas) o automático (máquina).

La serigrafía se caracteriza por ser uno de los procesos de grabado, determinada imagen planográfica.